facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 4:18
Показать содержимое по тегу: Дмитрий Плотников

«Камерная выставка» Дмитрия Плотникова

Пятница, 16 Март 2018 16:07 Опубликовано в События

 

В московском особняке-музее «Садовое кольцо» проходит «Камерная выставка» Дмитрия Плотникова.

 

Дмитрий Плотников – российский художник, один из основателей интернет-проекта "Центр современной живописи”, член Московского объединения художников Международного художественного фонда. Живет и работает в Москве.

Выставка названа «камерной» не просто так. В арсенале Дмитрия Плотникова множество работ, выполненных в разных техниках. В музее «Садовое кольцо» представлена лишь малая часть большого творческого наследия художника.

Вот что говорит о выставке сам автор: «Камерность, небольшой размер зала, позволяет показать работы малого формата, которые я никогда не выставлял в больших выставочных пространствах. И видеть их могли только те, кто посещал мою мастерскую. Камерный формат для меня просто противоположность монументальности и никак не связан с качественной оценкой. И часто на создание небольшой работы тратится столько же времени и сил, как и на создание полутора — двухметровой картины. Работы, представленные в экспозиции, в основном, написаны за последние два года».

Владея техническими приёмами различных видов изобразительного искусства: графика, живопись, полихромная скульптура — художник много экспериментирует, соединяя традиционные и современные художественные приёмы в поисках самобытного пластического языка.

Выставка будет работать до 27 марта 2018 года.

Экспозицию можно увидеть в музее «Садовой кольцо» по адресу: Москва, проспект Мира, дом 14, строение 10. Вход свободный.

 

Справочно:

Дмитрий Плотников родился в 1965 году в Москве. С 1986 г. участвует в многочисленных выставках в России и за рубежом.

Работы художника находятся в собраниях Московского музея современного искусства, Фонда Родригеса-Амата (Испания), Института Сервантеса и Международного Университета в Москве, Агенства Art Ru, галереи А3, в коллекциях в Латвии, Испании, Франции, США, Мексике, Японии. Принимал участие в многочисленных выставках, в том числе: в залах Российской академии художеств, Центрального дома художника (ЦДХ, Москва), Российского Фонда культуры, Всероссийского музея декоративно-прикладного искусства.

Материалы о художнике, его творчестве и проектах были опубликованы в журналах: “Диалог искусств”, “Дипломат”, “Международная жизнь”, “ОМ”, “Ять” и т.д. Также Дмитрий Плотников состоит в Московском объединении художников Международного художественного фонда.

 

В Москве состоялось открытие выставки современной живописи Дмитрия Плотникова «Триумф Вакха».

Проект посвящен величайшему представителю золотого века испанской живописи, испанскому художнику Диего Веласкесу, его одноименной картине «Пьяницы, или Триумф Вакха». Картина «Триумф Вакха» была написана в 1629 году. В настоящее время находится в Мадриде, в музее Прадо. Размеры: 165 x 225 см (холст, масло). Эта работа знаменита тем, что является первой сюжетной картиной Веласкеса. Долгое время его коллеги говорили о том, что кроме портретов он больше ничего написать не сможет. В ответ на эти упрёки Веласкес пишет большую картину с жанровой сценой и несколькими персонажами. Как и многие другие художники его времени, он выбрал мифологическую тему. Вакх - бог вина и виноделия, на его полотне сидит за одним столом рядом с пьяницами, которые пьют вино.

Дмитрий Плотников выступает на открытии выставки

Открытие выставки «Триумф Вакха» началось со вступительного слова художника Дмитрия Плотникова.

«Проект который объединил любовь к вину, любовь к живописи и любовь к Веласкесу, все это сложилось, по-моему, получилось неплохо», - сказал Плотников.

А закончил свое выступление известной фразой Шарля Гуно: «В молодости я говорил - я и Моцарт, в более зрелом возрасте я стал говорить - Моцарт и я; Теперь же я говорю только – Моцарт». И в конце добавил «все тоже самое я могу сказать и о Веласкесе».

На открытии выставки живописи художника Дмитрия Плотникова, куратором которой является Ирина Разумовская, присутствовали: художники, искусствоведы, художественные критики, журналисты, фотографы, а также друзья и знакомые художника.

