facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 7:18

В Москве состоялось открытие выставки современной живописи Дмитрия Плотникова «Триумф Вакха».

Проект посвящен величайшему представителю золотого века испанской живописи, испанскому художнику Диего Веласкесу, его одноименной картине «Пьяницы, или Триумф Вакха». Картина «Триумф Вакха» была написана в 1629 году. В настоящее время находится в Мадриде, в музее Прадо. Размеры: 165 x 225 см (холст, масло). Эта работа знаменита тем, что является первой сюжетной картиной Веласкеса. Долгое время его коллеги говорили о том, что кроме портретов он больше ничего написать не сможет. В ответ на эти упрёки Веласкес пишет большую картину с жанровой сценой и несколькими персонажами. Как и многие другие художники его времени, он выбрал мифологическую тему. Вакх - бог вина и виноделия, на его полотне сидит за одним столом рядом с пьяницами, которые пьют вино.

Дмитрий Плотников выступает на открытии выставки

Открытие выставки «Триумф Вакха» началось со вступительного слова художника Дмитрия Плотникова.

«Проект который объединил любовь к вину, любовь к живописи и любовь к Веласкесу, все это сложилось, по-моему, получилось неплохо», - сказал Плотников.

А закончил свое выступление известной фразой Шарля Гуно: «В молодости я говорил - я и Моцарт, в более зрелом возрасте я стал говорить - Моцарт и я; Теперь же я говорю только – Моцарт». И в конце добавил «все тоже самое я могу сказать и о Веласкесе».

На открытии выставки живописи художника Дмитрия Плотникова, куратором которой является Ирина Разумовская, присутствовали: художники, искусствоведы, художественные критики, журналисты, фотографы, а также друзья и знакомые художника.

Руководитель отдела культуры Института Сервантеса в Москве Татьяна Пигарева

Заслуженный художник РФ, народный художник КБР, член-корреспондент Российской Академии Художеств (РАХ) Мухадин Кишев

Среди выступающих были такие известные люди, как руководитель отдела культуры Института Сервантеса в Москве Татьяна Пигарева, председатель АИС (Ассоциации искусствоведов) Александр Якимович, искусствовед, художественный критик Александр Шклярук, заслуженный художник РФ, народный художник КБР, член-корреспондент Российской Академии Художеств (РАХ) Мухадин Кишев и искусствовед Итта Рюмина.

Задачей проекта «Триумф Вакха» является объединение и интеллектуальное взаимообогащение двух аудиторий: знатоков и любителей хорошего вина и ценителей искусства, и формирование отношения к виноделию, как к творческому процессу, искусству, путем погружения в мировую сокровищницу культуры. Дмитрий Плотников создал свою версию картины Веласкеса «Пьяницы, или Триумф Вакха», дополнив ее серией натюрмортов.

По моим наблюдениям, посетителей выставки особенно привлекли картины «Триумф Вакха» и «Барокко. Автопортрет».

«В холстах Плотникова прослеживается очень уверенное движение в будущее, а как известно оно возможно только при опоре на крепкий фундамент, так вот у Дмитрия такой фундамент есть. Желаю ему творческих успехов», - говорит один из посетителей выставки.

 Перед открытием выставки художник Дмитрий Плотников дал эксклюзивное интервью  журналу «Международная жизнь».

Картина «Триумф Вакха»

Дмитрий, расскажите, пожалуйста, о Вашем проекте?

Плотников Дмитрий: Проект называется «Триумф Вакха» - ремейк известной картины испанского художника Диего Веласкеса «Пьяницы, или Триумф Вакха», практически в размере оригинала. Правда я из него сделал диптих, но это вполне оправдано, ведь у Веласкеса, картина четко делится на две части. Левой, мифологической, и правой части, где Веласкес изобразил современные ему народные типажи. Вот так и здесь, я ее осовременил, вставил себя. И то, что я вставил себя, это такое почтение великому испанскому мастеру.

Почему Вы выбрали именно Веласкеса?

Плотников Дмитрий: Когда профессионал изучает таких мастеров как Веласкес, Тинторетто, Тициан, то ты видишь, что все поиски 20 века, все это очень интересно. Весь 20 век в отношении Веласкеса, по сравнению с Веласкесом, все равно что «Каштанка супротив человека» или «плотник супротив столяра». Это были очень серьезные мастера. Поэтому моя выставка - это такое выражение почтения Веласкесу, старым мастерам, но о я ни в коем случае им не подражаю и к этому не стремлюсь. Это выражение почтения и уважения.

