facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 12:00

Мир акварелью (Моя страна «Акварелия»)

Воскресенье, 07 Июнь 2015 15:38 Опубликовано в Биноклиус

Artist manifesto - written appeal, the appeal programmatic

Мой творческий манифест

Одной из главных целей для себя, как автора, считаю:

- стремление к созданию понятного и космополитического искусства, востребованного в мире;

- стремление к отражению своего понимания жизни в картинах и других работах, что является передачей мироощущения и мироосмысления, как основы для создания художественного образа в живописи;

- неприемлемым следование конъюнктуре или подражание в искусстве;

- технику исполнения живописных работ равноправным инструментом или творческим языком Автора. Авторская живописная техника или «манера» является первичной коммуникацией со зрителем и должна быть профессиональна, что не мешает менять или искать различное «звучание» или собственную вариативность в манере письма.

Пример:

Музыкант не умеющий владеть инструментом не сможет исполнить произведение и тем более продать билеты на свой концерт. Так почему в живопись легко, под прикрытием умных слов, часто попадают те, кто не владеет техникой? Именно способность работать и передавать свои ощущения и впечатления от увиденного через живопись отличает художника от ремесленника. Язык скрытой, не поверхностной метафоры, способной передать отношение к увиденному или рассказать живописным языком об увиденном и отложившемся в памяти.

Сейчас многое изменилось из того, что окружало художника раньше. Наличие цифровых инструментов и гаджетов, технический прогресс и спрессованность времени, когда самолет и автомобиль превращают многие длительные и созерцательные процессы в мимолетные, также влияют на ощущения и мировосприятие художника. Более того, считаю необходимым для современного художника использование современной техники в работе. Многие творческие процессы перекрещиваются с дизайном и техническим прогрессом. То, что было невозможно раньше - доступно сейчас, но и то что было нормой для живописца в прошлые столетия - стало немыслимо в наше время!

Живопись - это один из многочисленных слабо конкурентных видов визуализации внутри большого информационного поля. Нас окружили интернетом, телевидением, кино, фотографией и т.п. и это не просто эпизодический контекст, нет, это основа нашей жизни сейчас, поэтому живопись превратилась в своего рода искусство ради развлечения ценителей или примкнувших к ним последователей. Раньше художник был единственным инструментом для воспроизведения и фиксации действительности и даже светской или религиозной пропаганды - сейчас это не так. Мне видится развитие творчества через индивидуализацию восприятия, но не манеры работы. Ценность своего искусства я вижу не в фиксации действительности, а в передаче того «нерва» жизни, той метафоричности, которую можно вложить в произведение или картину, не нарушая, при этом, целостности восприятия. Излишняя конъюнктурность и надуманность мне только мешает. Я не вижу смысла для настоящего художника в повторении и тиражировании «узнаваемого» приема, который был приобретен, как маркетинговое преимущество для лучших продаж картин.

Следуя своей ментальности и понимая, что мои картины это уже реальность 21 века, понимая, что фиксация впечатлений и отсутствие размеренной созерцательности это уже данность моей постиндустриальной «биографии», и что темп жизни часто опережает ту ритмичность, с которой художник может создавать свои работы, акварель стала одним из важных и «программных» инструментов моего творчества.

Неповторимость акварельной техники и своенравность водных красок помогают добиться баланса между живописностью, которую я так ценю, и техничностью исполнения, что позволяет осознанно идти по пути противопоставления моей живописи как обилию «фото/гипер» реализма, так и процессу коньюктуризации искусства. Сейчас мне важно соединить в одном произведении и технику, как универсальный язык коммуникации, и динамику, как отражение современного ритма жизни, и индивидуальность восприятия, как «метафору» моей ментальности, для того, чтобы живопись стала авторской проекцией субъективно идеалистического восприятия реальности художника.

Используя в своей работе различные живописные и графические материалы, основное место на сайте автор отводит акварельной технике: «Техника акварели позволяет добиться воздушности и прозрачности в работах художника, каждая картина, выполненная акварелью - уникальна, ее нельзя повторить, акварель - это живая техника, ее невозможно приручить, ее можно только умело направлять туда, куда хочет автор, и она тогда преобразит белый лист бумаги в легкое и светлое произведение искусства….