Руководитель отдела культуры Института Сервантеса в Москве Татьяна Пигарева

Заслуженный художник РФ, народный художник КБР, член-корреспондент Российской Академии Художеств (РАХ) Мухадин Кишев

Среди выступающих были такие известные люди, как руководитель отдела культуры Института Сервантеса в Москве Татьяна Пигарева, председатель АИС (Ассоциации искусствоведов) Александр Якимович, искусствовед, художественный критик Александр Шклярук, заслуженный художник РФ, народный художник КБР, член-корреспондент Российской Академии Художеств (РАХ) Мухадин Кишев и искусствовед Итта Рюмина.

Задачей проекта «Триумф Вакха» является объединение и интеллектуальное взаимообогащение двух аудиторий: знатоков и любителей хорошего вина и ценителей искусства, и формирование отношения к виноделию, как к творческому процессу, искусству, путем погружения в мировую сокровищницу культуры. Дмитрий Плотников создал свою версию картины Веласкеса «Пьяницы, или Триумф Вакха», дополнив ее серией натюрмортов.

По моим наблюдениям, посетителей выставки особенно привлекли картины «Триумф Вакха» и «Барокко. Автопортрет».

«В холстах Плотникова прослеживается очень уверенное движение в будущее, а как известно оно возможно только при опоре на крепкий фундамент, так вот у Дмитрия такой фундамент есть. Желаю ему творческих успехов», - говорит один из посетителей выставки.

 Перед открытием выставки художник Дмитрий Плотников дал эксклюзивное интервью  журналу «Международная жизнь».

Картина «Триумф Вакха»

Дмитрий, расскажите, пожалуйста, о Вашем проекте?

Плотников Дмитрий: Проект называется «Триумф Вакха» - ремейк известной картины испанского художника Диего Веласкеса «Пьяницы, или Триумф Вакха», практически в размере оригинала. Правда я из него сделал диптих, но это вполне оправдано, ведь у Веласкеса, картина четко делится на две части. Левой, мифологической, и правой части, где Веласкес изобразил современные ему народные типажи. Вот так и здесь, я ее осовременил, вставил себя. И то, что я вставил себя, это такое почтение великому испанскому мастеру.

Почему Вы выбрали именно Веласкеса?

Плотников Дмитрий: Когда профессионал изучает таких мастеров как Веласкес, Тинторетто, Тициан, то ты видишь, что все поиски 20 века, все это очень интересно. Весь 20 век в отношении Веласкеса, по сравнению с Веласкесом, все равно что «Каштанка супротив человека» или «плотник супротив столяра». Это были очень серьезные мастера. Поэтому моя выставка - это такое выражение почтения Веласкесу, старым мастерам, но о я ни в коем случае им не подражаю и к этому не стремлюсь. Это выражение почтения и уважения.

Расскажите, пожалуйста, еще о каких-нибудь интересных работах?

Плотников Дмитрий: Есть еще одна работа, такой ремейк известного натюрморта Франсиско де Сурбарана. Я видел этот натюрморт в музее Прадо в Мадриде и в музее Барселоны. Произведение такое вполне самостоятельное. Сурбаран переписал четыре предмета, разных свойств. Два металлических и два керамических предмета. Композиция наполнена жизнью благодаря тонкой игре рефлексов цветных бликов.

Есть ли у Вас самая любимая картина?

Плотников Дмитрий: Думаю, что нет. Вы знаете, я сейчас смотрю с вами на картину «Триумф Вакха» и мне интересно. Потому что, у меня не очень большая мастерская, я ее так писал, что собственно сегодня, можно сказать, я ее развернул и впервые увидел, что же у меня получилось.

А какого формата картины вы в основном пишете?

Плотников Дмитрий: Я пишу в основном картины среднего формата.

Сколько работ представлено на выставке?

Плотников Дмитрий: В этом зале представлена 21 работа и еще несколько в другом помещении, а всего 33 работы. Я подбирал картины именно для этой выставки. Кстати, зал очень интересный, ведь это особняк Якова Брюса. Я всегда догадывался, что мои картины для дворцов, здесь они очень гармонично смотрятся.

Как долго Вы пишете картину?

Плотников Дмитрий: Трудно сказать. Вообще работа раскладывается на этапы. Одно обдумывание может занять неделю, а написать я могу за 1-2 дня, могу неделю потратить. Я довольно медленно работаю. Это только, кажется, что это написано легко, а на самом деле это большой труд. Каждую линию, каждое световое пятно, не просто нужно посадить, а его нужно искать и подбирать.

Будут ли еще выставки «Триумф Вакха»?