Расскажите, пожалуйста, еще о каких-нибудь интересных работах?

Плотников Дмитрий: Есть еще одна работа, такой ремейк известного натюрморта Франсиско де Сурбарана. Я видел этот натюрморт в музее Прадо в Мадриде и в музее Барселоны. Произведение такое вполне самостоятельное. Сурбаран переписал четыре предмета, разных свойств. Два металлических и два керамических предмета. Композиция наполнена жизнью благодаря тонкой игре рефлексов цветных бликов.

Есть ли у Вас самая любимая картина?

Плотников Дмитрий: Думаю, что нет. Вы знаете, я сейчас смотрю с вами на картину «Триумф Вакха» и мне интересно. Потому что, у меня не очень большая мастерская, я ее так писал, что собственно сегодня, можно сказать, я ее развернул и впервые увидел, что же у меня получилось.

А какого формата картины вы в основном пишете?

Плотников Дмитрий: Я пишу в основном картины среднего формата.

Сколько работ представлено на выставке?

Плотников Дмитрий: В этом зале представлена 21 работа и еще несколько в другом помещении, а всего 33 работы. Я подбирал картины именно для этой выставки. Кстати, зал очень интересный, ведь это особняк Якова Брюса. Я всегда догадывался, что мои картины для дворцов, здесь они очень гармонично смотрятся.

Как долго Вы пишете картину?

Плотников Дмитрий: Трудно сказать. Вообще работа раскладывается на этапы. Одно обдумывание может занять неделю, а написать я могу за 1-2 дня, могу неделю потратить. Я довольно медленно работаю. Это только, кажется, что это написано легко, а на самом деле это большой труд. Каждую линию, каждое световое пятно, не просто нужно посадить, а его нужно искать и подбирать.

Будут ли еще выставки «Триумф Вакха»?

Плотников Дмитрий: Да, я хочу сделать ее долгоиграющей. Экспозиции могут увеличиваться, а могут уменьшаться. Первая выставка открывается сегодня в Москве, не исключаю, что я повторю ее снова в Москве, спустя некоторое время.

А где Вы планируете провести следующую выставку?

Плотников Дмитрий: Следующая выставка планируется в Липецке в конце января 2016 года.

Спасибо Вам, Дмитрий, за интересное интервью.

Плотников Дмитрий: Спасибо Антон, что пришли, был очень рад.

 

Дмитрий Плотников

Родился в 1965г. в Москве

Член Московского объединения художников Международного художественного фонда. Член Московского объединения художников Международного художественного фонда.

С 1986г. участвует в многочисленных выставках в России и за рубежом.

Работы художника находятся в собраниях Московского музея современного искусства, Фонда Родригеса-Амата (Испания), Института Сервантеса, Международного Университета в Москве, Агенства Art Ru, галереи А3 и частных коллекциях в России, Испании, Франции, США, Мексике, Японии.

Материалы о художнике, его творчестве и проектах были опубликованы в журналах: “Диалог искусств”, “Дипломат”, “Международная жизнь”, “ОМ”, “Ять” и т.д.

Владея техническими приёмами различных видов изобразительного искусства: графика, живопись, полихромная скульптура — художник много экспериментирует, соединяя традиционные и современные художественные приёмы в поисках самобытного пластического языка.

Выставка  проходит с 10 ноября по 1 декабря 2015 года в Архиповском музыкальном салоне (в Доме Я.Брюса) Адрес: Москва, Брюсов переулок, 2/14, стр. 8 (напротив Консерватории).

«Несерьезный фотограф»

Понедельник, 26 Октябрь 2015 13:54 Опубликовано в На перекрестке культур

«Фотография — это искусство наблюдательности. Нужно найти что-нибудь интересное в самом обычном месте. Я понял: не важно, что мы видим, — важно, как мы видим»

Эллиотт Эрвитт

С 9 октября по 10 декабря в Центральном доме художника расположилась экспозиция «Эллиотт Эрвитт. Ретроспектива», которую составляют 136 работ фотографа из разных периодов его творчества. Это самое полное собрание оригинальных снимков мастера, охватывающих период с 1946 по 2001 годы.

