facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 4:34
Показать содержимое по тегу: импрессионизм

Огата Корин «Бог ветра и бог грома». Ширма. Начало XVIII века.

В Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина  состоялась пресс-конференция, посвященная  культурным проектам, приуроченным к проведению Перекрестного года России в Японии и Японии в России. В ней приняли участие директор ГМИИ им. А.С. Пушкина Марина Лошак, Специальный представитель президента России по международному культурному сотрудничеству, Посол по особым поручениям Михаил Швыдкой, Чрезвычайный и Полномочный Посол Японии в России Тоёхиса Кодзуки.

Директор Государственного музея им. А.С. Пушкина Марина Лошак рассказала о результатах своей поездки в Японию, где 14 апреля в Токийском  художественном муниципальном музее открылась выставка «Эволюция французского пейзажа из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина». Она пройдет на двух самых известных площадках (вторая – это Национальный музей в Осаке). Там будут представлены лучшие работы мастеров XVII-XX веков, и в их числе – произведения импрессионистов и постимпрессионистов. Информационную поддержку выставке оказала газета  «Асахи симбун» (партнер ГМИИ  с 2005 года).

По словам М.Лошак, картины импрессионистов и постимпрессионистов из собрания Музея изящных искусств хорошо известны во всем мире и часто принимают участие в международных выставках, но в Японии большинство полотен представлены  впервые. Отметим, что среди 65 живописных произведений французских мастеров, которые прибыли из Москвы в Токио, есть всемирно известные произведения Клода Лоррена, Клода-Жозефа Верне, Юбера Робера, Поля Сезанна, Анри Руссо, Пабло Пикассо, Анри Матисса, Клода Моне.

Как отметила директор ГМИИ, к выставке «Эволюция  французского пейзажа» сотрудниками музея была подготовлена инклюзивная программа: для людей с проблемами слуха – видеогид с сурдопереводом, а для незрячих и слабовидящих – тактильные макеты, которые позволят в прямом смысле ощутить изменение  композиционных принципов.

Чрезвычайный и Полномочный Посол Японии в России Тоехиса Кодзуки признался, что проведение Перекрестного года двух стран – его давняя мечта. «Несмотря на то, что российско-японские отношения имеют давнюю историю, мы еще мало знаем друг друга, – отметил дипломат. – Поэтому  программа Года Японии в России и России в Японии построена так, чтобы наши народы смогли увидеть всю палитру культуры наших народов – от традиционной до современной». По словам посла, одним из самых значительных событий станет выставка шедевров живописи эпохи Эдо, которая откроется в ГМИИ им. А.С. Пушкина 4 сентября и продлится до 28 октября. Она станет самой масштабной из подобных выставок, организованных за рубежом. Многие работы, которые будут на ней представлены, обладают статусом национального сокровища, особо ценного объекта культуры и особо ценного предмета искусства, и крайне редко покидают пределы страны.

Кацусика Хокусай «Большая волна в Канагаве». Из цикла «Тридцать шесть видов Фудзи». 1832 год.

Ведущий научный сотрудник отдела графики ГМИИ им. А.С. Пушкина, куратор выставки шедевров эпохи Эдо  Айнура Юсупова рассказала о своей концепции. По ее словам,  выставка такого масштаба в советских и российских музеях проходила раз в десятилетие. В 1976 году в Москве  прошла выставка искусства Нихонга, а в 1989 году на площадке Государственного Эрмитажа в Ленинграде был представлен проект  «Шесть веков японской живописи». В частности, среди картин, имеющих особый статус и крайне редко покидающих пределы страны, вниманию российских зрителей будут представлены:

  • работы представителей художественной школы Римпа, зародившейся в  XVII веке в Киото – Таварая Сотацу и  Огата Корина;

  • образцы школы Кано, сформировавшейся в XVI-XIX веках и пользовавшейся особой популярностью в среде японской аристократии и самураев, в частности, работы Ватанабэ Кодзана;

  • ксилография, в особенности гравюры в стиле укиё-э (работы Сога Сёхаку, Китагава Утамаро, цикл Кацусика Хокусай «Тридцать шесть видов Фудзи»);

  • впервые в России будут представлены работы Ито Дзякутю – одного из наиболее эксцентричных художников эпохи Эдо, автора многочисленных работ в традиционных техниках.

Организаторы выставок надеются, что культурный обмен между нашими странами, особенно активно осуществляемый в Год России в Японии и Японии в России, будет способствовать активизации отношений между нашими государствами.

