facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 1:15

Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина совместно с Министерством культуры РФ, Министерством культурного наследия, культурной деятельности и туризма Италии и Посольством Италии в РФ предлагает вниманию зрителей масштабный и исключительный по своей значимости проект «Венеция Ренессанса. Тициан, Тинторетто, Веронезе. Картины из собраний Италии и России», представляющий 25 произведений, исполненных тремя величайшими живописцами. В Москве эти работы будут собраны впервые, а некоторые из них никогда не покидали пределов Италии.

ГМИИ им. А. С. Пушкина – это музей, который стремится в полной мере продемонстрировать своему зрителю, насколько велика история итальянской культуры. В прошлом году прошла выставка, посвященная творчеству Рафаэля Санти. Сегодня для посещения доступна экспозиция Джорджо Моранди. И проект, находящийся в разработке, также посвящен художникам Золотого Века Ренессанса, а именно представителям великого Венецианского искусства этого периода – Тициану Вечеллио, Якопо Тинторетто и Паоло Веронезе.

«Мы работаем не один год в направлении продвижения итальянского искусства в России, - отмечает временно исполняющий обязанности Посла Италии в России Микеле Томмази. – Музей им. А. С. Пушкина – основополагающий инструмент распространения нашей культуры среди россиян. Что меня поразило во время проведения выставки Рафаэля, так это огромные очереди людей, стоящих в мороз на улице. Трудно найти такую благодарную аудиторию. Усилия, затрачиваемые на организацию подобных проектов, российская публика заслуживает полностью».

Выставка предоставит уникальную возможность увидеть 25 работ, полученных из разных итальянских музеев, церквей и в небольшой степени из российских коллекций (Музея Пушкина, Эрмитажа и одного частного собрания). Тем не менее, одна из ключевых концепций проекта заключается в том, что произведения поступают из итальянских собраний, оценить которые, даже побывав в Италии самолично, не всегда представляется возможным. Таким образом, организаторы вынуждены справляться с разного рода технологическими и профессиональными трудностями, чтобы совместно с итальянскими партнерами иметь возможность осуществить задуманное и получить лучшие вещи, не случайно собранные вместе. Зрители познакомятся с произведением Паоло Веронезе из личного собрания музея «Воскресение Христа», которое впервые предстанет на выставке после тщательной и длительной реставрации, проведенной заведующей мастерской реставрации живописи ГМИИ Н. С. Кошкиной.

«У выставки есть одна завораживающая особенность, которую можно назвать своего рода профессиональной сенсацией, - рассказывает директор ГМИИ им. А. С. Пушкина Марина Лошак. – В собрание войдет одна вещь, новая не только для публики, но и для большого количества профессионалов. Композиция Тициана Вечеллио «Венера и Адонис» - одна из важнейших работ художника – была атрибутирована Викторией Марковой, чем мы очень гордимся, поскольку в наших стенах работает исключительно талантливый человек, умеющий распознать искусство. Виктория Эммануиловна, наряду с Томасом Далла Коста и Бернардом Айкемом из Веронского университета, выступит в качестве куратора выставки».

Почему выбор пал на этих трех живописцев? В тени Рафаэля и Микеланджело, то есть линии римско-тосканской, оказывается Возрождение Венецианской школы, ярчайшим представителем которого является Тициан.  И он справедливо занимает равное место среди великих гениев Ренессанса: Микеланджело, Рафаэля и Леонардо. Тем не менее, в римско-тосканком контексте творчество Тициана не раскрывается во всем своем своеобразии, так как линия венецианская начинается с некоторым опозданием по сравнению с Флоренцией, а потому носит совершенно иные черты. Остается лишь стержень, гуманистическая основа Ренессанса – высокое представление о человеке, то главное, что эпоха внесла в европейскую культуру последующих лет.

Окончательный феномен Венецианского Возрождения формируется в творчестве Тициана. Он добивается того, что становится главной фигурой в живописи Венеции к концу 30-х годов. К тому времени не остается никаких конкурентов и он создает многие свои важные вещи. Самое главное, что происходит в 30-е годы, – Тициана знакомят с императором Карлом V, который становится одним из основных его заказчиков. Но главным заказчиком художника был Филипп II – сын Карла V. Таким образом, Тициан – ключевая фигура XVI века с точки зрения истории искусства по многих параметрам. А в 50-е годы на арену венецианской художественной жизни выходят два гения уже нового поколения – это Якопо Тинторетто и Паоло Веронезе, который был младше коллеги на 8 лет.