Эллиотт Эрвитт — один из самых известных мастеров американской репортажной журналистики. Благодаря его работам наше поколение имеет возможность увидеть многие ключевые события и явления последних 50 лет мировой истории с неосвещаемого прежде ракурса.

Главными козырями фотографа являются непринужденность и, несомненно, ирония, прославившие Эрвитта сначала на все США, а потом и за их пределами.

 

Родиной Эллиотта является Париж, где в 1928 году он родился в семье русских эмигрантов Бориса и Евгении. Несмотря на свое происхождение, во время беседы с Вэлом Юховски для журнала Interview Russia фотограф признает: «Мои русские корни не так сильны, как хотелось бы».

В возрасте 10 лет Эллиотт с семьей переезжает в США, где начинается знакомство будущего маэстро с искусством фотографии.

Впервые фотокамера попала в тогда еще неопытные руки Эллиотта в 50-е годы, когда тот был лишь помощником армейского фотографа. Дебютный снимок, запечатлевший солдат, ожидающих отправки в Корею, занял почётное второе место в конкурсе журнала «Life». Воодушевленный успехом, Эрвитт не забросил хобби. «У меня появился стимул работать над собой. А если ты выиграл, зачем двигаться дальше?» — вспоминает фотограф.

Позже он стал сотрудничать с журналами «Collier’s», «Look» и «Life». С 1953 года и по сей день Эллиотт работает в агентстве «Magnum Photos», в свои 84 года продолжая заниматься свободными творческими фотопроектами по всему миру.

Истинную известность и популярность Эрвитту принесла его работа в президентском пуле, где мастеру удалось сделать одну из самых знаменитых своих фотографий — крупный план Жаклин Кеннеди за обёрнутым в американский флаг гробом мужа.

Будучи человеком, достигшим всего своим потом и кровью, о современном фото-бизнесе Эллиотт Эрвитт рассуждает довольно строго: «Весь этот арт-бизнес — это же совсем недавняя выдумка. Большинство из нас в те времена просто зарабатывали себе на жизнь. Мы никогда не думали, что наша работа может иметь какую-то ценность на рынке искусства».

 

Кстати, несмотря на то, что русские корни маэстро, согласно его же словам, были «не сильны», именно наша страна стала одной из ярчайших вех в его творческой жизни. Полулегально попав впервые в СССР в 1957 годуЭллиотт сделал серию удивительных снимков.

Еще большую популярность Эрвитту принесли кадры знаменитой сцены спора Никсона и Хрущёва. Однако, несмотря на то, что фотографу выпал уникальный шанс сделать портреты огромного числа известнейших личностей второй половины минувшего столетия, он всегда утверждал, что для него абсолютно не имеет значения, кого или что снимать. И действительно, были сделаны в Москве и не менее впечатляющие (первые!) фото советских межконтинентальных ракет и парада в честь юбилея Октябрьской революции в 1957 году.

Любые, на первый взгляд, обыденные сюжеты и неизвестные персонажи в фокусе эмоционального, ироничного и жизнерадостного объектива Эллиотта Эрвитта становятся частью истории. Возможно, секрет очарования работ фотографа заточен в формуле, которую однажды он сам и вывел: «Все является серьезным. И все – несерьезным».

 

 

Самые известные и, соответственно, интересные кадры были пойманы маэстро во время прогулок по городским улицам. Непринуждённость и естественность — главные ингредиенты удачного снимка. Большая часть этих чёрно-белых фотографий была сделана спонтанно: «Я никогда не спрашиваю разрешения. Почему кто-то должен спрашивать разрешения? Это будет уже не фотография».

Эрвитт категорически против постановочных фотографий: «Фотограф обладает большой властью и может заставить кого угодно делать всякие глупости. Вот только зачем? Обычно люди делают их и так, даже просить не надо».

Эллиотт также не считает необходимым обрамлять свои работы излишними разъяснениями: «Объяснять изображение — все равно что объяснять шутку. Как только ты ее объяснил, тут же она и умирает. Это как о диссекции лягушки. Как только вы ее разрезали — она перестает быть лягушкой».

