facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 6:31

Крутится-вертится «Планета музыки»

Понедельник, 08 Февраль 2016 13:04 Опубликовано в События

26 января в Московском детском театре эстрады состоялась встреча с организаторами и будущими членами жюри Первого Международного фестиваля детского творчества «Планета музыки».

«Планета музыки» - это детский музыкальный фестиваль (9-15 лет), который стартует 30 мая 2016 года. Инициатором проекта выступил художественный руководитель Московского детского театра эстрады, композитор и дирижер Валентин Овсянников. На фестивале будут представлены все три направления музыки: народная, академическая и эстрадная, которая, в свою очередь, предполагает всевозможные синтезы и сплавы. Более того, каждое из этих направлений будет представлено в вокальном и инструментальном исполнительстве. Что также подразумевает сольное или ансамблевое выступление. Именно поэтому проект носит такое поистине межпланетное название.

Все члены жюри – это музыканты, люди очень широкого профессионального профиля, способные объективно оценить мастерство участников. На данный момент состав жюри находится в процессе формирования – приглашение к участию получили десятки зарубежных экспертов, чьи имена имеют вес в мире музыки. Окончательный список участников будет объявлен в середине февраля.

«Я твердо убежден, что талант юного дарования ни в коей мере не должен зависеть от размера кошелька его родителей, - утверждает Валентин Овсянников. – Именно поэтому в нашем фестивале напрочь отсутствуют первые фестивальные взносы, а трансфер, проживание и питание в Москве также будут осуществляться за счет оргкомитета. И я заранее хочу принести свои глубочайшие извинения тем детям, которые так и не пройдут в финал – не опускайте руки и не прекращайте заниматься музыкой!».

Главная ценность идеи данного проекта состоит в том, что любой талантливый человек может попробовать свои силы и впоследствии, возможно, поделиться своим талантом с миром. Для участия достаточно иметь самую простую камеру на самом обычном телефоне: качество записи не собьет экспертное жюри с толку. На большинстве международных конкурсов профессиональная съемка мало того, что приветствуется, так еще и является обязательным условием, потому что не надо быть гением, чтобы понять, что съемка, произведенная на дорогостоящую аппаратуру, иногда даже с монтажом (что не одобряется, но допускается) имеет неоспоримое преимущество даже чисто эстетически перед записью, сделанной на камеру мобильного телефона.

«У нашего фестиваля есть строгая установка, - заявляет одна из членов жюри пианистка Екатерина Мечетина. – Любой ребенок вне зависимости от своего местонахождения и материального положения семьи может участвовать в конкурсе. Конкурс пройдет всего в один заочный этап, в результате которого будут отобраны победители, которые попадут на сам, собственно, фестиваль в Москве. В марте мы заканчиваем прием заявок и начинаем отбор».

Подобный фестиваль – уникальная возможность для конкурсантов познакомиться с иностранцами, у которых совершенно иная музыкальная культура. И хотя первичная затея – это общение ребят друг с другом, не исключено, что наиболее талантливые из них смогут завоевать внимание и интерес одного из членов жюри.

«На каждом таком конкурсе, где я выступаю в роли члена жюри, - рассказывает эстрадная певица Светлана Светикова. – Я «забираю» с собой одного ребенка, которому впоследствии помогаю продвигаться по его творческому пути. Один из них, например, Никита Киоссе, который сейчас уже довольно популярен, так как входит в группировку MBAND, созданную Константином Меладзе. Примерно пять лет назад я заприметила его на конкурсе и стала понемногу помогать: помню, как готовились к «Детскому Евровидению» в Украине… И это действительно важно, потому что Валентин Валентинович [Овсянников] очень помогал мне, позволяя развиваться сразу в нескольких направлениях в его театре. И этот фестиваль нацелен на взаимопомощь, разностороннее развитие и продвижение вперед».

Так каковы же критерии отбора? Первый и самый главный – «мурашки по спине». Все члены жюри с уверенностью заявили, что если талант есть, то скрыть его невозможно даже плохой видеозаписью на телефоне. Так что не стоит робеть!

