facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 10:32

Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина совместно с Министерством культуры РФ, Министерством культурного наследия, культурной деятельности и туризма Италии и Посольством Италии в РФ предлагает вниманию зрителей масштабный и исключительный по своей значимости проект «Венеция Ренессанса. Тициан, Тинторетто, Веронезе. Картины из собраний Италии и России», представляющий 25 произведений, исполненных тремя величайшими живописцами. В Москве эти работы будут собраны впервые, а некоторые из них никогда не покидали пределов Италии.

ГМИИ им. А. С. Пушкина – это музей, который стремится в полной мере продемонстрировать своему зрителю, насколько велика история итальянской культуры. В прошлом году прошла выставка, посвященная творчеству Рафаэля Санти. Сегодня для посещения доступна экспозиция Джорджо Моранди. И проект, находящийся в разработке, также посвящен художникам Золотого Века Ренессанса, а именно представителям великого Венецианского искусства этого периода – Тициану Вечеллио, Якопо Тинторетто и Паоло Веронезе.

«Мы работаем не один год в направлении продвижения итальянского искусства в России, - отмечает временно исполняющий обязанности Посла Италии в России Микеле Томмази. – Музей им. А. С. Пушкина – основополагающий инструмент распространения нашей культуры среди россиян. Что меня поразило во время проведения выставки Рафаэля, так это огромные очереди людей, стоящих в мороз на улице. Трудно найти такую благодарную аудиторию. Усилия, затрачиваемые на организацию подобных проектов, российская публика заслуживает полностью».

Выставка предоставит уникальную возможность увидеть 25 работ, полученных из разных итальянских музеев, церквей и в небольшой степени из российских коллекций (Музея Пушкина, Эрмитажа и одного частного собрания). Тем не менее, одна из ключевых концепций проекта заключается в том, что произведения поступают из итальянских собраний, оценить которые, даже побывав в Италии самолично, не всегда представляется возможным. Таким образом, организаторы вынуждены справляться с разного рода технологическими и профессиональными трудностями, чтобы совместно с итальянскими партнерами иметь возможность осуществить задуманное и получить лучшие вещи, не случайно собранные вместе. Зрители познакомятся с произведением Паоло Веронезе из личного собрания музея «Воскресение Христа», которое впервые предстанет на выставке после тщательной и длительной реставрации, проведенной заведующей мастерской реставрации живописи ГМИИ Н. С. Кошкиной.

«У выставки есть одна завораживающая особенность, которую можно назвать своего рода профессиональной сенсацией, - рассказывает директор ГМИИ им. А. С. Пушкина Марина Лошак. – В собрание войдет одна вещь, новая не только для публики, но и для большого количества профессионалов. Композиция Тициана Вечеллио «Венера и Адонис» - одна из важнейших работ художника – была атрибутирована Викторией Марковой, чем мы очень гордимся, поскольку в наших стенах работает исключительно талантливый человек, умеющий распознать искусство. Виктория Эммануиловна, наряду с Томасом Далла Коста и Бернардом Айкемом из Веронского университета, выступит в качестве куратора выставки».

Почему выбор пал на этих трех живописцев? В тени Рафаэля и Микеланджело, то есть линии римско-тосканской, оказывается Возрождение Венецианской школы, ярчайшим представителем которого является Тициан.  И он справедливо занимает равное место среди великих гениев Ренессанса: Микеланджело, Рафаэля и Леонардо. Тем не менее, в римско-тосканком контексте творчество Тициана не раскрывается во всем своем своеобразии, так как линия венецианская начинается с некоторым опозданием по сравнению с Флоренцией, а потому носит совершенно иные черты. Остается лишь стержень, гуманистическая основа Ренессанса – высокое представление о человеке, то главное, что эпоха внесла в европейскую культуру последующих лет.

Окончательный феномен Венецианского Возрождения формируется в творчестве Тициана. Он добивается того, что становится главной фигурой в живописи Венеции к концу 30-х годов. К тому времени не остается никаких конкурентов и он создает многие свои важные вещи. Самое главное, что происходит в 30-е годы, – Тициана знакомят с императором Карлом V, который становится одним из основных его заказчиков. Но главным заказчиком художника был Филипп II – сын Карла V. Таким образом, Тициан – ключевая фигура XVI века с точки зрения истории искусства по многих параметрам. А в 50-е годы на арену венецианской художественной жизни выходят два гения уже нового поколения – это Якопо Тинторетто и Паоло Веронезе, который был младше коллеги на 8 лет.