Сам себя мастер называет «несерьёзным фотографом». Эпитет прижился и стал главной его профессиональной характеристикой: «Я рассматриваю, стараюсь развлечь, но сверх всего этого я хочу, чтобы изображения были эмоциональными. Мало что другое меня интересует».

 

Все свои знания и опыт Эллиотт Эрвитт выпускает в печатном виде: одна из ретроспективных книг фотографа называется «Snaps» (от «snapshot»), что в переводе означает любительскую фотографию. В фотографии для маэстро главное — передать кульминацию момента и правильно выстроить композицию. Он считает, что его фотографии «помогают кому-нибудь увидеть что-либо определенным образом, посмотреть на серьезное несерьезно».

 

Английский новеллист Уилфрид Шид о творчестве Эллиотта Эрвитта: «Самая суть искусства Эллиотта заключается в том, чтобы быть чувствительным, но без плача, забавным, но без смеха, умным, но без раздумывания».

 

Использованные материалы:

http://www.rosphoto.com/

Ключевые слова: фотограф, выставка, фотография, Эллиотт Эрвитт, несерьезный, снимок, кадр, ЦДХ

Урал-трансцендентал

Четверг, 01 Октябрь 2015 13:00 Опубликовано в На перекрестке культур

«На Урале каждый большой камень имел за собой неумирающие предания...»

Д.Н. Мамин-Сибиряк

Этой осенью с 22 сентября по 1 ноября в Москве проходит VI Московская биеннале современного искусства, тема которой звучит так: «Как жить вместе? Взгляд из центра города в самом центре острова Евразия». Работы, принимающие участие в фестивале, отображают отношения между людьми на различных уровнях, начиная с семейного круга и заканчивая масштабами целой планеты.

Говоря о Евразии, мы не можем обойти вниманием то, благодаря чему она появилась – Уральские горы, которые, соединив собой Западносибирскую и Восточноевропейскую тектонические платформы, создали наш материк. Помимо географической и геологической ценности, горный хребет важен своими историческими и культурологическими характеристиками. Урал стал местом зарождения многих народов, культур и языков – с давних пор он окружен тайнами и мифами. Существует легенда, что Урал – это территория, на которой возможен переход в другую реальность.

Этой трансцедентальной природе Уральских гор и посвящена выставка, которая продлится с 25 сентября по 7 октября в Малом зале центра дизайне Artplay.

Таким образом, проект «Урал Трансцендентал» – это ответ художников из разных точек планеты на заявленную тему биеннале. Обратившись к хребту Уральских гор и Уралу как своеобразному месту силы и географической местности с богатым смысловым полем, участники проекта попытались уловить звуки и голоса, которые доносят до нас нечто неведомое с другого конца уральских трансцендентных переходов.

«Земля – это мир беспрерывной тектонической активности. Кора нашей планеты разбита на несколько огромных плит, на границе взаимодействия которых образуются глубокие впадины и возникают горные массивы, – поясняет куратор выставки Андрей Пригов. - Здесь концентрируется колоссальная энергия, напряжение которой настолько велико, что в самой структуре мирового пространства возникают нарушения, сложной формой которых  по легенде являются прорывы в параллельные вселенные. Одна из наиболее грандиозных и старых горных систем – Уральские горы, скрепившие собой две гигантских тектонических платформы – Восточноевропейскую и Западносибирскую, которые, слившись, создали Евразию. Урал – это могучий хребет, кристаллические корни которого уходят в саму земную мантию, что позволяет ему держать на себе костяк самого великого континента нашей планеты. Урал накопил в своих недрах невероятный энергетический заряд, дающий всем, кто получает к нему доступ, возможность создавать новую реальность. Неудивительно, что на протяжении тысячелетий Урал был местом возникновения многих народов, культур и даже цивилизаций».

 

Проект «Урал Трансцендентал»объединяет существующие мифы об «уральской аномалии» и становится пространством нового мифотворчества.

 

Дмитрий и Елена Каварга впервые в Москве представили загадочное «Тунгусское вещество» - реинкарнацию работы, созданной к 100-летию природного катаклизма.