«Получается интересная ситуация, - отмечает главный научный сотрудник ГМИИ им. А. С. Пушкина Виктория Маркова. – Молодой Тициан, который всегда боролся за свое лидерство в Венеции, оказывается покровителем этих художников. Он даже одаривает Веронезе золотой цепью, признавая в нем своего наследника, продолжателя традиций. Тициан добился того, что его миропонимание стало ассоциироваться с Венецианской живописью, и приехавшие молодые художники, основываясь на том, что сделал Тициан, пошли дальше, не нарушая этой линии, которая дальше пошла в европейское искусство».

Именно Тициан впервые в истории живописи подошел к чистому холсту и сразу начинал писать. Этот метод работы красками впоследствии стал общепринятым. Без этих трех художников было бы невозможно творчество Питера Пауля Рубенса, Никола Пуссена, Диего Веласкеса и многих других. Заложенная ими линия идет вплоть до XIX века. 

Выставка молодых художников и скульпторов из стран СНГ

Понедельник, 17 Октябрь 2016 00:38 Опубликовано в События

В Общественной палате РФ состоялось торжественное открытие выставки участников Международного художественного симпозиума стран СНГ при участии Комиссии по развитию общественной дипломатии и поддержке соотечественников за рубежом, «Российского фонда мира» и Академии искусств Игоря Бурганова.

Подобные мероприятия в Общественной палате проводятся уже не первый год. Как правило, в Москву приглашается талантливая молодежь из стран СНГ, однако в 2015 году организаторам поступило много вопросов касательно отсутствия на симпозиуме китайских деятелей искусства. Замечания были учтены, и на этот раз в столицу прибыли и студенты из КНР.

Молодых художников ожидает богатая культурно-просветительская программа, включающая в себя посещение столичных музеев, выставок современного искусства, мастерских известных ваятелей и живописцев, а также прослушивание лекций ведущих российских и зарубежных специалистов в своей области. Уже состоялся мастер-класс знаменитого скульптора Зураба Церетели, а также несколько встреч в Академии Игоря Бурганова.

«Наша академия дает дополнительное профессиональное образование, - рассказывает основатель академии художник Игорь Бурганов. – Задача академии – ввести уже сложившихся художников в мировой культурный оборот. Поэтому у нас немного москвичей: в основном это ребята из других городов и стран. Принцип основывается на том, чтобы ребята общались с лучшими отечественными художниками и впитывали то, что они делают, потому что учиться надо у живых классиков».

На церемонии открытия состоялось также вручение дипломов художникам-профессорам, у которых учились ребята: народному художнику Геннадию Провоторову и советскому и российскому скульптору Александру Цигалю.

«Я побывал в разных уголках планеты, - говорит Геннадий Провоторов. – И я соприкоснулся с другими взглядами на искусство, эстетику – прочувствовал их. У нынешних молодых художников свои критерии, отличные от тех, что были у моего поколения. Появились новые архитектурные пространства, в которые не впишешь Аполлона – он будет инороден, однако он остается в сердцах и головах всех представителей деятелей культуры как незыблемое понятие о красоте и пропорциях в пластике».

Самые перспективные студенты художественных факультетов ведущих профильных вузов СНГ проходят строгий многоэтапный конкурсный отбор, и лучшие из них получают возможность приехать в Москву, чтобы в одном творческом пространстве работать вместе и делиться опытом, приобщаясь к культурам других народов.  

«У меня учатся люди не из Москвы: кто-то из Чувашии, кто-то из Сибири, кто-то из Санкт-Петербурга – люди разные, - рассказывает Александр Цигаль. – И я вожу их в мастерские, знакомлю с художниками, выставляю их работы на выставках, то есть стараюсь дать людям шанс вступить в творческую жизнь. Сегодня так устроено, что большинство художников сидят по мастерским, и прорваться им очень сложно. А у нас они получают такую возможность». 

На выставке представлены картины и скульптуры 38 участников из 9 стран. и в скором времени планируется выпуск учебного пособия, разработанного Академией искусств Игоря Бурганова совместно с Российской академией художеств. 

18 марта 2016 года в Центре дизайна ARTPLAY в Москве открылась мультимедийная выставка «БОСХ. Ожившие видения». Выставка проходит в рамках Года Босха в Европе. На выставке, помимо картин художника, представлена информация о его загадочной жизни и удивительном творчестве.

На выставке «Босх. Ожившие видения» каждый может оказаться в картине самого загадочного художника в истории. Хэштеги «Босх» и «Сад земных наслаждений» точно будут одними из самых популярных в социальных сетях до конца работы выставки, которая продлится до 31 мая 2016 года.

Мультимедийная выставка – новый способ знакомства с прекрасным. Ожившие полотна Ван Гога, а ранее Малевича собрали в Центре дизайна ARTPLAY несколько сотен тысяч человек. Босха в собраниях России нет, а это значит, что экспозиция должна побить все рекорды. О произведениях Босха мечтают все крупные музеи. Но лишь один раз, к Юбилею Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина картину «Извлечение камня глупости» четыре года назад, одолжил музей Прадо.