Мир акварелью (Моя страна «Акварелия»)

Воскресенье, 07 Июнь 2015 15:38 Опубликовано в Биноклиус

Artist manifesto - written appeal, the appeal programmatic

Мой творческий манифест

Одной из главных целей для себя, как автора, считаю:

- стремление к созданию понятного и космополитического искусства, востребованного в мире;

- стремление к отражению своего понимания жизни в картинах и других работах, что является передачей мироощущения и мироосмысления, как основы для создания художественного образа в живописи;

- неприемлемым следование конъюнктуре или подражание в искусстве;

- технику исполнения живописных работ равноправным инструментом или творческим языком Автора. Авторская живописная техника или «манера» является первичной коммуникацией со зрителем и должна быть профессиональна, что не мешает менять или искать различное «звучание» или собственную вариативность в манере письма.

Пример:

Музыкант не умеющий владеть инструментом не сможет исполнить произведение и тем более продать билеты на свой концерт. Так почему в живопись легко, под прикрытием умных слов, часто попадают те, кто не владеет техникой? Именно способность работать и передавать свои ощущения и впечатления от увиденного через живопись отличает художника от ремесленника. Язык скрытой, не поверхностной метафоры, способной передать отношение к увиденному или рассказать живописным языком об увиденном и отложившемся в памяти.

Сейчас многое изменилось из того, что окружало художника раньше. Наличие цифровых инструментов и гаджетов, технический прогресс и спрессованность времени, когда самолет и автомобиль превращают многие длительные и созерцательные процессы в мимолетные, также влияют на ощущения и мировосприятие художника. Более того, считаю необходимым для современного художника использование современной техники в работе. Многие творческие процессы перекрещиваются с дизайном и техническим прогрессом. То, что было невозможно раньше - доступно сейчас, но и то что было нормой для живописца в прошлые столетия - стало немыслимо в наше время!

Живопись - это один из многочисленных слабо конкурентных видов визуализации внутри большого информационного поля. Нас окружили интернетом, телевидением, кино, фотографией и т.п. и это не просто эпизодический контекст, нет, это основа нашей жизни сейчас, поэтому живопись превратилась в своего рода искусство ради развлечения ценителей или примкнувших к ним последователей. Раньше художник был единственным инструментом для воспроизведения и фиксации действительности и даже светской или религиозной пропаганды - сейчас это не так. Мне видится развитие творчества через индивидуализацию восприятия, но не манеры работы. Ценность своего искусства я вижу не в фиксации действительности, а в передаче того «нерва» жизни, той метафоричности, которую можно вложить в произведение или картину, не нарушая, при этом, целостности восприятия. Излишняя конъюнктурность и надуманность мне только мешает. Я не вижу смысла для настоящего художника в повторении и тиражировании «узнаваемого» приема, который был приобретен, как маркетинговое преимущество для лучших продаж картин.

Следуя своей ментальности и понимая, что мои картины это уже реальность 21 века, понимая, что фиксация впечатлений и отсутствие размеренной созерцательности это уже данность моей постиндустриальной «биографии», и что темп жизни часто опережает ту ритмичность, с которой художник может создавать свои работы, акварель стала одним из важных и «программных» инструментов моего творчества.

Неповторимость акварельной техники и своенравность водных красок помогают добиться баланса между живописностью, которую я так ценю, и техничностью исполнения, что позволяет осознанно идти по пути противопоставления моей живописи как обилию «фото/гипер» реализма, так и процессу коньюктуризации искусства. Сейчас мне важно соединить в одном произведении и технику, как универсальный язык коммуникации, и динамику, как отражение современного ритма жизни, и индивидуальность восприятия, как «метафору» моей ментальности, для того, чтобы живопись стала авторской проекцией субъективно идеалистического восприятия реальности художника.

Используя в своей работе различные живописные и графические материалы, основное место на сайте автор отводит акварельной технике: «Техника акварели позволяет добиться воздушности и прозрачности в работах художника, каждая картина, выполненная акварелью - уникальна, ее нельзя повторить, акварель - это живая техника, ее невозможно приручить, ее можно только умело направлять туда, куда хочет автор, и она тогда преобразит белый лист бумаги в легкое и светлое произведение искусства….

Как художник, в своем творчестве, прежде всего, я опираюсь на традиции русской школы живописи серебряного века. Также могу отнести себя к последователям русского импрессионизма(*).