Самое важное – это некий импульс, который и запускает процесс начинания, мобилизует творческие детские и юношеские силы, так необходимые нашей планете. «Планета музыки» - это ребята из разных стран, которые черпают опыт друг друга, соревнуются и готовят себя к тому, что в недалеком будущем станут артистами высокого ранга. 

Музыка — универсальный язык человечества

Понедельник, 05 Октябрь 2015 22:33 Опубликовано в События

 

В международный день музыки на сцене Центрального музея музыкальной культуры им. М.И.Глинки зазвучали уникальные инструменты из Государственной коллекции России, в числе которых есть легендарные скрипки и виолончели А.Страдивари.

Международный день музыки был учрежден в 1973 году по инициативе Международного музыкального совета (IMC) при ЮНЕСКО в целях культурного просвещения разных социальных слоев населения по всему миру. Примечательно, что Дмитрий Шостакович был одним из инициаторов создания этого праздника. Теперь каждое 1 октября не только в России, но и в Португалии, Швейцарии, Франции, Нидерландах и Германии проходят концерты, которые знакомят гостей с лучшими произведениями искусства в мире музыки. Существование этой традиции крайне важно для развития культурного диалога по всему миру. Как правило, в этот день исполняются произведения известнейших композиторов. Поэтому в 2015 году выбор организаторов праздничного осеннего вечера в музее им.Глинки пал именно на сочинения И.С.Баха(1685-1750) - одного из самых значимых фигур в мире музыки.

Немецкий композитор прославился благодаря всеохватывающему музыкальному таланту. Сочинения И.С.Баха, как для ансамблей, так и для отдельных инструментов оказали значительное влияние на музыку XIX-XX вв. Его многочисленные произведения для клавирных и струнных инструментов резко выделяются на фоне творчества других современников музыканта. Во всем мире И.С.Бах известен своей виртуозной техникой игры на органе. Эксперты также насчитывают сотни вокально-хоровых (кантаты, пассионы, мессы и др.) творений маэстро, многие из которых написаны на религиозную тематику. Полифоничное звучание и сочетание различных жанров  подняли на новый уровень музыкальные традиции того времени. Его новаторство сказалось на развитии последующих музыкальных поколений. Восприемниками традиций виртуоза стали многие известные  композиторы, среди которых Л.Бетховен, И.Брамс, Р.Вагнер, М.Глинка и позднее, Д.Шостакович.

Столица отметила Международный день музыки концертом Московского камерного оркестра «Musica Viva». Состоялся вечер, посвященный 330-летию со дня рождения И.С.Баха. На сцене прозвучали Бранденбургские концерты №6 и №3. Гостям представилась редкая возможность насладиться роскошным звучанием произведений И.С.Баха. С 2010 года Госколлекция уникальных музыкальных инструментов Российской Федерации входит в состав Государственного центрального музея музыкальной культуры имени М. И. Глинки, за счет чего оркестру представилась возможность исполнить концерт на инструментах таких мастеров, как А.Страдивари, А.Гварнери, Н.Гальяно, М.Деконетти. Именно в их мастерских из ценнейших материалов создавались идеальные творения. Перед тем, как стать основой для скрипки, альта или виолончели, древесина проходила обработку на протяжении нескольких лет. От формы инструмента также зависят многие акустические параметры. После долгих лет проб и экспериментов удалось добиться идеального звучания. Сегодня эти струнные шедевры итальянских мастеров находятся в Государственной коллекции уникальных музыкальных инструментов России.

Проведение Международного дня музыки на таком высоком уровне, с участием настоящих профессионалов – это важнейший шаг навстречу культурному просвещению. Гости концерта познакомились с творчеством И.С.Баха и не только узнали об известных итальянских мастерах, но и услышали уникальное звучание их скрипок. В этот вечер все люди в зрительном зале и на сцене приобщились к настоящему возвышенному искусству – в чем и есть главная задача Международного дня музыки.