30 июня 1908 года около семи часов утра над территорией бассейна реки Енисей пролетел большой огненный шар, полет которого закончился воздушным взрывом на высоте 7-10 км над незаселённым районом тайги. Взрывная волна была тут же зафиксирована обсерваториями по всему миру, включая те, что расположены на Западном полушарии. Взрыва повалил деревья на территории более чем 2000 км², а в домах, находящихся в нескольких сотнях километров от эпицентра взрыва, повылетали оконные стекла. После катаклизма еще в течение нескольких дней на территории от Атлантики до центральной Сибири наблюдались интенсивное свечение неба и светящиеся облака.

Хотя вещество так называемого Тунгусского метеорита так и не было найдено, ученым, прибывшим на место происшествия, удалось обнаружить микроскопические силикатные и магнетитовые шарики, а также повышенное содержание некоторых элементов, что в целом указывает на возможное космическое происхождение вещества.

В 2008 году в Красноярске проходила конференция под названием «Научная и культурная мифология Тунгусского метеорита», в рамках которой проводилась художественная выставка. Собравшиеся тогда со всего мира ученые так и не пришли к общему мнению насчет природы явления. Однако согласились, что с 1908 года на территории нашей страны имеет место некий исказитель, обладающий трагическим вектором разворачивающейся событийности. И вот, спустя семь лет специально для Пермского проекта «Обещание пейзажа» появилась новая версия вещества. Искаженная метеоритом толща земной породы все так же издает глубинный гул, вибрации которого резонируют по всей поверхности и насыщают пространство особым напряжением и тревогой.

 

Василий Слонов знакомит гостей с «Пантеоном сибирских супергероев». Это сибирская мифология, повествующая о пребывании в глубине сибирских руд неких странных персонажей, обремененных цинизмом и сверхспособностями. И в отличие от западных супергероев, наши супергерои не спасают мир, а его украшают и им наслаждаются…

Бобур Исмаилов из Узбекистана в своем видео «ЮЗ» (ЛИК – узб.) поднимает проблему взаимоотношения женщины и современного мира в изобразительной призме этнографического востока с элементами традиционных и исторических костюмов.

«Женщина и ее взгляд на мир, - расшифровывает автор. - Она пытается снять с себя бесконечные наряды, чтобы освободить тело и сознание и открыться миру. Но в последний момент, оставшись совершенно нагой, не осмеливается (или не хочет?) открыть лицо. Она продолжает смотреть через вуаль, оставляя за собой право на тайну».

 

«Оставляя письмо на дереве желаний, вспомни, как спит любимая в одном из домов-свирелей» Наоки Фуку из Японии – это часть большой серии «Надежда – это правильно», в которой автор анализирует феномен надежды, прибегая к помощи воображения зрителей. Каждая из работ намекает на некую особенность этого явления, но цельная картинка складывается только в сознании смотрящего.

«Я объединил объекты, изображение и звук в попытке создать поэзию, по своей простоте напоминающую хокку, - рассказывает Наоки Фуку. - В Японии, в моей родной стране, есть традиция привязывать свои пожелания на Дерево желаний, которое обычно находится рядом с буддистскими святынями. Если бы мы могли услышать эти слова надежд и мечтаний, мы бы сумели лучше понять друг друга, наши устремления и наш опыт в этом мире. И эта простая японская и буддистская традиция могла бы помочь объединить культуры и цивилизации по обе стороны Уральских гор».

 

Татьяна Антошина позволила зрителям окунуться в детство, представив свою инсталляцию «Сияющий олень», основанную на волшебном образе из детской сказки П. П. Бажова «Серебряное копытце». Изображенный здесь козлик с серебряным копытцем на правой передней ноге, подобно Золотой антилопе, умел буквально из воздуха извлекать драгоценный металл.

«В книжке, которую мне читали, был изображен олень, а не козел. Так он мне и запомнился – чудесное алхимическое животное, превращающее обычные камни в драгоценные, существо из параллельного мира, от которого исходит магическое сияние, - делится с гостями Татьяна Антошина. - Урал же представлялся местом, где происходят разные необъяснимые чудеса».

 

Алексей Дьяков представил свою картину под названием «Трансмиссия».

МЕЖДУНАРОДНАЯ ЖИЗНЬ (МЖ): Что вы можете рассказать о названии работы?

АЛЕКСЕЙ ДЬЯКОВ: «Трансмиссия»… В данном случае, это миссия, которая пришла извне, если можно так сказать. То есть, слово «транс» подразумевает выход за пределы чего-то.