Как художник, в своем творчестве, прежде всего, я опираюсь на традиции русской школы живописи серебряного века. Также могу отнести себя к последователям русского импрессионизма(*).

В акварелях стараюсь показать все многообразие цвета, цветовые вибрации, разнообразие оттенков и колористики в картине. С помощью сложных цветовых сочетаний из палитры исключил черный цвет из «банки», поэтому тени могут содержать до 10 цветов одновременно, а драматургия сюжета достигается смешением техник - по влажной бумаге а-ля-прима, сухой кистью и наложением цветов - лессировкой. В работе использую кисти разных размеров и составов – до двенадцати видов в каждой картине.

В своих работах стремлюсь передать, прежде всего, настроение и ощущение внутренней сцены, найти в каждом сюжете свою внутреннюю историю и гармонию. Наполнение работы смыслом и внутренним содержанием для меня всегда превалирует над актуальностью и модностью.

*…Характерные черты русского импрессионизма - это «этюдность» и некоторая незавершенность, которые обеспечивают тот «трепет жизни», который был столь значим для этого направления в живописи. Отсутствие сильной динамизации, которая была характерна для импрессионистов Франции, и бОльшая нагруженность смыслом так и не позволила русскому импрессионизму перейти до конца в разряд живописи ради живописи. Содержательная доминанта, тяготение к смыслу и значению художественного образа, бОльшая материальность и предметность, а также тенденция к картинной монументализации пленэра в основном посредством этюда, выполняемого в один заход.

 

О музыке…

Сразу хочу сказать, что для меня очень важно ощущение от работы, это так же важно, как и то, с помощью каких красок или кисточек будет исполнена картина. Мое ощущение, которое я передаю в работе и техника исполнения, вступают в диалог со зрителем – это как музыка или исполнение музыкального произведения, картина должна стать «застывшей музыкой», именно поэтому, так важно, чтобы не было «фальшивых нот» и плохого исполнения. Можно сколько угодно говорить о том, что актуальное искусство расширяет границы восприятия, но меня точно не заставишь идти на концерт где плохо играют, даже если это будет модно. Почему зритель в отличие от слушателя смотрит выставки, которые часто «фальшивят» это другой вопрос, но в своей работе этого точно допускать я не могу.

Об акварельности…

Почему акварель? Акварель — это очень живая техника, сложная и красивая, с характером и «нервом». Очень подходит для передачи настроения. Конечно, краски приходится заказывать из Англии, но цена вопроса качество пигмента и светостойкость, поэтому экономить на этом нельзя. А еще очень нравится состояние легкого «мандража», как перед экзаменом, перед началом каждой работы, акварель очень своенравна, поэтому приходится так «мандражировать» каждый раз…в этом вся суть этой техники. Видимо, из-за этого она не всеми любима и не всем покоряется. У каждого хорошего художника свои секреты мастерства, люблю их разгадывать, да и свои секреты тоже есть. Кстати не часто вижу мастеров у кого есть что подсмотреть, в акварели есть мастера-современники, но не нашей школы. Наши, перед кем я поклоняюсь, остались в прошлом столетии и еще раньше. Акварель не прощает ошибок и слабостей, ее легко как говорят «замучить», но если получилось с ней найти общий язык, то в хорошей раме с правильным экспонированием будет радовать не одно поколение зрителей….

О нюансах и восприятии…

Очень нравится, когда нахожу натуру, в которой нет «новодела». Не могу писать новодельную или отреставрированную архитектуру. Сейчас все делают так, что пропадает настоящий цвет и оттенок, штукатурят и закрашивают, мостят дорожки и приукрашают до такой степени, что все становится не настоящим. Живопись не «глянцевый журнал», мне нравится, когда живопись не «зализана», а передает нюансы и оттенки, не превалирует «открыточный» коммерческий подход. Для украшения действительности в 21-м веке изобрели много технических средств передачи. Художник должен думать кистью, а не копировать цифровые возможности современных гаджетов. Это, конечно, мое мнение, но мне важно именно право художника на то, что не дано машине или цифровому носителю, право на свое восприятие, на свой живописный язык, на свое «звучание». Но ответ на вечный вопрос философии - что важнее «идеальное» или «материальное», каждый художник выбирает сам. Я, все-таки, думаю, что прежде чем для себя определить в каком поле оказаться, надо научиться рисовать. А это процесс очень долгий и занимает годы, но в этом весь смысл живописи для меня – постоянно разбираться в нюансах и тонкостях восприятия.

