facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 11:55

«Акваментальность»

Понедельник, 08 Июнь 2015 11:52 Опубликовано в События

С 19 июня по 18 июля московский арт-центр EXPOSED представляет выставку-продажу работ российского художника–акварелиста Ивана Порхачева, отражающих особое восприятие автора разных континентов и стран.

Выбор именно этого художника для очередного этапа знакомства посетителей арт-центра с наиболее яркими представителями новой волны современного русского искусства – неслучаен. Иван Порхачев – российский дизайнер, живописец, график. Используя в своей работе различные технологии и материалы, основное место автор отводит акварельной технике, которая позволяет живописным языком передавать свои ощущения и впечатления об увиденном и отложившемся в памяти. Соединяя в одном произведении и технику, и индивидуальность восприятия, как «метафору» своей ментальности, Иван Порхачев создает необыкновенно легкие и светлые образы различных уголков мира, позволяя зрителям прочувствовать атмосферу и настроение, ощущаемые им самим.

«Техника акварели позволяет добиться воздушности и прозрачности в работах художника, каждая картина, выполненная акварелью – уникальна, ее нельзя повторить, акварель это живая техника, ее невозможно приручить, ее можно только умело направлять туда, куда хочет автор, и она тогда преобразит белый лист бумаги в легкое и светлое произведение искусства…» – И. Порхачев.

Искусство Ивана Порхачева впечатляет своей географией и тематическим разнообразием: мосты Нью-Йорка, пролив Босфор, виды Венеции и Флоренции, родные пейзажи России, что в полной мере отражает концепцию арт-центра EXPOSED, стремящегося сосредоточить в своих стенах предметы искусства, не только привезенные со всего мира, но и раскрывающие красоту разных его уголков.

«Иван – удивительно тонкий, глубокий и гармоничный художник, каждая работа которого имеет собственное звучание, свое особое настроение. Он виртуозно владеет такой сложной техникой как акварель, создавая работы, наполненные глубоким смыслом и внутренним содержанием» – подчеркивает Кен Кляйми. – «Я уверен, работы Ивана будут по достоинству оценены нашими гостями».

На выставке будет представлено более 50 разноформатных работ художника. Все выставленные работы можно приобрести. Центральное место выставки займут несколько круговых инсталляций, символизирующих соединение ментального и метафизического контекстов в одном произведении.

Мир акварелью (Моя страна «Акварелия»)

Воскресенье, 07 Июнь 2015 15:38 Опубликовано в Биноклиус

Artist manifesto - written appeal, the appeal programmatic

Мой творческий манифест

Одной из главных целей для себя, как автора, считаю:

- стремление к созданию понятного и космополитического искусства, востребованного в мире;

- стремление к отражению своего понимания жизни в картинах и других работах, что является передачей мироощущения и мироосмысления, как основы для создания художественного образа в живописи;

- неприемлемым следование конъюнктуре или подражание в искусстве;

- технику исполнения живописных работ равноправным инструментом или творческим языком Автора. Авторская живописная техника или «манера» является первичной коммуникацией со зрителем и должна быть профессиональна, что не мешает менять или искать различное «звучание» или собственную вариативность в манере письма.

Пример:

Музыкант не умеющий владеть инструментом не сможет исполнить произведение и тем более продать билеты на свой концерт. Так почему в живопись легко, под прикрытием умных слов, часто попадают те, кто не владеет техникой? Именно способность работать и передавать свои ощущения и впечатления от увиденного через живопись отличает художника от ремесленника. Язык скрытой, не поверхностной метафоры, способной передать отношение к увиденному или рассказать живописным языком об увиденном и отложившемся в памяти.

Сейчас многое изменилось из того, что окружало художника раньше. Наличие цифровых инструментов и гаджетов, технический прогресс и спрессованность времени, когда самолет и автомобиль превращают многие длительные и созерцательные процессы в мимолетные, также влияют на ощущения и мировосприятие художника. Более того, считаю необходимым для современного художника использование современной техники в работе. Многие творческие процессы перекрещиваются с дизайном и техническим прогрессом. То, что было невозможно раньше - доступно сейчас, но и то что было нормой для живописца в прошлые столетия - стало немыслимо в наше время!

Живопись - это один из многочисленных слабо конкурентных видов визуализации внутри большого информационного поля. Нас окружили интернетом, телевидением, кино, фотографией и т.п. и это не просто эпизодический контекст, нет, это основа нашей жизни сейчас, поэтому живопись превратилась в своего рода искусство ради развлечения ценителей или примкнувших к ним последователей. Раньше художник был единственным инструментом для воспроизведения и фиксации действительности и даже светской или религиозной пропаганды - сейчас это не так. Мне видится развитие творчества через индивидуализацию восприятия, но не манеры работы. Ценность своего искусства я вижу не в фиксации действительности, а в передаче того «нерва» жизни, той метафоричности, которую можно вложить в произведение или картину, не нарушая, при этом, целостности восприятия. Излишняя конъюнктурность и надуманность мне только мешает. Я не вижу смысла для настоящего художника в повторении и тиражировании «узнаваемого» приема, который был приобретен, как маркетинговое преимущество для лучших продаж картин.