МЖ: А что за миссия?

ДЬЯКОВ: Свет. Он всегда несет в себе какое-то просветительское начало. Более того, просвещает он путем принесения тех или иных знаний, но при этом освещает человека внутренне: ведет к его очищению и просветлению (во всех смыслах).

МЖ: Тут изображен Урал?

ДЬЯКОВ: В этой работе я взял силуэты горных вершин как образов застывших людей, которым необходим свет.

МЖ: Вы были на Урале?

ДЬЯКОВ: На самом хребте нет, но бывал в окрестностях. Вообще, работая над картиной, я прочитал много тематической литературы, чтобы лучше понять это место и его историю.

МЖ: А эти лучи как-то подсвечены?

ДЬЯКОВ: Да, внутри подсветка. Холст как пластический материал, а внутри источник света. Работая в своей технике, я беру холст, частично его грунтую, а сквозь оставшиеся пустоты пускаю свет. И сверху – не краска, а силикон со специальным напылением – черным песком. Эту технику я открыл случайно и до сих пор ее разрабатываю. Силикон, песок и просвечивающийся холст как рабочие материалы – это моя находка.

 

Японец Акихито Окунака представил инсталляцию «Интер-мир-Урал», напоминающую небесное тело внутри гелиосферы, которая, как утверждает сам автор, вмещает наше звездное небо. Художника интересует, как наша культура, цивилизация, общество и люди будут оказывать влияние на Вселенную. Он также хочет знать больше об отношениях между нами и движением звезд и планет, проходящих ночью над уральским хребтом. 

«Внутри и снаружи большой сферы расположены маленькие сферы, которые представляют собой универсальные отношения. Создается впечатление, что к центру планеты ведет кровеносный сосуд, - увлеченно описывает автор. - Все желающие могут прикоснуться к сфере и поиграть с ней, как им заблагорассудится. И тогда они заметят, что их собственные тени проецируются на поверхность сферы. Они обнаружат, что они также являются составной частью вселенной. Их собственные движения передадутся воздуху, сфере и, в конце концов, вызовут искривления сферы, в результате чего произойдет преображение инсталляции».

Выставка «Урал-Трансцендентал» позволяет лучше узнать территорию и историю не только непосредственно Уральских гор, но и всей образованной благодаря им местности – Евразии. Это неповторимая самобытная культура, язык и путь развития народа. Это летопись человеческих взаимоотношений, присущих местным жителям качеств и особенностей. Это настоящий «взгляд из центра города в самом центре острова Евразия».

 

Использованные материалы:

http://kudago.com/

Розеттский «краеугольный» камень

Понедельник, 27 Июль 2015 11:28 Опубликовано в Биноклиус

 

Уже не одно поколение художников пережило «смерть» живописи и ее последующее возрождение. «Какие бы формы живописи сейчас ни возникали – в них все равно укоренен сам факт ее смерти», - так интерпретирует расхожее мнение на тему известный куратор, теоретик, основатель и редактор «Художественного журнала» Виктор Мизиано. Однако не стоит бежать впереди паровоза. Живопись – субстанция нестабильная и, подобно фениксу, является символом вечного обновления. И если присмотреться к творчеству молодых художников, тем не менее, получивших уже международную известность, не трудно усомниться в сто пятом объявление о преждевременной «кончине» живописи.

Иззи Вуд – автор работ, представленных на выставке, - использует приемы такой близкой и понятной зрителю фигуративной, или предметной живописи. Но в то же время Вуд отмечает: «Я использую эти кислотные цвета с целью отбить у зрителей желание рассуждать о том, как бы эта картина выглядела в их столовой». Художница не ставила себе задачей загадать какую-то головоломку, напротив, она настаивает на том, что живопись для нее «не цель жизни, а неизбежный способ существования». Ее работы – это не Код да Винчи, требующий незамедлительной расшифровки: даже глядя на ее сделанные впопыхах наброски можно ощутить некую неловкость – то ли от излишней честности, то ли от забытой простоты. В последнее время она часто выбирает холсты большого размера, стремясь сопоставить свой личный человеческий масштаб с мегаломанией современного искусства.