Вспоминаю как в детстве, всегда долго стоял перед понравившейся картиной и часто возвращался, вычерчивая замысловатые траектории, мимо музейных бабушек, для того, чтобы записать в памяти те или иные живописные приемы, манеру положить краску на полотно или бумагу, передать кистью живое, меняющееся пространство или характер предметов. Думаю, что я еще не понимал тогда, что несколько мазков любимого мастера, способны перевернуть мои представления о живописи сильнее художественной школы или училища, в которых я буду учиться. Детские впечатления стали основой того, что мне полюбилось в живописи и того, что нельзя вытравить из меня никакими актуальными тенденциями, пропагандируемыми кураторами или людьми, делающими на этом свой бизнес. Да, мне дороги мои первые «детские» образы и впечатления в искусстве, да, это та суть живописи, которая помогает мне быть самим собой. Я помню, как читая Набокова, мне были близкими не его «тиражные» произведения, а мало читаемые «Другие берега» и «Дар», отправляющие к истокам творчества писателя и невероятного языкового мастерства.

Сейчас в живописи, трудно быть самим собой и продаваться. Успех художника — это часто синоним того, что надо быть в «арт-тусовке», следовать актуальным течениям, протискиваться к благодетелям арт-мира, придумывать себе пиар истории или делать модные инсталляции чтобы быть замеченным галеристами и аукционистами.

Мне гораздо важнее, оставаться тем «ребенком», которого мать привела в пять или шесть лет на выставку и которого могла потрясти какая-нибудь незаметная маленькая картинка, этюд, неизвестный и не разрекламированный, выставленный как один из этапов биографии художника, но такой важный для меня. Мне кажется, что противостояние художника, его движущая сила созидания должны идти изнутри, из таких «детских» воспоминаний, образов и впечатлений, а не от конъюнктурного начала, диктуемого зачастую пустым и мёртвым арт-пространством вокруг».

 

Биографическая справка:

Иван Порхачёв родился в 1978 году в Москве. Окончил с отличием в качестве правительственного стипендиата Московский текстильный университет имени А.Н.Косыгина, факультет прикладного искусства.

С конца 1990-х годов начал работать дизайнером одежды, создал свою дизайн-студию, выпускавшую современные промышленные коллекции. Работал бренд-директором в Китае, России, Европе, Турции. Зарекомендовал себя как опытный стартап-менеджер в области одежных и дизайн проектов в России и за рубежом.

Несмотря на то, что работа в прикладном дизайне требовала много времени, начиная с 1990-х годов, Иван не переставал заниматься профильными для него живописью и графикой. Поэтому, имея опыт художественного училища и университета, художник в своих работах успешно находит баланс между техникой исполнения и собственным видением натуры, его картины передают то, что мы можем видеть вокруг себя, иногда не замечая как это может быть прекрасно, его зритель погружается внутрь произведения и каждый может почувствовать атмосферу и настроение переданное автором.

Жизнь Будды в искусстве Мьянмы

Четверг, 03 Июль 2014 13:30 Опубликовано в На перекрестке культур

Министерство Культуры Российской Федерации, Государственный музей Востока и Общество дружбы и сотрудничества с Республикой Союз Мьянма представляют выставку "Жизнь Будды в искусстве Мьянмы. Из фотоархива Алексея Кириченко". Выставка познакомит зрителей с традицией изображения жизни Будды в храмовой росписи Мьянмы. Около ста большеформатных фотографий позволят проследить эволюцию стилей культовой живописи XII-XIX вв. на примере ключевых эпизодов из жизнеописания основателя буддизма – от рождения до нирваны. Автор снимков - доцент кафедры истории Дальнего Востока и Юго-Восточной Азии ИСАА МГУ Алексей Кириченко.