Джаз пяти континентов

Пятница, 31 Июль 2015 13:10 Опубликовано в События

«Что такое джаз? Друг, если ты должен об этом спросить, то никогда не узнаешь»

Луи Армстронг

30 июля оргкомитет XIII Международного фестиваля Koktebel Jazz Party устроил в ММПЦ МИА «Россия сегодня» Koktebel Jazz Pre-Party, предваряющую праздник джаза в Крыму, который пройдет с 28 по 30 августа 2015 года под слоганом «Джаз пяти континентов».

Международный джазовый фестиваль Koktebel Jazz Party – это одно из самых ярких событий в культурной жизни не только Крыма, но и всей России, привлекающее внимание мировой музыкальной общественности. В течение трех вечеров перед крымчанами на сцене будут выступать ведущие джазовые коллективы и исполнители из Европы, Азии, Африки, Австралии и Америки. Среди них немало известных в мире джаза имен: 75-летний американский саксофонист Gary Bartz; открывший для американского джаза уникальные мотивы Латинской Америки кубинский трубач Arturo Sandoval; играющая в джазовом стиле клубный даунтемпо немецкая группа De-Phazz; соотечественник Игорь Бутман, чей саксофон можно узнать в альбомных записях групп «Аквариум» и «Кино»; собранный российским пианистом Яковом Окунем International Jazz Quintet и народный артист Украины Энвер Измайлов (Крым). Однако в этом году для гостей приготовили кое-что особенное… А точнее, кое-кого, потому что специальным гостем Koktebel Jazz Party-2015 станет всем известная в России звезда джаза — Лариса Долина.

"Приближающийся международный джазовый фестиваль Koktebel Jazz Party соберет много замечательных исполнителей… Не обойдется и без сюрпризов. В общем, приезжайте. Будет интересно. Все-таки не так уж и часто в истории джазовых фестивалей на одну сцену выходили музыканты — представители сразу пяти континентов" ,— отметил арт-директор фестиваля Koktebel Jazz Party Михаил Иконников. Из года в год в фестивале принимают участие джазмены из России, Бразилии, США, Израиля, Великобритании, Индии, Армении, Германии, Бельгии и Нидерландов, а в 2015-ом к ним присоединились музыканты из Бенина, Грузии, Азербайджана и Кубы.

На Koktebel Jazz Pre-Party в Москве выступал коллектив под предводительством арт-директора Международного фестиваля, а по совместительству саксофониста Сергея Головни, куда также вошли звезды российского джаза: солистка Ирина Родилес, трубач Виктор Арзу Гусейнов, пианист Олег Стариков, контрабасист Владимир Кольцов-Крутов и барабанщик Александр Зингер.

 

Ирина Родилес  окончила Государственную классическую Академию имени Маймонида и имеет высшее образование преподавателя джазового вокала. Сегодня она является, пожалуй, одной из самых известных и востребованных джазовых певиц в Москве. За ее плечами годы тяжелой, но невероятно интересной работы со многими известными джазовыми музыкантами.

МЕЖДУНАРОДНАЯ ЖИЗНЬ: Ирина, расскажите, пожалуйста, как можно стать участником фестиваля? Музыкант просто получает индивидуальное приглашение, или необходимо подать заявку на участие?

ИРИНА РОДИЛЕС: Обычно это заявка, а, если быть точнее, демо. То есть, чтобы попасть на фестиваль, вам необходимо завоевать внимание организаторов, вызвав своим выступлением интерес.

МЖ: А бывает такое, что организаторы собственноручно отбирают и приглашают каких-то артистов?

РОДИЛЕС: Бывает и такое, но реже.

МЖ: Подать заявку, наверное, могут музыканты из каких-то зрелых оркестров и коллективов, или это может сделать абсолютно любой желающий? Насколько большим должен быть опыт?