Иззи Вуд училась в университете Голдсмитс (Goldsmiths, UniversityofLondon), где в начале 80-х годов появились «YBA» - «молодые британские художники», в число которых входят: Дэмиен Херст, Трейси Эмин, Марк Куинн и другие. Нет сомнений, что члены «МБХ» уже давно являются частью мирового искусства, и эта слава немало влияет на то, как и чему учат в Голдсмитс. Однако Вуд, вопреки всем традициям Голдсмитса, предпочла в качестве изобразительной техники именно живопись (большинство студентов и преподавателей бывшего колледжа придерживаются формы инсталляции). Таким образом, в среде юных радикалов Вуд, как белая ворона, а ее твердое намерение оставаться исключительно живописцем может расцениваться не иначе как бунт и, прямо скажем, преступление.

Для Иззи Вуд не существует «проблемы» выбора формы выражения - свои мысли она может передавать только посредством старой доброй бессмертной живописи. Объясняется эта приверженность к «устаревающему» виду изобразительного искусства и тем, что Иззи получила не только художественное, но также и искусствоведческое образование благодаря существующему в Голдсмитс двойному курсу (ArtHistoryandFineArt), что позволило ей сделать осознанный выбор, опираясь на знания в области культурного наследия страны.

В картинах Вуд, как и в работах других начинающих художников, с легкостью угадываются штрихи оказавших на нее влияние различных деятелей искусства. Ее холсты отсылают к брутальной телесности признанного классика британского искусства и основоположника эмпиризма Фрэнсиса Бэкона (1561-1626), который, в свою очередь, также пережил не один десяток «смертей» живописи. Сходство наблюдается не только в изображении типичных «бэконовских» тел, но также в стилистике и цветовом решении. Но разве обходится кто-то лишь одной «цитатой»? Тренированный глаз, безусловно, найдет на картинах Иззи следы влияния и многих других вдохновителей.

Литература также не оставила художницу равнодушной. Например, картина «Iwastouchingupthegraces» («Я подкрашивала манеры») отсылает зрителя к событиям, описанным и изученным в произведениях американской писательницы Гертруды Стайн (1874-1946), жившей в 1910-20-х годах в Париже и оказавшей колоссальное влияние на генезис раннего европейского модернизма. Руки, держащие «буржуазные» шляпы и бокалы вина и тянущиеся к зрителю сквозь прорехи изгороди, - это не что иное, как прямая иллюстрация к текстам Стайн, исследовавшей идею хорошей жизни как чего-то далекого и невозможного. Мотив социальной критики возникает и в картине, заполненной черной икры, престижной русской водкой и яркими женскими губами – атрибутами роскошной и беззаботной жизни.

Разумеется, это лишь отдельные сюжеты, вырванные из контекста окружающих Иззи Вуд событий. Как говорит сама художница: «Я могу зациклиться на буханке хлеба или вывеске супермаркета так же, как и на произведениях Матисса и Ренуара». Таким образом она оперирует бытовыми предметами и ситуациями, наделяя их одной ей ведомыми смыслами и значениями.

Розеттский камень, или RosettaStone – это один из важнейших объектов археологии, благодаря которому удалось расшифровать египетские иероглифы. Выставка «Розеттский камень» названа так по причине трудности перевода или, как говорится, «lostintranslation». Оригинальные названия картин построены на саркастической и, увы, непереводимой игре слов. Это вызвало длительную дискуссию и тщетные попытки донести до зрителя заключенные в них юмор и двойные смыслы.

Иззи Вуд также поведала о том, что американский художник Кэрол Дунхам использовал программу «RosettaStone» (прим. «RosettaStone» - программа изучения иностранных языков по CD-дискам путем многократного повторения предложенных фраз) на совещании, посвященном его предстоящей выставке, а позднее дал специфическое название нескольким предметам в своей студии, которые вследствие этого тоже стали своего рода «розеттскими камнями» - подсказками, помогающими зрителю понять художника и его идеи. Иззи сказала: «Мои картины работают по тому же принципу, что и Розеттский камень. Порой я думаю о них как о бессмысленных плитах из дерева, холста и пигмента, готовых к расшифровке, если кто-то ими заинтересуется». Всего художница отправила в Москву 17 таких «розеттских камней».

 

Использованные материалы:

http://www.triumph-gallery.ru/

 

Страница 9 из 27