Плотников Дмитрий: Да, я хочу сделать ее долгоиграющей. Экспозиции могут увеличиваться, а могут уменьшаться. Первая выставка открывается сегодня в Москве, не исключаю, что я повторю ее снова в Москве, спустя некоторое время.

А где Вы планируете провести следующую выставку?

Плотников Дмитрий: Следующая выставка планируется в Липецке в конце января 2016 года.

Спасибо Вам, Дмитрий, за интересное интервью.

Плотников Дмитрий: Спасибо Антон, что пришли, был очень рад.

 

Дмитрий Плотников

Родился в 1965 г. в Москве

Член Московского объединения художников Международного художественного фонда. 

С 1986 г. участвует в многочисленных выставках в России и за рубежом.

Работы художника находятся в собраниях Московского музея современного искусства, Фонда Родригеса-Амата (Испания), Института Сервантеса, Международного Университета в Москве, Агенства Art Ru, галереи А3 и частных коллекциях в России, Испании, Франции, США, Мексике, Японии.

Материалы о художнике, его творчестве и проектах были опубликованы в журналах: “Диалог искусств”, “Дипломат”, “Международная жизнь”, “ОМ”, “Ять” и т.д.

Владея техническими приёмами различных видов изобразительного искусства: графика, живопись, полихромная скульптура — художник много экспериментирует, соединяя традиционные и современные художественные приёмы в поисках самобытного пластического языка.

Выставка  проходит с 10 ноября по 1 декабря 2015 года в Архиповском музыкальном салоне (в Доме Я.Брюса) Адрес: Москва, Брюсов переулок, 2/14, стр. 8 (напротив Консерватории).

Давай вечером поговорим об искусстве

Воскресенье, 22 Март 2015 21:33 Опубликовано в Эксклюзив

С 18 по 25 марта в ЦТИ «Фабрика» в Москве будет представлен выставочный проект программы профессиональной переподготовки «ЭСТЕТИКА: АРТ-БИЗНЕС» философского факультета МГУ имени М. В. Ломоносова «Предметный разговор».

Современное искусство эстетически очень внимательно к предметам различной природы. Мы можем наблюдать это эстетическое внимание как в следовании путям традиционных жанров, так и в открытии новых путей выражения человеческого значения вещей. Проследив развитие роли предмета в искусстве от традиционных жанров к современным формам, создатели проекта начинают разговор об изменении художественного послания произведения искусства в ситуации постмодерна. Упрощается или усложняется отношение к предметной реальности? Следует современное искусство путями уже устоявшихся жанров или требует открытия нового выражения значения вещей? 

Возведение реди-мейд-объектов в ранг музейных ценностей предъявило арт-миру равное положение традиционных и вновь открытых творческих диалогов художника с предметом. Живопись и графика имеют дело с различными поверхностями, создают их новые визуальные качества при помощи линий и цветов. Скульптура делает то же самое при помощи объема. Реди-мейды и инсталляции изменяют режимы человеческих контактов с классами артефактов.

В смешанном и комбинированном состоянии внутри целостного эстетического опыта современного искусства это отношение к предметам превращается в рефлексию в отношении предметного существования – единственной реальности актуального существования, которой может управлять человеческий субъект. Предметная реальность артефактов оказывается аналогичной субъективной реальности человеческого существования, когда художник исподволь открывает всю полноту функций связи человека с миром, которые исполняет предмет.

Исследуя эту тему, создатели проекта предлагают зрителю проследить переход предмета в искусстве от его изображения (репрезентации) к прямому присутствию (презентации). И самому убедиться, что предметная выразительность в искусстве исторически приобретает все более сложные формы.

На выставке представлены работы: Сергея Бугровского, Клары Голицыной, Михаила Кабана-Петрова, Ивана Каданера, Линды Каррары, Андрея Кортовича, ZenDog’а, Дарьи Неретиной, Дмитрия Плотникова, Екатерины Сисфонтес, Виктора Скерсис, Антона Тотибадзе, Сергея Чернова, Никиты Шохова.

18 марта в 19:00 в ЦТИ «Фабрика» прошло открытие выставки, которое посетили и некоторые авторы представленных работ. Пока руководитель программы доцент С. А. Дзикевич и кураторы  знакомили гостей с темой проекта и выражали благодарность коллегам за помощь в организации мероприятия, сквозь толпу незаметно пробился к своей работе ZenDog и аккуратно поправил кольцо гранаты-банки «Campbell’s».