РОДИЛЕС: Ну, нет, любой желающий не может. Мне кажется, для того чтобы пригласили на фестиваль, артисты уже должны быть известны в каких-то определенных кругах, играть интересную музыку, разумеется, которая большинству пришлась по душе. Вообще фестиваль предполагает разножанровость. Так как он длится несколько дней, то включает в себя разные стили джаза, начиная с диксиленда и блюза и заканчивая авторской музыкой. Однако последняя уже более трудная для восприятия - неизвестно, сможет ли она в должной мере заинтересовать рядового слушателя. Поэтому на мероприятиях многолюдных и «разнослойных»  предпочтительнее, конечно, исполнять легкий джаз. Вот сегодня, например, мы играли популярный джаз. Эдакий мейнстрим - то есть, то, что всем гостям понятно и нравится. А есть джаз, к которому слушателя надо все-таки подготовить.

МЖ: Вы впервые принимаете участие в фестивале?

РОДИЛЕС: Нет, в прошлом году я тоже была тут, но работала с другим коллективом.

МЖ: А как комбинируются коллективы? Артистов распределяют организаторы?

РОДИЛЕС: О, нет. Мы люди, которые всегда находятся на одной волне и общаются на одном музыкальном языке – сложностей в понимании и, как следствие, в исполнении у нас не бывает. Для этого существуют джем-сейшны, где музыканты собираются вместе и импровизируют. Именно там становится понятно, кто с кем спелся и может в дальнейшем сотрудничать.

 

Koktebel Jazz Party возник как частная инициатива основателя и «родоначальника коктебельского джаза» Дмитрия Киселева. Маленький крымский поселок дал имя фестивалю, ныне занимающему одно из признанных мест в списке джазовых мероприятий. Эти ежегодные встречи артистов превратили Коктебель в «джазовую Мекку».

Но не стоит думать, что Коктебель известен одним лишь джаз-фестивалем – поселок в плане развлечений ничем не уступает большому городу.

Например, многим известен дом-музей поэта, художника и философа Максимилиана Александровича Волошина, прославившийся благодаря проводимым в нем научным конференциям, Волошинским чтениям и ежегодному международному творческому симпозиуму «Волошинский сентябрь», который, в свою очередь, состоит из Волошинского конкурса, литературного фестиваля имени М. А. Волошина, художественного пленэра «Коктебель», вручения международной Волошинской премии, научно-культурологической конференции «Киммерийский топос: мифы и реальность» и молодежных семинаров. Возможно, это единственный в мире музей, которому действительно удалось сохранить очарование эпохи Серебряного века.

А чего стоит День Нептуна – традиционное театрализованное представление, которым посетители нудистского коктебельского пляжа провожают лето, чтобы после с чистой совестью вновь облачиться в одежды. Удивительно, но родоначальником нудистского движения в Коктебеле стал тот самый Максимилиан Волошин, который, помимо умных книжек, ценил и первозданную красоту природы и человека. Он считал эту дикую красоту даром, которым нужно гордиться, а потому необходимо демонстрировать.

Одна из самых необычных достопримечательностей Коктебеля – это местный динотерий, где к миру живой природы можно буквально прикоснуться, не наткнувшись на стекло аквариума или террариума. Макеты скелетов динозавров сконструированы в мастерской Американского музея естественной истории, а размещенных тут же экзотических птиц и животных можно потрогать. Также в этом динотерии находятся единственные в мире солнечные часы-фонтан с двумя циферблатами. Верхний из них, с арабскими цифрами, показывает время, а другой, с римскими, - ход развития жизни на Земле.

Кара-Даг (в переводе с тюркского – «Черная гора») – это древний потухший вулкан Юрского периода, также расположенный на территории Коктебеля. Сегодня – это уникальный природно-минералогический комплекс, приютивший биологическую станцию, заложенную доктором медицины Терентием Ивановичем Вяземским. Тут же обосновался Карадагский государственный заповедник, включающий территорию горного массива и прилегающую морскую акваторию. А в окрестностях Коктебеля есть и музей природы Кара-Дага.

Это далеко не все достопримечательности Коктебеля: тут есть и аквапарк, и дельфинарий, и глинистый выступ, напоминающий по форме хамелеона, а потому носящий теперь название этого животного, и загадочное озеро Бараколь, превращающееся летом в солончак. Есть тут даже вход в преисподнюю! Считалось, что скала Шейтан-Капу («чертовы ворота»), а ныне Золотые ворота, - это не что иное, как проход в геенну.