Жизнь Сиддхартхи Гаутамы традиционно считается важнейшей темой в культуре Мьянмы. Трудно найти хотя бы один вид искусства, в котором не воплотились бы истории о Великом Пробужденном. Однако особое место среди них занимают изображения, украшавшие интерьеры буддийских сооружений, а также ограждающие их стены и ворота.

Храмовая роспись не была функционально необходима – буддийский культ не требовал ее наличия. Тем не менее, состоятельные патроны стремились украсить построенные на их средства сооружения росписями, рельефами или изваяниями – таким образом, воздав почтение Будде, а значит, очистив карму.

СXII по ХХ вв. в районах Центральной и Верхней Мьянмы был создан колоссальный корпус памятников буддийского искусства, насчитывающий десятки тысяч ступ и храмов, миллионы скульптурных, живописных и декоративных изображений. Однако из-за плохой сохранности многие мьянманские памятники мало известны и почти не изучены.

Выставка в Музее Востока поможет запечатлеть ускользающую историю буддийского искусства Мьянмы. Фотографии расскажут о динамичном развитии храмовой росписи на протяжении всего второго тысячелетия – от влияния Индии и Китая до проникновения европейской культуры. Среда, в которую помещается Будда, постоянно «модернизируется». Так, в XVII в. рядом с Буддой появляются ружья, португальцы и индийские мусульмане, а на рубеже XIX–ХХ вв. пароходы, поезда и даже автомобили.

Экспозиция будет дополнена образцами буддийских рукописей, произведениями лакового искусства и художественным шитьем из собрания ГМВ.

В рамках выставки состоится лекция, посвященная храмовому искусству одной из самых загадочных стран Юго-Восточной Азии. Куратор: Наталья Гожева. Выставка проходит с 4 – 31 июля 2014 года по адресу: Москва, Никитский бульвар, д.12а.

 

Иллюстрации:

1. Фото Алексея Кириченко. Храмовый комплекс Швеймоутхо, дер. Ма УАусхей. Конец XVIII в.

2. Фото Алексея Кириченко. Храмовый комплекс Тэманчин, г. Схалинчжи. Вторая четверть XIX в.

3. Фото Алексея Кириченко. Храмовый комплекс Моунйвей, г. Схалинчжи, 1730–1770-е гг.

4. Фото Алексея Кириченко. Храм Локатхейпан, г. Паган. XII в.

 

Возвращение

Вторник, 13 Май 2014 19:56 Опубликовано в События

Министерство культуры Российской Федерации и Государственный музей Востока при поддержке Фонда Марджани представляют выставку «Хайтарма. Искусство крымских татар».

Вниманию московской публики будет представлено многогранное и богатое творчество крымско-татарского народа. Среди экспонатов – ювелирные украшения, вышивка, текстиль, живописные полотна, графические листы, керамика, реконструкции традиционного костюма, килимы, старинные фотографии, открытки и многое другое. В экспозицию включены как произведения традиционного искусства XIX - начала XX веков (коллекции Государственного музея Востока и Фонда Марджани), так и работы современных мастеров.

С конца XX века творческие союзы крымских татар взялись за восстановление художественных ремесел. Ведущая роль в этом сложном процессе принадлежит объединению «Чатыр-Даг», организованному художником Мамутом Чурлу.

Мамут Чурлу удачно сочетает в себе живописца, искусствоведа, мастера прикладного искусства, дизайнера и педагога. По его эскизам ткут безворсовые ковры – килимы, вышивают декоративные панно, делают керамику и оформляют интерьеры в национальном стиле.

Его живопись, как и прикладные работы, наполнена символами и аллегориями. На вышитых панно часто возникают мотивы дерева и плода граната – образы большого рода, множественности и силы целого народа. В островерхом дереве зачастую угадывается крымский кипарис – мужской знак, означающий силу и целеустремленность. На картине «Проросший лук» красные луковицы, посаженные в банки с водой, обречены на увядание, так как лишены почвы. В сознании художника лук ассоциируется с сердцами людей, оторванных от родной земли. Только на родине они получат возможность быть самими собой и наполняться жизненной силой.