Посетителям выставки демонстрируют ужасные, омерзительные, но между тем удивительные и притягательные образы голландского художника. Полотна Босха пронизаны суеверным страхом средневекового человека, его картины наполнены пузатыми чудовищами, скользкими гадами и других странными фантазиями.

Мультимедийный проект «БОСХ. Ожившие видения» – это 30 картин, только семь из которых были подписаны. У произведений нет названий от самого автора, есть только те, что впоследствии были придуманы исследователями творчества Босха. Для демонстрации полотен задействованы современные проекторы высокого разрешения, многоканальная анимационная графика, гигантские экраны и объемный звук в сопровождении классической музыки для полного погружения в атмосферу.

«Будучи загадочной персоной Босх, как и Леонардо да Винчи, притягивает к себе не только исследователей, но и представителей популярной литературы. Поэтому ключи к понимаю следует искать у классических искусствоведов Гомбриха и Панофского», - отметил студент Московского государственного академического художественного института имени В. И. Сурикова.

«Созерцая Босха, нельзя не вспомнить об одном из наших современников Дейве Патчетте, который явно писал под впечатлением Босха», - говорит один из посетителей выставки.

2016 год в Европе объявлен годом Иеронима Босха в память об одном из самых загадочных живописцев в истории западного искусства, ушедшем из жизни 500 лет назад, в августе 1516 года. По такому случаю на родине художника в Хертогенбосе (Нидерланды), в Мадриде, Венеции и других городах Европы пройдут масштабные выставки работ самого Босха, а также современных мастеров, вдохновленных неразгаданными символами и тайнами творчества выдающегося мастера Северного Возрождения.

Организатор выставки

Компания ARTPLAY MEDIA – разрабатывает и реализовывает выставочные проекты в актуальных медиаформатах. Технологии, которые применяются при создании выставок, включают многоканальную анимационную графику, использование десятков современных проекторов самого высокого разрешения, гигантские экраны и объемный звук. Ранее компания уже представила публике такие популярные выставки, как «Великие модернисты. Революция в искусстве» и «Микеланджело. Сотворение мира».

Азия везде

Среда, 09 Сентябрь 2015 16:17 Опубликовано в На перекрестке культур

Азия стремится к неземному, а Европа — к земному. Поэтому Европе нужны реальные, полные жизни образы. Азия ищет душу вне материи. Это отказ от платоновской идеи представления вещей через изображение человека или животных, то есть преходящего.

- Курбан Саид

С 4 сентября по 8 октября 2015 года в Музее Востока можно будет увидеть творчество трех художников из разных стран и континентов: американца Питера Миллера из Японии, японку Хисако Кобаяси из США и чеха Романа Камеша, делящего свою жизнь на Индию и Францию. Посетителей встретит экспозиция, состоящая из 130 работ, часть из которых была написана специально к выставке. 

Мастер боевых искусств, а по совместительству известный японский актер Сё Косуги сказал: «Двадцатый век был веком Европы, XXI век – это век Азии». Азиатская культура, не прогнувшись под мейнстримными течениями и мировыми тенденциями, с невероятной скоростью покорила мир, продолжая следовать своему традиционному курсу. Кухня, фильмы, анимация, мода, архитектура, дизайн, спорт  – отныне практически во всех сферах нашей жизни чувствуется ее влияние. Выставка объясняет этот феномен с личной точки зрения трех художников, для которых эстетика Востока стала основой художественного языка. 

 

Питер Миллер

Американец Питер Миллер родился в Питтсбурге (США). В 1981 году переезжает в Японию, где уже более 30 лет проживает в городе Камакура. Здесь он начинает самостоятельно изучать технику фотогравюры, становясь, таким образом, одним из нескольких художников в мире, работающих в данной технике. С 2003 года совершает длительные путешествия по странам Европы, по России, Монголии.

Фотогравюра – это репродукция картины или фотоснимка, произведенная путем печати с металлической доски, изготовленной фотохимическим способом. Фотогравюра применяется при офортной глубокой печати (интальо), когда передача изображения на бумагу осуществляется с печатной «выпуклой» формы. В процессе фотогравирования фотографическое изображение химическим способом вытравливается на медной пластине. После покрытия пластины типографской краской и вытирания ее насухо в углублениях остается достаточно краски, чтобы после прокатывания на офортном станке пластины в контакте с листом бумаги получилось изображение.