 

Koktebel Jazz Party – это мир улыбающихся лиц и радостных людей, танцующих волн и соленого морского воздуха, которым невозможно надышаться. Побег от придуманных ценностей и рутины, рамок и шор, безвкусицы и «фанеры». Этот фестиваль - это не просто джаз мирового уровня – это настоящая свобода, которая рождает единую вибрацию музыки, моря, тела и души.

 

 

Использованные материалы:

http://koktebel-jazz.ru/

http://ria.ru/

Мир акварелью (Моя страна «Акварелия»)

Воскресенье, 07 Июнь 2015 15:38 Опубликовано в Биноклиус

Artist manifesto - written appeal, the appeal programmatic

Мой творческий манифест

Одной из главных целей для себя, как автора, считаю:

- стремление к созданию понятного и космополитического искусства, востребованного в мире;

- стремление к отражению своего понимания жизни в картинах и других работах, что является передачей мироощущения и мироосмысления, как основы для создания художественного образа в живописи;

- неприемлемым следование конъюнктуре или подражание в искусстве;

- технику исполнения живописных работ равноправным инструментом или творческим языком Автора. Авторская живописная техника или «манера» является первичной коммуникацией со зрителем и должна быть профессиональна, что не мешает менять или искать различное «звучание» или собственную вариативность в манере письма.

Пример:

Музыкант не умеющий владеть инструментом не сможет исполнить произведение и тем более продать билеты на свой концерт. Так почему в живопись легко, под прикрытием умных слов, часто попадают те, кто не владеет техникой? Именно способность работать и передавать свои ощущения и впечатления от увиденного через живопись отличает художника от ремесленника. Язык скрытой, не поверхностной метафоры, способной передать отношение к увиденному или рассказать живописным языком об увиденном и отложившемся в памяти.

Сейчас многое изменилось из того, что окружало художника раньше. Наличие цифровых инструментов и гаджетов, технический прогресс и спрессованность времени, когда самолет и автомобиль превращают многие длительные и созерцательные процессы в мимолетные, также влияют на ощущения и мировосприятие художника. Более того, считаю необходимым для современного художника использование современной техники в работе. Многие творческие процессы перекрещиваются с дизайном и техническим прогрессом. То, что было невозможно раньше - доступно сейчас, но и то что было нормой для живописца в прошлые столетия - стало немыслимо в наше время!

Живопись - это один из многочисленных слабо конкурентных видов визуализации внутри большого информационного поля. Нас окружили интернетом, телевидением, кино, фотографией и т.п. и это не просто эпизодический контекст, нет, это основа нашей жизни сейчас, поэтому живопись превратилась в своего рода искусство ради развлечения ценителей или примкнувших к ним последователей. Раньше художник был единственным инструментом для воспроизведения и фиксации действительности и даже светской или религиозной пропаганды - сейчас это не так. Мне видится развитие творчества через индивидуализацию восприятия, но не манеры работы. Ценность своего искусства я вижу не в фиксации действительности, а в передаче того «нерва» жизни, той метафоричности, которую можно вложить в произведение или картину, не нарушая, при этом, целостности восприятия. Излишняя конъюнктурность и надуманность мне только мешает. Я не вижу смысла для настоящего художника в повторении и тиражировании «узнаваемого» приема, который был приобретен, как маркетинговое преимущество для лучших продаж картин.

Следуя своей ментальности и понимая, что мои картины это уже реальность 21 века, понимая, что фиксация впечатлений и отсутствие размеренной созерцательности это уже данность моей постиндустриальной «биографии», и что темп жизни часто опережает ту ритмичность, с которой художник может создавать свои работы, акварель стала одним из важных и «программных» инструментов моего творчества.

Неповторимость акварельной техники и своенравность водных красок помогают добиться баланса между живописностью, которую я так ценю, и техничностью исполнения, что позволяет осознанно идти по пути противопоставления моей живописи как обилию «фото/гипер» реализма, так и процессу коньюктуризации искусства. Сейчас мне важно соединить в одном произведении и технику, как универсальный язык коммуникации, и динамику, как отражение современного ритма жизни, и индивидуальность восприятия, как «метафору» моей ментальности, для того, чтобы живопись стала авторской проекцией субъективно идеалистического восприятия реальности художника.