В экспозицию войдут произведения еще одного живописца – Рамазана Усеинова, в 1990-е годы заявившего о себе на московских выставках Восточной галереи; а также графические листы Рамиза Нетовкина, воспевшего дорогие его сердцу уголки Крыма.

На выставке будут показаны работы талантливых художников прикладного искусства: керамистов Рустема Скибина, Эльдара Гусенова и Марины Курукчи; ведущего мастера традиционной вышивки Эльвиры Османовой (ученицы знаменитой вышивальщицы Зулейхи Бекировой), Гульнары Негляденко, Хатиджи Юнусовой, Лили Каишевой, Алиме Гусеновой (учениц самой Османовой), а также вышивки и эскизы орнаментов Юлии Тулуповой.

Мастер ковроткачества Сабрие Эюпова представит килимы, сотканные по эскизам Мамута Чурлу, Ульвие Аблаева - реконструкцию мужского и женского крымско-татарского костюма, а художник кино Венера Курмаева - декоративные панно в национальном стиле.

Особое место в экспозиции займут фотографии Рифхата Якупова, рассказывающие о возвращении крымских татар на свою историческую родину после массовой депортации в 1944 году. Ограбленный, лишенный родины, рассеянный по большим территориям, связанный рабским статусом спецпоселенцев народ практически утратил возможность поддерживать свою этническую идентичность – свободно говорить на родном языке, передавать детям богатые традиции предков.

Выставка, открывающаяся в Государственном музее Востока спустя 70 лет после трагических событий, имеет особое значение. Это яркое свидетельство жизненной энергии и художественной одаренности народа, на долю которого выпали непостижимые испытания. Название «Хайтарма» выбрано не случайно - в переводе на русский оно означает «возвращение». «Хайтарма» - это народный танец, который испокон веков исполнялся на традиционных свадьбах. Многие годы он ассоциировался с возвращением народа на родную землю. В свете недавних событий это слово обретает особый смысл.

Выставка будет работать c 28 мая до 29 июня 2014 года.

Иллюстрации:

1. Ульвие Аблаева. Реконструкция традиционного женского костюма.

2. Феска. Конец XIX-начало XX века.
Серебро, бархат, х/б основа, филигрань, зернь, позолота, штамп, шитье.
Общий размер: 17,2х7,5 см; диаметр навершия 12,3 см. Собрание ГМВ.

3. Свадебный пояс. Конец XIX-начало XX века.
Серебро, бирюза, филигрань, зернь, позолота, галунная лента. Длина 83; пряжка 19,8х7,5; накладки 6,4х2,3 см. Собрание ГМВ

4. Мамут Чурлу. Панно «Древо рода». 2007. Лен, х/б., акрил, вышивка. 135х87 см.

Планета искусств - Индия

Понедельник, 31 Март 2014 13:41 Опубликовано в На перекрестке культур

28 марта 2014 года в Москве (ДК "Салют", ул. Свободы, 37) состоялся V Детский творческий форум и фестиваль-конкурс «Планета искусств». Цель форума - знакомство российских детей с культурой разных стран мира. Мартовский фестиваль 2014 года успешно прошел под знаком Индии и индийской культуры. Организатором фестиваля является Международный комитет фестивалей «Жизнь городов» при поддержке Департамента культуры города Москвы, Администраций регионов России, Посольства Индии в Москве и Культурного центра имени Джавахарлала Неру. Форум призван объединить детей из разных городов и познакомить их с прекрасной страной Индией.

Фестиваль широко поддерживается всевозможными СМИ: это телеканалы «Детский», «Москва. Северо-Запад», «Детское движение Москвы», журнал «Международная жизнь» Министерства иностранных дел России, газеты "VISHWA DARPAN" и "Москва. Северо-запад". Для посетителей всех возрастов была представлена обширная развлекательная программа: дегустация превосходного индийского чая от Чайного Совета Индии (Tea Board of India); мини-игротека от сети настольных игр "Игровед"; урок хинди; раздача сюрпризов от компании «Сладкий подарок»; мастер-класс по индийским танцам и йоге Айенгара от йога-центра "Yoga-ru".

Организатор международных конкурсов "Планета искусств" - Международный комитет фестивалей "Жизнь городов", бессменным директором которого является Галина Скворцова. В специальном интервью для "Международной жизни" ("Культурной дипломатии") она рассказала о международной фестивальной деятельности.