Следуя своей ментальности и понимая, что мои картины это уже реальность 21 века, понимая, что фиксация впечатлений и отсутствие размеренной созерцательности это уже данность моей постиндустриальной «биографии», и что темп жизни часто опережает ту ритмичность, с которой художник может создавать свои работы, акварель стала одним из важных и «программных» инструментов моего творчества.

Неповторимость акварельной техники и своенравность водных красок помогают добиться баланса между живописностью, которую я так ценю, и техничностью исполнения, что позволяет осознанно идти по пути противопоставления моей живописи как обилию «фото/гипер» реализма, так и процессу коньюктуризации искусства. Сейчас мне важно соединить в одном произведении и технику, как универсальный язык коммуникации, и динамику, как отражение современного ритма жизни, и индивидуальность восприятия, как «метафору» моей ментальности, для того, чтобы живопись стала авторской проекцией субъективно идеалистического восприятия реальности художника.

Используя в своей работе различные живописные и графические материалы, основное место на сайте автор отводит акварельной технике: «Техника акварели позволяет добиться воздушности и прозрачности в работах художника, каждая картина, выполненная акварелью - уникальна, ее нельзя повторить, акварель - это живая техника, ее невозможно приручить, ее можно только умело направлять туда, куда хочет автор, и она тогда преобразит белый лист бумаги в легкое и светлое произведение искусства….

Как художник, в своем творчестве, прежде всего, я опираюсь на традиции русской школы живописи серебряного века. Также могу отнести себя к последователям русского импрессионизма(*).

В акварелях стараюсь показать все многообразие цвета, цветовые вибрации, разнообразие оттенков и колористики в картине. С помощью сложных цветовых сочетаний из палитры исключил черный цвет из «банки», поэтому тени могут содержать до 10 цветов одновременно, а драматургия сюжета достигается смешением техник - по влажной бумаге а-ля-прима, сухой кистью и наложением цветов - лессировкой. В работе использую кисти разных размеров и составов – до двенадцати видов в каждой картине.

В своих работах стремлюсь передать, прежде всего, настроение и ощущение внутренней сцены, найти в каждом сюжете свою внутреннюю историю и гармонию. Наполнение работы смыслом и внутренним содержанием для меня всегда превалирует над актуальностью и модностью.

*…Характерные черты русского импрессионизма - это «этюдность» и некоторая незавершенность, которые обеспечивают тот «трепет жизни», который был столь значим для этого направления в живописи. Отсутствие сильной динамизации, которая была характерна для импрессионистов Франции, и бОльшая нагруженность смыслом так и не позволила русскому импрессионизму перейти до конца в разряд живописи ради живописи. Содержательная доминанта, тяготение к смыслу и значению художественного образа, бОльшая материальность и предметность, а также тенденция к картинной монументализации пленэра в основном посредством этюда, выполняемого в один заход.

 

О музыке…

Сразу хочу сказать, что для меня очень важно ощущение от работы, это так же важно, как и то, с помощью каких красок или кисточек будет исполнена картина. Мое ощущение, которое я передаю в работе и техника исполнения, вступают в диалог со зрителем – это как музыка или исполнение музыкального произведения, картина должна стать «застывшей музыкой», именно поэтому, так важно, чтобы не было «фальшивых нот» и плохого исполнения. Можно сколько угодно говорить о том, что актуальное искусство расширяет границы восприятия, но меня точно не заставишь идти на концерт где плохо играют, даже если это будет модно. Почему зритель в отличие от слушателя смотрит выставки, которые часто «фальшивят» это другой вопрос, но в своей работе этого точно допускать я не могу.

Об акварельности…

Почему акварель? Акварель — это очень живая техника, сложная и красивая, с характером и «нервом». Очень подходит для передачи настроения. Конечно, краски приходится заказывать из Англии, но цена вопроса качество пигмента и светостойкость, поэтому экономить на этом нельзя. А еще очень нравится состояние легкого «мандража», как перед экзаменом, перед началом каждой работы, акварель очень своенравна, поэтому приходится так «мандражировать» каждый раз…в этом вся суть этой техники. Видимо, из-за этого она не всеми любима и не всем покоряется. У каждого хорошего художника свои секреты мастерства, люблю их разгадывать, да и свои секреты тоже есть. Кстати не часто вижу мастеров у кого есть что подсмотреть, в акварели есть мастера-современники, но не нашей школы. Наши, перед кем я поклоняюсь, остались в прошлом столетии и еще раньше. Акварель не прощает ошибок и слабостей, ее легко как говорят «замучить», но если получилось с ней найти общий язык, то в хорошей раме с правильным экспонированием будет радовать не одно поколение зрителей….