Используя в своей работе различные живописные и графические материалы, основное место на сайте автор отводит акварельной технике: «Техника акварели позволяет добиться воздушности и прозрачности в работах художника, каждая картина, выполненная акварелью - уникальна, ее нельзя повторить, акварель - это живая техника, ее невозможно приручить, ее можно только умело направлять туда, куда хочет автор, и она тогда преобразит белый лист бумаги в легкое и светлое произведение искусства….

Как художник, в своем творчестве, прежде всего, я опираюсь на традиции русской школы живописи серебряного века. Также могу отнести себя к последователям русского импрессионизма(*).

В акварелях стараюсь показать все многообразие цвета, цветовые вибрации, разнообразие оттенков и колористики в картине. С помощью сложных цветовых сочетаний из палитры исключил черный цвет из «банки», поэтому тени могут содержать до 10 цветов одновременно, а драматургия сюжета достигается смешением техник - по влажной бумаге а-ля-прима, сухой кистью и наложением цветов - лессировкой. В работе использую кисти разных размеров и составов – до двенадцати видов в каждой картине.

В своих работах стремлюсь передать, прежде всего, настроение и ощущение внутренней сцены, найти в каждом сюжете свою внутреннюю историю и гармонию. Наполнение работы смыслом и внутренним содержанием для меня всегда превалирует над актуальностью и модностью.

*…Характерные черты русского импрессионизма - это «этюдность» и некоторая незавершенность, которые обеспечивают тот «трепет жизни», который был столь значим для этого направления в живописи. Отсутствие сильной динамизации, которая была характерна для импрессионистов Франции, и бОльшая нагруженность смыслом так и не позволила русскому импрессионизму перейти до конца в разряд живописи ради живописи. Содержательная доминанта, тяготение к смыслу и значению художественного образа, бОльшая материальность и предметность, а также тенденция к картинной монументализации пленэра в основном посредством этюда, выполняемого в один заход.

 

О музыке…

Сразу хочу сказать, что для меня очень важно ощущение от работы, это так же важно, как и то, с помощью каких красок или кисточек будет исполнена картина. Мое ощущение, которое я передаю в работе и техника исполнения, вступают в диалог со зрителем – это как музыка или исполнение музыкального произведения, картина должна стать «застывшей музыкой», именно поэтому, так важно, чтобы не было «фальшивых нот» и плохого исполнения. Можно сколько угодно говорить о том, что актуальное искусство расширяет границы восприятия, но меня точно не заставишь идти на концерт где плохо играют, даже если это будет модно. Почему зритель в отличие от слушателя смотрит выставки, которые часто «фальшивят» это другой вопрос, но в своей работе этого точно допускать я не могу.

Об акварельности…

Почему акварель? Акварель — это очень живая техника, сложная и красивая, с характером и «нервом». Очень подходит для передачи настроения. Конечно, краски приходится заказывать из Англии, но цена вопроса качество пигмента и светостойкость, поэтому экономить на этом нельзя. А еще очень нравится состояние легкого «мандража», как перед экзаменом, перед началом каждой работы, акварель очень своенравна, поэтому приходится так «мандражировать» каждый раз…в этом вся суть этой техники. Видимо, из-за этого она не всеми любима и не всем покоряется. У каждого хорошего художника свои секреты мастерства, люблю их разгадывать, да и свои секреты тоже есть. Кстати не часто вижу мастеров у кого есть что подсмотреть, в акварели есть мастера-современники, но не нашей школы. Наши, перед кем я поклоняюсь, остались в прошлом столетии и еще раньше. Акварель не прощает ошибок и слабостей, ее легко как говорят «замучить», но если получилось с ней найти общий язык, то в хорошей раме с правильным экспонированием будет радовать не одно поколение зрителей….