 

Галина Васильевна, расскажите, пожалуйста, нашим читателям о Международном комитете фестивалей «Жизнь городов», который организует замечательные программы для детей, такие как сегодня.

- Международный комитет фестивалей «Жизнь городов» уже около двадцати лет работает на фестивальном рынке. И наша первоочередная задача как международного комитета - это пропагандировать наше искусство за рубежом. Причем особенность в том, что это именно детское искусство и творчество.

Сегодня, помимо этого фестиваля, в Росзарубежцентре в Лондоне выступает ансамбль песни и танца имени В.С.Локтева. Одновременно в Праге, на фестивале выступают дети из российских регионов. Три дня назад выехал автобус в Париж, где под эгидой нашего Посольства во Франции проводится большой общественный гала-концерт. А через два дня группа детей вылетает в Пекин: МИД Китая предоставляет огромный многотысячный зал, где вместе с китайскими детьми наши ребята делают общий праздник. Еще одна группа вылетела в Италию, на остров Гарда. Когда я представляю, что очаги нашей русской культуры рассеяны по всему миру, это очень приятно.

Вы являетесь директором международного творческого форума и конкурса-фестиваля «Планета искусств». Поделитесь историей этого замечательного фестиваля.

- В какой-то момент возникла необходимость проводить мероприятия в Москве и только потому, что не все дети могут выехать за рубеж, а соприкоснуться с международной культурой, с культурой разных стран очень хочется. А нам хотелось привлечь детей к этому. Поэтому у нас родился проект, аналогов которому нет в России. Мы работаем напрямую с посольствами, аккредитованными в Москве и вместе с ними организуем фестивали два раза в год - весной и осенью. В проекте "Планета искусств" одна часть посвящена какой-либо конкретной стране, выбранной организаторами, а другая часть - произвольная. Начинали мы два года назад с Японии, потому что именно тогда в Японии была грустная ситуация, связанная с произошедшей там страшной цунами. Тогда на фестиваль приезжали японские дипломаты, и было много подарков, много танцев и песен, дети писали замечательные сочинения на заданную тему. Это был огромный праздник. Нам он очень понравился, и сегодня проходит уже пятый по счету фестиваль. Предыдущие фестивали были посвящены культуре Испании, Италии, Японии и Китая. "Планета искусств" - это конкурс, на котором можно представить картину, рукоделие, песню, танец, музыку, народные промыслы - все, чем живет душа любимой страны!

Расскажите, пожалуйста, о весеннем фестивале 2014 года, на котором мы имеем честь присутствовать.

- Сегодняшний юбилейный фестиваль посвящен Индии, потому что это такая яркая, многотысячелетняя культура, и невозможно с ней не подружиться, не соприкоснуться. Индийская культура настолько красочная, позитивная и благостная, поэтому мое мнение - знакомство с ней полезно для ребенка. Нам, конечно, очень помог Культурный центр имени Джавахарлала Неру при Посольстве Индии в Москве. Сегодня здесь его представители, в том числе среди членов жюри: Бандару Уилсонбабу, первый секретарь Посольства Индии и директор центра им. Дж. Неру, а также Акшай Кумар, преподаватель индийского классического танца стиля "Катхак" в центре им. Дж. Неру. Жюри приготовили участникам конкурса "Моя любимая страна - Индия" подарки. Также подарок центра - настоящие индийские танцы, они будут открывать программу, то есть они идут вне конкурса. В замечательном центре им. Дж. Неру при Посольстве Индии можно совершенно бесплатно заниматься индийскими танцами, йогой и другим.

 

Члены жюри сегодня: Арти Сони, журналист, диктор индийской редакции радио "Голос России" и главный редактор газеты "VISHWA DARPAN"; композитор Евгений Исакович Медведовский, Заслуженный работник культуры РФ; артист Большого театра Егор Симачев. Председатель жюри - балетмейстер, Заслуженная артистка РФ Галина Касаткина.