 

МЕЖДУНАРОДНАЯ ЖИЗНЬ: Можете рассказать о представленных на выставке работах?

ZENDOG: У меня есть серия автопортретов, состоящая из трех готовых работ, - один из них представлен здесь. Картины можно назвать автопортретами условно: на них присутствую я, но только фигурально. Лица, как такового, не видно, оно скрыто от зрителя, в данном случае – за рукой. Но при этом есть некие атрибуты, которые передают мою точку зрения. Вот тут, например, граната без чеки, без кольца, но я держу предохранительный рычаг. Пока я не отпущу его, граната не взорвется. Как и с банкой супа «Campbell’s», здесь присутствует подтекст о некой опасности, которую несет в себе искусство. Почему именно «Campbell’s»? Это отсылка к Энди Уорхолу (Andy Warhol), к его работам как к символу современного искусства. Банка супа – это такой исторический символ, артефакт. Я ее опять же превращаю в некое оружие. Потому что искусство – это оружие, применяемое не с целью уничтожения кого-то, но с целью уничтожения шаблонов и рамок. Есть здесь также и отсылка к жертвенности автора: я могу кинуть гранату в толпу, либо могу сам подорваться. Так или иначе, осколками меня точно заденет.

 

Между тем все больше людей скапливалось вокруг своеобразной фигуры в центре зала: вроде как лошадки-качалки, только вместо привычного лошадиного корпуса на полозьях – шахматный конь. В толпе заинтригованных гостей удалось разглядеть и автора «лошадки», у которого, помимо нее, была еще одна работа на выставке – «Розочка».

 

СЕРГЕЙ ЧЕРНОВ: Я, в свое время, работал в жанре живописи, но для меня она себя исчерпала, и я больше не верю в ее самоценность. Работы свои я не называю скульптурами, а себя – скульптором по той причине, что дело скульптора тождественно ремеслу, а ремесло, в свою очередь, связано с несколько другими задачами. Я свою работу называю объектом, причем объектом гибридным, то есть таким, в котором совмещаются несколько смыслов. «Розочка» – это, как не трудно догадаться, непосредственная связь со словом «роза», во-первых. Во-вторых, такая отсылочка к скульптуре «Булыжник – оружие пролетариата», только у меня «Розочка – истинное оружие люмпена». В любом случае, оружие очень серьезное. И вот на подобных совпадениях фонетических, смысловых я и строю свои объекты. У меня целая программа, связанная с банками: банка-кровать, например, или банка-спутник - то, что мы можем послать в космос нашим братьям по разуму. Вот что у нас есть? Есть банка тушенки  – хорошая, между прочим, вещь…

Что касается «лошадки», то тут уже сложнее. Проект изначально назывался «Марсель Дюшан и шахматы». Марсель Дюшан – теоретик искусства, стоявший у истоков дадаизма и сюрреализма. Дадаизм, или дада – авангардистское течение в изобразительном искусстве, литературе... Причем все наше искусство современное выросло из дада. По-французски же dada – детская лошадка-качалка. Тут как бы смысл в бессмысленность всего, что происходит. Вносит какой-то свой особый смысл и то, как русские говорят «Да-да». А Дюшан, когда закончил свою художественную карьеру, начал заниматься шахматами и стал крупным шахматистом. Отсюда и появился шахматный конь. Сложное такое проникновение в разные измерения. Это мой метод. Все упирается в игру слов, фонетических смыслов. Можно найти вообще любые совпадения. Ведь в искусстве что важно? Чтобы человек начал думать, соображать, вникать.

МЖ: А почему вы отказались от живописи?

СЕРГЕЙ ЧЕРНОВ: Есть такое понятие как «код», который разрабатывается в цвете, в тоне, и придумать что-то новое сегодня практически невозможно. Кто-то однажды высказал идею: чтобы спасти живопись – надо от нее уйти. И я это сделал.

Рядом с лошадкой Дюшана располагались две аппетитные керамические работы: горсть яблок в прозрачном кубе, а неподалеку - связка сосисок. Но стоит узнать, какую идею вкладывала в них автор, прежде чем пускать слюни и кидать в сторону скульптур голодные взгляды.