О нюансах и восприятии…

Очень нравится, когда нахожу натуру, в которой нет «новодела». Не могу писать новодельную или отреставрированную архитектуру. Сейчас все делают так, что пропадает настоящий цвет и оттенок, штукатурят и закрашивают, мостят дорожки и приукрашают до такой степени, что все становится не настоящим. Живопись не «глянцевый журнал», мне нравится, когда живопись не «зализана», а передает нюансы и оттенки, не превалирует «открыточный» коммерческий подход. Для украшения действительности в 21-м веке изобрели много технических средств передачи. Художник должен думать кистью, а не копировать цифровые возможности современных гаджетов. Это, конечно, мое мнение, но мне важно именно право художника на то, что не дано машине или цифровому носителю, право на свое восприятие, на свой живописный язык, на свое «звучание». Но ответ на вечный вопрос философии - что важнее «идеальное» или «материальное», каждый художник выбирает сам. Я, все-таки, думаю, что прежде чем для себя определить в каком поле оказаться, надо научиться рисовать. А это процесс очень долгий и занимает годы, но в этом весь смысл живописи для меня – постоянно разбираться в нюансах и тонкостях восприятия.

Вспоминаю как в детстве, всегда долго стоял перед понравившейся картиной и часто возвращался, вычерчивая замысловатые траектории, мимо музейных бабушек, для того, чтобы записать в памяти те или иные живописные приемы, манеру положить краску на полотно или бумагу, передать кистью живое, меняющееся пространство или характер предметов. Думаю, что я еще не понимал тогда, что несколько мазков любимого мастера, способны перевернуть мои представления о живописи сильнее художественной школы или училища, в которых я буду учиться. Детские впечатления стали основой того, что мне полюбилось в живописи и того, что нельзя вытравить из меня никакими актуальными тенденциями, пропагандируемыми кураторами или людьми, делающими на этом свой бизнес. Да, мне дороги мои первые «детские» образы и впечатления в искусстве, да, это та суть живописи, которая помогает мне быть самим собой. Я помню, как читая Набокова, мне были близкими не его «тиражные» произведения, а мало читаемые «Другие берега» и «Дар», отправляющие к истокам творчества писателя и невероятного языкового мастерства.

Сейчас в живописи, трудно быть самим собой и продаваться. Успех художника — это часто синоним того, что надо быть в «арт-тусовке», следовать актуальным течениям, протискиваться к благодетелям арт-мира, придумывать себе пиар истории или делать модные инсталляции чтобы быть замеченным галеристами и аукционистами.

Мне гораздо важнее, оставаться тем «ребенком», которого мать привела в пять или шесть лет на выставку и которого могла потрясти какая-нибудь незаметная маленькая картинка, этюд, неизвестный и не разрекламированный, выставленный как один из этапов биографии художника, но такой важный для меня. Мне кажется, что противостояние художника, его движущая сила созидания должны идти изнутри, из таких «детских» воспоминаний, образов и впечатлений, а не от конъюнктурного начала, диктуемого зачастую пустым и мёртвым арт-пространством вокруг».

 

Биографическая справка:

Иван Порхачёв родился в 1978 году в Москве. Окончил с отличием в качестве правительственного стипендиата Московский текстильный университет имени А.Н.Косыгина, факультет прикладного искусства.

С конца 1990-х годов начал работать дизайнером одежды, создал свою дизайн-студию, выпускавшую современные промышленные коллекции. Работал бренд-директором в Китае, России, Европе, Турции. Зарекомендовал себя как опытный стартап-менеджер в области одежных и дизайн проектов в России и за рубежом.

Несмотря на то, что работа в прикладном дизайне требовала много времени, начиная с 1990-х годов, Иван не переставал заниматься профильными для него живописью и графикой. Поэтому, имея опыт художественного училища и университета, художник в своих работах успешно находит баланс между техникой исполнения и собственным видением натуры, его картины передают то, что мы можем видеть вокруг себя, иногда не замечая как это может быть прекрасно, его зритель погружается внутрь произведения и каждый может почувствовать атмосферу и настроение переданное автором.