Сегодня во дворце культуры "Салют" около пятисот детей - это более 30 коллективов, которые прибыли из разных уголков нашей страны, в том числе большая группа из столичного региона. Некоторые принимают участие с самого первого фестиваля 2012 года: каждый раз готовятся, приезжают. Они очень любят наш фестиваль, у нас много подарков от наших спонсоров: это книги, памятные призы. Дети уходят со знаковыми подарками, которые могут быть для них очень познавательными. Открытие культуры продолжается у них дома: они изучают ее самостоятельно.

Пользуясь случаем, хочу пригласить представителей "Международной жизни", журналистов посетить следующий фестиваль "Планета искусств" в Москве, который намечен на ноябрь 2014 года и будет посвящен культуре Соединенного Королевства, в частности - Англии и Шотландии.

Юные участники фестиваля показывают сегодня не только свое мастерство, но и свои познания и своё понимание индийской культуры. А Вы можете поделиться своими первыми впечатлениями от культуры Индии. Как Вы думаете, отличаются ли эти впечатления у современных детей?

- Дети сейчас очень развитые, благодаря Интернету и другим современным средствам, но они остались такими же творческими. Например, в Республике Якутия (Саха) прекрасные талантливые ребята. Я соприкоснулась в своем детстве с индийской культурой только в качестве фильмов. Пока мы не проводим фестиваль в Индии, но благодаря московскому фестивалю дети могут окунуться в культуру и почувствовать эту страну.

Каково Ваше мнение о важности роли культурной дипломатии в творческом обмене у юных артистов?

- Я вспоминаю события пятилетней давности, когда мы были на гастролях с ансамблем имени В.С.Локтева в Египте. Тогда там было ещё всё спокойно. Происходило все в городе Хургада, нас сопровождал представитель Общественной палаты России Александр Николаевич Каньшин. Ансамбль показывал шоу под названием "Калинка" на главной площади Хургады, и жители города, пришедшие туда целыми семьями: мамы, папы и дети - все выучили слово "Калинка". Фестиваль начинался также с номера на песню "Калинка" - танцевала вся площадь. Благодаря замечательному губернатору провинции Красное Море, были организованы автобусы, которые приезжали с жителями деревень - они хотели увидеть представление артистов из России. Александр Каньшин сказал после концерта и после общения с горожанами, что "это действительно культурная дипломатия, причем очень эффективная!". Нам очень важна такая оценка нашей деятельности. И во многих странах, где мы были на гастролях, есть традиция - после выступления артисты выходят фотографироваться с публикой, порой это занимает от одного до двух часов. Зрители хотят оставить на память этот момент единения с нашими замечательными юными артистами. Идут годы, но в альбоме простой арабской семьи останутся фотографии с русскими ребятами. Это и есть дружба между нашими странами и народами. Так происходит везде, где бы мы ни были.

 

Один из членов жюри конкурсной программы фестиваля Джавед Бехлим (Javed Behlim), представитель Посольства Индии и преподаватель хинди в школе языков "DIVELANG" на прекрасном русском языке поделился с нами своими впечатлениями: "Я очень рад быть здесь в качестве члена жюри индийской программы! Кроме моей преподавательской деятельности, я представляю при Посольстве Индии организацию Чайный Совет Индии. Это автономная организация при Министерстве торговли и промышленности Индии. Наш головной офис находится в Калькутте. Другие представительства находятся в Лондоне, Нью-Йорке, Франкфурте, Дубае, Москве. Московский офис при Посольстве Индии занимается продвижением индийского чая. Мы не относимся к какому-то ни было бренду, мы просто объясняем людям какие есть разновидности, сорта индийского чая, где они выращиваются, в каких условиях и какой есть стандарт контроля качества чая. Периодически на разных мероприятиях, таких как это, мы устраиваем дегустации чая и рассказываем про чаи. Это основная функция нашей организации. Это всегда находит отклик, поскольку чаепитие в России - большая и важная часть повседневной жизни".

 

В непревзойденном качестве настоящего индийского чая я удостоверилась лично, попробовав один из крепких сортов, приготовленный помощницей господина Бехлима Александрой. И действительно, чайный напиток из Индии - это сказка. А индийская культура - это целая планета! Планета, которая заслуживает самого пристального изучения!

Страница 4 из 5