«Получается интересная ситуация, - отмечает главный научный сотрудник ГМИИ им. А. С. Пушкина Виктория Маркова. – Молодой Тициан, который всегда боролся за свое лидерство в Венеции, оказывается покровителем этих художников. Он даже одаривает Веронезе золотой цепью, признавая в нем своего наследника, продолжателя традиций. Тициан добился того, что его миропонимание стало ассоциироваться с Венецианской живописью, и приехавшие молодые художники, основываясь на том, что сделал Тициан, пошли дальше, не нарушая этой линии, которая дальше пошла в европейское искусство».

Именно Тициан впервые в истории живописи подошел к чистому холсту и сразу начинал писать. Этот метод работы красками впоследствии стал общепринятым. Без этих трех художников было бы невозможно творчество Питера Пауля Рубенса, Никола Пуссена, Диего Веласкеса и многих других. Заложенная ими линия идет вплоть до XIX века. 

До 28 мая 2017 года посетители музея С. С. Прокофьева смогут застать выставку «3D-измерения Прокофьева». Проект стал продолжением программы «Прокофьев.125», посвященной юбилею, отмечавшемуся в прошлом году.

Кураторы Государственного центра современного искусства, Виталий Пацюков и Анастасия Козаченко, предлагают новый взгляд на творчество композитора сквозь призму современного искусства. Название выставки отражает не только технологию воплощения, но и жанровое разнообразие, свойственное творчеству Прокофьева, чьи музыкальные образы пронизаны визуальными смыслами.

Сергей Прокофьев как один из виднейших деятелей искусства XX столетия обращается к принципам коллажного сознания и технологиям визуально-акустического монтажа. Его творческую программу можно обозначить как «монтаж аттракционов». Композитор естественно пересекал территории самых противоположных жанров – авангардную хореографию, радикальный кинематограф, оперные новации. В экспозиции художественная реальность композитора представлена как многоуровневая система, в которой синхронно существуют музыка, кинематографические произведения, кинетические объекты, практика перформативных форм.

Творчество Прокофьева неотделимо от современных форм культуры, соединяющих в себе мультимедийные средства художественного языка. Его образность в проекте представлена интерактивными конструкциями Аллы Урбан, Валерия Мартынчика, Ольги Кройтор, Дарьи Коноваловой-Инфантэ, Алексея Дьякова. Также в рамках выставки будут представлены реплики на известные балеты композитора в виде современных плакатов (Московская школа дизайнеров Т2), живописные конструкции Арсена Левоне и работы, свободно соединяющие в себе различные жанры и техники (Владимир Сулягин, Владимир Сафаров, Петр Быстров).

Автор одной из центральных инсталляций выставки под названием «Протосимфония» - Алексей Дьяков – вдохновлялся оперой композитора «Любовь к трем апельсинам». Мотив композиции настукивают лесорубы, звуки топоров которых раздаются из подиума инсталляции – огромного пня.

«Эта работа выражает то, что музыка рождается в земле и уходит в небо, - объясняет Алексей Дьяков. – Музыка изначально имеет некую материальную субстанцию. Взять даже всем известные классические музыкальные инструменты – они сделаны из дерева. Человеческий гений приложил руку к дереву, чтобы извлечь из него звуки, которые композитор формирует в симфонию».

Из всех представленных инсталляций и живописных конструкций всего лишь две были созданы до момента объявления данной экспозиции. Вот и Ольга Кройтор, чья композиция также украсила стену и даже пол выставочного пространства, признается, что это чуть ли не единственная работа, выполненная под заданную тему.

«В инсталляции задействованы согласные, которые отсылают нас к фамилии Прокофьев, - рассказывает Ольга Кройтор. – Я обычно работаю с достаточно массивными формами, и эта работа интересна тем, что она более воздушная: в ней присутствует легкость, тонкость, но при этом и трагичность. Внизу есть обвалившийся кусок, поэтому она как будто зависает в двух измерениях, частично разрушенная, как любой живой организм, который с течением времени подвергается разложению. А пешки в проемах можно рассматривать как движущиеся фигуры, людей, которые проходят сквозь линии жизни, принимают решения и трансформируют всю композицию».