Таким образом, весь процесс состоит из пяти этапов: сначала изготавливают негатив на стеклянной пластине, затем по заданному негативу делают позитив. Когда все готово, изображение со стеклянной пластины переносят на медную путем травления. И, наконец, пластина вручную раскрашивается, что дает отпечаток на ручной печатной машине.

 

«Моя жизнь художника началась в 1991 году, когда я построил фотогравюрную мастерскую в городе Камакура в Японии. Без учительского наставления, работая с краской, медной гравировальной доской, бумагой и ультрафиолетом, я учился этой технике методом проб и ошибок – в основном ошибок. Мое путешествие в мир фотогравюры XIX века (Уильям Генри Фокс Талбот, Джозеф Нисефор Ньепс, Питер Генри Эмерсон) совпало с возросшим интересом к рукотворным вещам, несущим печать времени, ассиметричным, несовершенным. И тогда я обнаружил для себя эстетику ваби-саби, как ее называют японцы, более близкую мне по духу, чем классическая фотография или чрезмерно экспрессивное искусство. И поскольку я хотел, чтобы зрители воспринимали мои работы как продолжение своих воспоминаний и своего опыта, я искал вдохновения в природе и повседневной жизни, которые могли бы скорее раскрыть, чем навязать эмоциональную интенсивность».

Хисако Кобаяси

Хисако Кобаяси родилась в Токио (Япония). В 1981году переехала в Нью-Йорк, где училась в одном из ведущих учебных заведений США в области искусства – Институте Пратт. Работы Кобаяси выполнены в стиле абстрактного импрессионизма – они совмещают в себе интерес к прозрачным цветам, едва уловимым нюансам и музыкальности ритмов. С 1990-х годов проводит персональные выставки в Америке, Японии, Франции, Германии, Гватемале и других странах мира.

«Я училась фигуративной живописи в Институте Пратта в Нью-Йорке, но быстро примкнула к течению, которое обобщенно называют абстрактной живописью. В своих работах я стараюсь привести в гармонию беспорядок природы. Я наделяю живопись поэтическим смыслом, подобным музыке, которая вызывает спонтанные импульсы, наполняющие нашу жизнь и пошатывающие привычный порядок вещей. Собрать целое из частей – вот что для меня важно. Таким образом, моя живопись, внешне абстрактная, отражает мое ощущение мира. При помощи линии и цвета я формирую отношения между вещами. Я стремлюсь к тому, чтобы линия, цвет и текстура в моей живописи взаимодействовали необузданно – динамичные, сильные, хрупкие, любые другие, будто это великолепно написанное и исполненное музыкальное произведение».

Роман Камеш 

Роман Камеш родился в Праге (Чехословакия), но в 1973 году иммигрировал во Францию, где и проживает в настоящее время. С 1992 года он ежегодно на несколько месяцев путешествует в Ладакх (Северная Индия) и преподает в местной детской художественной школе, а в Париже издает каталоги чешских и французских художников. Часть работ Камеша, представленная на выставке, выполнена акрилом на особо ценной и редкой гималайской бумаге. 

«К концу 1980-х мои работы приближаются к минимализму и концептуализму, явлениям, поздно проникшим в парижские галереи. Краски покидают мои картины и растворяются в безысходном сером цвете. Индия и Ладакх, куда я отправился по приглашению фотографа и знатока тех мест, Ярослава Понкара, вновь открыли во мне взгляд художника. Начинается путешествие по цветным пространствам, ожившей и бесконечной картине. Разноцветные горы, ледники, высокогорные озера, ущелья, зыбучие пески, которые станут для меня метафорой, луна, солнце, муссоны – все это насыщает мои картины, взгляд обновляется.

Тибетская живопись была закодирована на протяжении нескольких веков. Чтобы заниматься ей, надо сначала пройти шестилетнее обучение. Здесь не принято давать детям рисовать, для этого надо все привозить с собой и противостоять замкнутости местных учителей. Энтузиазм учеников растет на глазах, как только они видят, что всем хватает красок и кистей. Стереотипы исчезают, живопись становится живой, экспрессивной и продуманной».

5 сентября художники провели мастер-классы, где рассказали гостям каждый о своем опыте и дали возможность москвичам попробовать себя в фотогравюре и абстрактной живописи. Полностью сохраняя атмосферу Азии на встречах, организаторы мастер-классов устроили бесплатную дегустацию чая в Чайной комнате музея.

Мастер-класс Романа Камеша

Для каждого из этих художников восточная эстетика – не просто некое иллюзорное понятие, но принцип, оказавший большое влияние на формирование их художественного языка и создавший то настроение, которое отличает их полотна от работ их коллег.

 

 

Использованные материалы:

http://www.orientmuseum.ru/

https://ru.wikipedia.org/

Страница 1 из 9