Самая эмоциональная выставка уходящего года

Вторник, 02 Декабрь 2014 12:54 Опубликовано в События

Министерство культуры Российской Федерации Государственный центральный музей современной истории России Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО» Открытие выставки 4 декабря «Эмоции». В Музее современной истории России состоится открытие выставки «Эмоции». На выставке представлены работы (около 50 полотен) одиннадцати современных российских художников, таких как Юрий Герман, Вадим Чазов, Сергей Брюханов и другие.

Цель выставки – пробудить эмоции, подтолкнуть зрителя к воодушевленному переживанию произведений искусства и создать для этого необыкновенную торжественную обстановку. Благодаря мультимедийной проекции пространство маленького зала визуально трансформируется в подобие капеллы эпохи Возрождения, напоминая о безграничных возможностях искусства.

Участвующие в выставке художники представляют разные стили, жанры и техники, но объединяет их единый творческий взгляд на природу живописного искусства. Люди одного поколения, профессионалы и мастера в самом высоком смысле этого слова, они стремятся к правде формы. Точные и изящные детали складываются в единый ювелирный узор, в котором реальность отдельных мотивов «снимается» благодаря условности и декоративности целого, построенного по законам, далеким от всякого правдоподобия.

Высокое мастерство преображения мира вызывает восхищение и удивление, как, впрочем, и та чудесная реальность, которая предстает на холстах.

Художники: Геймран Баймуханов, Сергей Брюханов, Евгений Груздев, Бато Дугаржапов, Виктор Егоров, Андрей Кетиладзе, Константин Лупанов, Михаил Петров, Андрей Ремнев, Вадим Чазов, Юрий Герман. Выставка продлится с 5 декабря 2014 года до 18 января 2015 года по адресу Москва, Тверская ул., дом 21.

Министерство культуры Российской Федерации, Государственный музей Востока, Галерея Веллум представляют выставку «Абрам Моносзон. К 100-летию со дня рождения. Живопись. Графика».

Ретроспективная выставка приурочена к 100-летию со дня рождения художника Абрама Моносзона. В экспозиции будут представлены все периоды творчества автора и его знаковые произведения – работы циклов «Коммунальная Москва», «Воспоминание о местечке», «Холокост», жанровые композиции и произведения на библейские темы.

Абрам Моносзон родился в 1914 году в Могилеве. В 1934 году поступил в Московский текстильный институт. Там его учителями стали  Александр Куприн, от которого Моносзон перенял живописные традиции «Бубнового валета», и Вениамин Эйгес, приобщивший художника к традиции еврейской живописи. Национальные мотивы ярко представлены в жанровых композициях, которые составляют особо интересную часть творчества Моносзона. В них автор обращается к трем темам: библейским историям («Суд Соломона», «Моисей, разбивающий скрижали»), к жизни еврейского народа ХХ века («Йом кипур», «Воспоминание о местечке. Шаббат») и повседневной жизни героев коммунальной Москвы 60-х («Не уважаешь?», «Городская сцена», «Было ли?»). Абрам Моносзон исследует образ человека в разные эпохи и в разных культурах, и вопрос о том, меняется он или нет, оставляет открытым. Куратор экспозиции Любовь Агафонова концептуально сталкивает работы разных жанров в одном пространстве, предлагая оценить влияние темы на формальную составляющую произведений.

Важное место в экспозиции занимают пейзажные работы. Они дают возможность выстроить целостный и завершенный мир автора, в котором человек и окружающее неразрывно связаны. Будь то жанровая сцена или пейзаж, Моносзон не становится в позицию стороннего наблюдателя - художник ясно передает свои эмоции с помощью насыщенного, сложного колорита и энергичного мазка.

Моносзон не получил признания в советское время – в 1956 году он был исключен из Союза художников за неверную трактовку образа вождя в картине «Ленин и дети» (работа войдет в экспозицию). Творчество автора заново открыла для публики галерея Веллум.

Выставку можно увидеть в Государственном музее Востока по адресу: Москва, Никитский бульвар, д.12-а с 19 ноября по 2 декабря 2014 года.

Иллюстрации:

1.      Абрам Моносзон. Йом Кипур (Судный день). 1960-е. оргалит, масло. 57х73 см. Галерея Веллум.

2.      Абрам Моносзон. Моисей разбивающий скрижали. 1960-е. оргалит, масло. 57х67 см. Галерея Веллум.

3.      Абрам Моносзон. Суд Соломона. 1960-е. оргалит, масло. 41х35 см. Галерея Веллум.

4.      Абрам Моносзон. Турнир. 1960-е. картон, масло. 57х37 см. Галерея Веллум.

5.      Абрам Моносзон. Елеазар встречает у колодца Ревекку, будущую жену Исааака. 1960-е. оргалит, масло. 57х48 см. Галерея Веллум.

 

Страница 3 из 6