На открытии выставки состоялось музыкальное исполнение «Пяти мелодий для скрипки и фортепиано» (С. Прокофьев, Париж, 1924 г.) солистами ансамбля ХХ века - Марией Ходиной (скрипка) и Ольгой Лавровой (фортепиано), а также перформативная акция «Найденные партитуры Прокофьева» группой u/n multitude. Кроме того, в дуэте выступили пианистка Юлиана Казак и Яна Чумакова, владеющая таким необычным инструментом, как терменвокс, известным как первый в мире электронный и единственный бесконтактный музыкальный инструмент.

«Изобрел его наш соотечественник Лев Термен, - рассказывает Яна Чумакова. – Мне кажется, он разрешил конфликт физиков и лириков, потому что одновременно был и тем, и другим. В 1919 году он изучал свойства газовых конденсаторов и обнаружил, что они издают резкий звук . Это, конечно, скорее минус, чем плюс, но он подумал, что на этом можно как-то " сыграть " . Он заметил, что, когда к конденсаторам подходишь ближе, звук становится выше. Через несколько недель по научно- исследовательскому институту поползли слухи, что Лев Термен играет Глюка на вольтметре. Спустя три года мир увидел терменвокс»

На инструменте играть чрезвычайно сложно, ведь здесь отсутствуют какие бы то ни было ориентиры. Терменвокс остро реагирует на любое телодвижение, поэтому исполнитель играет стоя и неподвижно (за исключением, конечно, рук). Таким образом, он становится своего рода дирижером. По прошествии десятков лет, терменвокс по-прежнему кажется чем-то удивительным и новым, так же, как и музыкальный язык Прокофьева считается новаторским и узнаваемым. 

Взгляд на современное искусство Турции

Четверг, 02 Март 2017 13:23 Опубликовано в События

 

Ибрахим Орс
«Мухсин Билге», 2006
Холст, масло
Из коллекции Билге

Министерство культуры Российской Федерации и Государственный музей Востокапредставляют выставку «Взгляд на современное искусство Турции. Из коллекции Билге (Стамбул)».

Музей Востока покажет современное турецкое искусство последних шестидесяти лет глазами Мухсина Билге (1944 – 2014), известного турецкого коллекционера, страстного любителя искусства и мецената. Выставка представит работы мастеров, заложивших основы современного турецкого искусства: Зеки Фаик Изера, Фахронисы Зейд, Бедри Рахми Еюбоглу, Мехмета Гюлерйюза, Оздемира Алтана, Эргина Инана и др., чьи произведения выставлялись в художественных галереях и музеях Парижа, Лондона, Нью-Йорка, Стамбула, Аммана, а также работы молодых и талантливых художников.

Мухсин Билге начал собирать коллекцию в 1990-х гг. Будучи по профессии государственным нотариусом, он называл свою нотариальную контору «самой посещаемой картинной галереей в Турции». Посетители г-на Билге прокладывали путь к его рабочему столу среди картин и скульптур. Помимо коллекционирования работ художников, г-н Билге собирал их записные книжки, эскизы, письма. Собранные им документы рассказывают о жизни художников, их отношениях с коллекционером. Все это придает коллекции особую ценность: с ее помощью можно проследить творческий путь художников, приобщиться к их повседневной жизни. Сыновья г-на Билге – Аслы и Али Керем – поддерживают и расширяют коллекцию, в том числе современным медиаискусством.

Мустафа Озел
«Нотариальная контора Мухсина Билге», 2005 
Холст, масло
Из коллекции Билге 

Куратор Ирина Баткова: «Есть много различных способов, с помощью которых коллекция г-на Билге может быть представлена. Эта конкретная выставка посвящена страсти Мухсина Билге к коллекционированию искусства, его личности, а также личности его наследников. Портреты г-на Билге служат своеобразным отражением той страсти к искусству, что объединяла турецких художников разных поколений и их мецената. Эти портреты показывают, что художники считали Мухсина Билге не только покровителем, но также вдохновителем и соратником в их стремлении переосмысливать мир и отношения между людьми».

Выставка организована при поддержке Посольства Турецкой Республики и Turkish Airlines.

Выставка открыта с 7 марта – 2 апреля 2017 года (Москва, Никитский бульвар, д.12-а).

Фотовыставка «Жан-Поль Сартр и Симона де Бовуар в дюнах Куршской косы» открылась во Французском институте в Москве и продлится до 19 февраля 2017. На выставке представлены снимки, сделанные во время визита знаменитого французского философа и писательницы в Литву в 1965 году, и призванных продемонстрировать дружбу между Россией, Литвой и Францией.