 

ДАРЬЯ НЕРЕТИНА: Скульптуру с яблоками я закончила еще в 2013 году. Она называется «Живое и мертвое». Это было моей дипломной работой, меня тогда как раз интересовала эта тема. Яблоко во всех культурах могло означать как жизнь, так и смерть. Оно фигурировало во многих религиозных обрядах. Например, в России и в странах Восточной Европы во время похорон в гроб клали яблоко, чтобы покойник отнес его на «тот свет» предкам, а на могиле, вместо креста, сажали маленькую яблоню. Полагали, что она находится с погребенным в пути до самого его пересечения «границы» и, когда душа, наконец, попадала в рай, дерево засыхало. Яблоко также выполняло любовную функцию: сватаясь к девушке, ей дарили яблоко, венчаясь, невеста бросала яблоко за алтарь, чтобы иметь детей, и многое другое. Те же яблоко раздора и то, что сорвала Ева... Плюс ко всему перечисленному, я делала упор на то, что иконой современного мира является корпорация Apple, символом которой является яблоко. Компания знаменита, а ее продукция считается «идеальной», и каждый человек мечтает ее иметь. Эдакое «воплощение современной мечты». Меня заинтересовало, что яблоко вообще – образ тривиальный, оно присутствует в жизни каждого человека (пищевой продукт, как-никак). Но при этом на протяжении веков оно являло собой образ чего-то сакрального.

Сосисочки – это «Дежавю», моя последняя работа. Все в этой жизни повторяется. Это такая своеобразная метафора прожитых лет, каких-то событий, которые происходили в моей жизни и которые я считаю важными. Они складываются в единую цепь, которую я не могу как-то искусственно разорвать, потому что с каждым годом/событием она становится все длиннее и длиннее. Это такой набор элементов, который присутствует в жизни каждого человека: рождение, взросление, первая любовь, расставание…  И каждое звено – сосиска, в данном случае, – это событие или год жизни, которые у всех могут компоноваться по-разному, заменять друг друга или вовсе отсутствовать. Бесконечное дежавю. Я планирую продолжать работу в этом направлении.

А вот еще одна моя работа - «Лаборатория». Я училась в том году, и у нас была выставка «Трансформация восприятия». И я представила себе мозг художника в виде лаборатории. Это мой мозг, и вообще мозг любого человека. У всех рождаются идеи, но не всегда они воплощаются в жизнь. И я создала лабораторию мертворожденных идей. То есть, у нас есть все необходимое, чтобы произошла реакция: сама форма идеи, вода, чтобы эта самая реакция пошла, разнообразная лабораторная посуда, но отчего-то опыт не удался. Все, как в жизни. Слишком большое количество хороших идей не реализуется, потому что люди не находят возможностей их реализовать. Вот сейчас такое время абсолютной свободы, и это очень здорово, что каждый человек может быть художником. Главное - идея. Но как раз для этой идеи необходим какой-то катализатор: талант, в первую очередь, и дополнительная сила для того, чтобы реакция пошла.

 

Пока одни разглядывали «съедобные» работы Дарьи Неретиной, многие стали подниматься на второй этаж, где висел «битые» картины Сергея Бугровского.

 

СЕРГЕЙ БУГРОВСКИЙ: Я думаю, что мое творчество делится на очень много сегментов, и они все достаточно разные. У меня есть какие-то очень брутальные вещи, наподобие битых грязных бутылок, а есть, напротив, вполне нежные работы типа акварельных цветочков. В самом начале творческого пути, во время обучения в творческом училище и во время подготовке к училищу в художественных студиях, что было 30 лет назад, мои учителя сказали: «Слушай, а ты, походу, колорист, Сереж, ты же, кажется, живописец!». Я им поверил, и, наверное, не зря. С тех пор для меня ключевым словом всегда была «живопись», живопись в смысле «колоризм», в смысле цвет звучания. Даже когда я делаю какой-то ассамбляж из битых бутылок, я всегда думаю о том, как эти пятна работают друг с другом, как фактуры  взаимодействуют с цветом, собирается ли это все в одну живописную композицию. Видимо, это моя судьба: все время во всем искать живопись, думать о ней. Даже когда я делаю перформансы, иногда очень яркие, вызывающие, с обнаженным телом, с обливанием краской, все равно я думаю: «Так-так… Вот здесь желтый, значит, к нему вот тут вот нужно серое пятно… Ага, а вот здесь непременно должна потечь черная струйка…». Понимаете, я все равно думаю, как живописец.