О нюансах и восприятии…

Очень нравится, когда нахожу натуру, в которой нет «новодела». Не могу писать новодельную или отреставрированную архитектуру. Сейчас все делают так, что пропадает настоящий цвет и оттенок, штукатурят и закрашивают, мостят дорожки и приукрашают до такой степени, что все становится не настоящим. Живопись не «глянцевый журнал», мне нравится, когда живопись не «зализана», а передает нюансы и оттенки, не превалирует «открыточный» коммерческий подход. Для украшения действительности в 21-м веке изобрели много технических средств передачи. Художник должен думать кистью, а не копировать цифровые возможности современных гаджетов. Это, конечно, мое мнение, но мне важно именно право художника на то, что не дано машине или цифровому носителю, право на свое восприятие, на свой живописный язык, на свое «звучание». Но ответ на вечный вопрос философии - что важнее «идеальное» или «материальное», каждый художник выбирает сам. Я, все-таки, думаю, что прежде чем для себя определить в каком поле оказаться, надо научиться рисовать. А это процесс очень долгий и занимает годы, но в этом весь смысл живописи для меня – постоянно разбираться в нюансах и тонкостях восприятия.

Вспоминаю как в детстве, всегда долго стоял перед понравившейся картиной и часто возвращался, вычерчивая замысловатые траектории, мимо музейных бабушек, для того, чтобы записать в памяти те или иные живописные приемы, манеру положить краску на полотно или бумагу, передать кистью живое, меняющееся пространство или характер предметов. Думаю, что я еще не понимал тогда, что несколько мазков любимого мастера, способны перевернуть мои представления о живописи сильнее художественной школы или училища, в которых я буду учиться. Детские впечатления стали основой того, что мне полюбилось в живописи и того, что нельзя вытравить из меня никакими актуальными тенденциями, пропагандируемыми кураторами или людьми, делающими на этом свой бизнес. Да, мне дороги мои первые «детские» образы и впечатления в искусстве, да, это та суть живописи, которая помогает мне быть самим собой. Я помню, как читая Набокова, мне были близкими не его «тиражные» произведения, а мало читаемые «Другие берега» и «Дар», отправляющие к истокам творчества писателя и невероятного языкового мастерства.

Сейчас в живописи, трудно быть самим собой и продаваться. Успех художника — это часто синоним того, что надо быть в «арт-тусовке», следовать актуальным течениям, протискиваться к благодетелям арт-мира, придумывать себе пиар истории или делать модные инсталляции чтобы быть замеченным галеристами и аукционистами.

Мне гораздо важнее, оставаться тем «ребенком», которого мать привела в пять или шесть лет на выставку и которого могла потрясти какая-нибудь незаметная маленькая картинка, этюд, неизвестный и не разрекламированный, выставленный как один из этапов биографии художника, но такой важный для меня. Мне кажется, что противостояние художника, его движущая сила созидания должны идти изнутри, из таких «детских» воспоминаний, образов и впечатлений, а не от конъюнктурного начала, диктуемого зачастую пустым и мёртвым арт-пространством вокруг».

 

Биографическая справка:

Иван Порхачёв родился в 1978 году в Москве. Окончил с отличием в качестве правительственного стипендиата Московский текстильный университет имени А.Н.Косыгина, факультет прикладного искусства.

С конца 1990-х годов начал работать дизайнером одежды, создал свою дизайн-студию, выпускавшую современные промышленные коллекции. Работал бренд-директором в Китае, России, Европе, Турции. Зарекомендовал себя как опытный стартап-менеджер в области одежных и дизайн проектов в России и за рубежом.

Несмотря на то, что работа в прикладном дизайне требовала много времени, начиная с 1990-х годов, Иван не переставал заниматься профильными для него живописью и графикой. Поэтому, имея опыт художественного училища и университета, художник в своих работах успешно находит баланс между техникой исполнения и собственным видением натуры, его картины передают то, что мы можем видеть вокруг себя, иногда не замечая как это может быть прекрасно, его зритель погружается внутрь произведения и каждый может почувствовать атмосферу и настроение переданное автором.

Страница 4 из 11