Летом 1965 года Жан-Поль Сартр и Симона де Бовуар провели несколько дней на литовской земле. Их сопровождали двое известных представителей литовского литературного мира – Эдуардас Межелайтис, возглавлявший в те годы Союз писателей Литвы, и писатель Миколас Слуцкис. К группе литераторов присоединился 26-летний фотограф Антанас Суткус, который впоследствии признавался, что ему просто-напросто повезло сопровождать эту делегацию, в ходе которой ему удалось запечатлеть хронику поездки, восполнив серию фотографий, ставших уникальным свидетельством этого события.

«Эти кадры исключительны, потому что в тот период Западную и Восточную Европу разделял железный занавес, - отмечает Чрезвычайный и Полномочный Посол Литовской Республики в России Ремигиюс Мотузас. – Поэтому визит известного деятеля западной культуры в то время в Литву был поистине уникальным случаем».

На фотографиях запечатлена Куршская коса, которую называют «птичьим мостом» - по нему проходит древний миграционный путь птиц. Это одна из самых красивых территорий литовской земли, на сегодняшний день находящаяся в списке объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО. По словам Антанаса Суткуса, местная природа произвела на Жан-Поля Сартра, типичного горожанина, особое впечатление. Философ тогда сказал: «У меня такое чувство, будто я стучусь в двери рая».

Стоит отметить, что в годы студенчества Антанаса Суткуса в советских учебниках бытовало литовское направление в фотографии. Полвека назад фотохудожник прославил литовскую фотографию сначала на весь Советский Союз, а затем и на весь мир. Главными героями работ Суткуса являются его сограждане, а темой – фиксация каждодневной жизни. Однако самым знаменитым его снимком по-прежнему остается портрет Жан-Поля Сартра. Фотография нашла место на страницах французских национальных школьных учебников и стала моделью для скульптуры философа, которая сейчас расположена в Национальной библиотеке Франции. Помимо этого, снимок оказался на обложках крупнейших французских газет, когда вся страна отмечала сто лет со дня рождения Жан-Поля Сартра.

«Помимо эстетического удовольствия, фотографии Суткуса рассказывают нам историю философа, - добавляет Чрезвычайный и Полномочный Посол Франции в России Жан-Морис Рипер. – Это был человек со своим взглядом на все – его и оспаривали, и любили. Он был попутчиком коммунистической партии и пытался построить диалог между Востоком и Западом. Его состояние отображено в этих фотографиях, где философ изображен в одиночестве среди дюн».

К слову, Антанас Суткус не ставил перед собой цель снять журналистский материал или хронику, его замысел состоял в создании серии психологических портретов писателей. Как говорил сам фотограф, он старался, чтобы Сартр не замечал его присутствия. Философ до последнего не подозревал, что молодой человек, «шныряющий» неподалеку, – фотограф, пока Суткус сам не раскрылся. Тогда Жан-Поль Сартр попросил юношу прислать ему то, что вышло, - не пропадать же добру. Часть фотографий была отправлена в Париж  и они понравились философу. После этого Суткус долгие годы получал поздравления от великого француза. Эта выставка – свидетельство того, что для искусства, для дружбы между народами и между отдельно взятыми людьми не существует границ и временных рамок.  

«Эта выставка является страницей в истории франко-литовской дружбы, - резюмирует Жан-Морис Рипер. – Когда Советский Союз начал разваливаться, Франция налаживала диалог с каждым из образовавшихся государств. Сегодня наши страны разделяют европейские стандарты равенства, взаимодополняемости и солидарности, что свидетельствует о приверженности наших народов к демократическим ценностям и правам человека. Эта фотовыставка - история дружбы между Россией и Францией. Я чувствую, что грядут тёмные времена: сильны националистические настроения. Но в рамках союза мы должны придерживаться принципов демократии».

Антанас Суткус – выдающийся представитель литовской фотографической школы. Родился 27 июня 1939 года в деревне Клуонишкяй Каунасского района Литвы. В 1969 году стал одним из основателей Общества фотоискусства Литвы. В 1980-1989 годах занимал должность Председателя этого Общества. В 1997 году был награжден орденом Великого князя Литвы Гедиминаса 4-ой степени. В 1998 году стал лауреатом премии в области искусства, учрежденной правительством Литовской Республики. В 2001-2002 годах был лауреатом премии Фонда Эрны и Виктора Хассельблад (Швеция), получил стипендию Фонда для архивации своих работ. В 2003 году стал лауреатом Национальной премии Литвы в области культуры и искусства. В 2006 награжден «Золотым крестом» президентом Польской Республики.

Страница 7 из 28