Что касается выставленной сегодня работы. Там преобладает мой любимый серый цвет, которым я больше всего увлекаюсь и с которым больше всего работаю. Мой учитель когда-то сказал: «Знаешь, как определить живописца? Посмотри, как он берет серый, и ты поймешь, живописец он или просто раскрашивальщик афиш». А к брутальности я стремился всегда. Я понимал, что брутальность, она же не ради брутальности: это не просто какая-то битая бутылка. Если посмотреть внимательно, там, например, вклеены октябрятские звездочки с Лениным, а это же та среда, в которой мы все выросли – это детство нашего поколения. Так я работал, и вокруг этой темы у меня возникали различные ассамбляжи.

 

Спускаясь обратно по лестнице, пытаешься не задеть выставленные на ступенях картины, выполненные на металлических пластинах. На всех изображены дружеские застолья в самом их разгаре или же их последствия. Неподалеку ходит и сам автора необычных натюрмортов.

 

МЖ: У вас тут просто натюрморты веселого времяпрепровождения? Или вы хотели показать что-то конкретное, может, тут есть ваши знакомые?

АНТОН ТОТИБАДЗЕ:  Нет, для каждого это свое. Вот название, например, «Новоселье». Я просто изобразил новоселье. Человек вот пришел посмотреть, пускай прикольнется, какое у кого новоселье. Нет никаких подсмыслов, подтекстов. Вся философия на простоте строится. Зачем создавать «сиськи в агонии», когда можно изобразить такое вот похмелье.

МЖ: А почему выбрали такой материал необычный  - металлические пластины?

АНТОН ТОТИБАДЗЕ: Да не почему. Просто понравились мне железки эти. Они, кстати, когда ржавеют, еще круче смотрятся.

 

И, признаться, смотрятся эти «железки» действительно эффектно. А напротив стена пестрит разноцветными натюрмортами Дмитрия Плотникова.

 

ДМИТРИЙ ПЛОТНИКОВ: Я работаю как с прямой, так и с обратной перспективами. Забавно, что дети лучше воспринимают обратную перспективу, нежели прямую. Дело в том, что мы приучены к последней, а вот когда пигмеям, то есть людям, которые живут в глубоком экваториальном лесу вдали от цивилизации, показывали фотографию, где присутствует перспектива - например, коровы, пасущиеся на пастбище, - местные жители считали, что животные, что находятся дальше, - это просто маленькие коровки. Они не понимали, как работает эта самая перспектива: то, что находится ближе, всегда будет больше того, что лежит в отдалении. Мы же к этому просто приучены. Хотя обратная перспектива воспринимается лучше, ведь в какой-то степени, действительно, взгляд от себя скользит по поверхности и как бы обрисовывает ее. Вообще прямая перспектива – это изобретение эпохи Возрождения, в сущности же живой человек так не видит, это взгляд мертвеца – зрачок остановился, и в этом месте образовалась точка схода. У нас же, живых-здоровых, зрачок, как щупальца, ощупывает пространство. Поэтому я изобразил и обратную перспективу.

МЖ: У вас все картины написаны такими яркими красками?

ДМИТРИЙ ПЛОТНИКОВ: Кто-то работает тонами, а я цветами – создаю контраст. Помните, как в бородатом еврейском анекдоте? «- Бог создал мир за 7 днем, а вы месяц шили одни брюки! – Молодой человек, ну вы посмотрите на этот мир… И на эти брюки!». Правда, посмотрите на это мир. Неужели вам не хочется этих красок? Мне, например, хочется. Серьезно, нас окружает стерильный голый мир, вокруг такой… не люблю это глупое слово - евроремонт! Это же очень не приятно. Хочется яркости и эмоций. Людям это надо. Я человек - мне это надо, и я делаю то, что мне надо. Просто хочу, чтобы мир был ярким.

Испанские «цветоцитаты»

Пятница, 31 Октябрь 2014 11:51 Опубликовано в На перекрестке культур

Дмитрий Плотников. Кабальеро. Автопортрет (холст, масло).

«Цветоцитаты: история живописи от Эль Греко до Пикассо» (Dmitry Plótnikov y Margarita Lévin. ColorCitas: Historia de la pintura de El Greco a Picasso) - совместная выставка двух художников Дмитрия Плотникова и Маргариты Левин, открывшаяся в конце октября в Институте Сервантеса в Москве - Instituto Cervantes (Moscú). Художники представляют выставку, посвященную наследию мастеров испанской живописи, произведения которых стали источником вдохновения для их работ.