В акварелях стараюсь показать все многообразие цвета, цветовые вибрации, разнообразие оттенков и колористики в картине. С помощью сложных цветовых сочетаний из палитры исключил черный цвет из «банки», поэтому тени могут содержать до 10 цветов одновременно, а драматургия сюжета достигается смешением техник - по влажной бумаге а-ля-прима, сухой кистью и наложением цветов - лессировкой. В работе использую кисти разных размеров и составов – до двенадцати видов в каждой картине.

В своих работах стремлюсь передать, прежде всего, настроение и ощущение внутренней сцены, найти в каждом сюжете свою внутреннюю историю и гармонию. Наполнение работы смыслом и внутренним содержанием для меня всегда превалирует над актуальностью и модностью.

*…Характерные черты русского импрессионизма - это «этюдность» и некоторая незавершенность, которые обеспечивают тот «трепет жизни», который был столь значим для этого направления в живописи. Отсутствие сильной динамизации, которая была характерна для импрессионистов Франции, и бОльшая нагруженность смыслом так и не позволила русскому импрессионизму перейти до конца в разряд живописи ради живописи. Содержательная доминанта, тяготение к смыслу и значению художественного образа, бОльшая материальность и предметность, а также тенденция к картинной монументализации пленэра в основном посредством этюда, выполняемого в один заход.

 

О музыке…

Сразу хочу сказать, что для меня очень важно ощущение от работы, это так же важно, как и то, с помощью каких красок или кисточек будет исполнена картина. Мое ощущение, которое я передаю в работе и техника исполнения, вступают в диалог со зрителем – это как музыка или исполнение музыкального произведения, картина должна стать «застывшей музыкой», именно поэтому, так важно, чтобы не было «фальшивых нот» и плохого исполнения. Можно сколько угодно говорить о том, что актуальное искусство расширяет границы восприятия, но меня точно не заставишь идти на концерт где плохо играют, даже если это будет модно. Почему зритель в отличие от слушателя смотрит выставки, которые часто «фальшивят» это другой вопрос, но в своей работе этого точно допускать я не могу.

Об акварельности…

Почему акварель? Акварель — это очень живая техника, сложная и красивая, с характером и «нервом». Очень подходит для передачи настроения. Конечно, краски приходится заказывать из Англии, но цена вопроса качество пигмента и светостойкость, поэтому экономить на этом нельзя. А еще очень нравится состояние легкого «мандража», как перед экзаменом, перед началом каждой работы, акварель очень своенравна, поэтому приходится так «мандражировать» каждый раз…в этом вся суть этой техники. Видимо, из-за этого она не всеми любима и не всем покоряется. У каждого хорошего художника свои секреты мастерства, люблю их разгадывать, да и свои секреты тоже есть. Кстати не часто вижу мастеров у кого есть что подсмотреть, в акварели есть мастера-современники, но не нашей школы. Наши, перед кем я поклоняюсь, остались в прошлом столетии и еще раньше. Акварель не прощает ошибок и слабостей, ее легко как говорят «замучить», но если получилось с ней найти общий язык, то в хорошей раме с правильным экспонированием будет радовать не одно поколение зрителей….

О нюансах и восприятии…

Очень нравится, когда нахожу натуру, в которой нет «новодела». Не могу писать новодельную или отреставрированную архитектуру. Сейчас все делают так, что пропадает настоящий цвет и оттенок, штукатурят и закрашивают, мостят дорожки и приукрашают до такой степени, что все становится не настоящим. Живопись не «глянцевый журнал», мне нравится, когда живопись не «зализана», а передает нюансы и оттенки, не превалирует «открыточный» коммерческий подход. Для украшения действительности в 21-м веке изобрели много технических средств передачи. Художник должен думать кистью, а не копировать цифровые возможности современных гаджетов. Это, конечно, мое мнение, но мне важно именно право художника на то, что не дано машине или цифровому носителю, право на свое восприятие, на свой живописный язык, на свое «звучание». Но ответ на вечный вопрос философии - что важнее «идеальное» или «материальное», каждый художник выбирает сам. Я, все-таки, думаю, что прежде чем для себя определить в каком поле оказаться, надо научиться рисовать. А это процесс очень долгий и занимает годы, но в этом весь смысл живописи для меня – постоянно разбираться в нюансах и тонкостях восприятия.

Вспоминаю как в детстве, всегда долго стоял перед понравившейся картиной и часто возвращался, вычерчивая замысловатые траектории, мимо музейных бабушек, для того, чтобы записать в памяти те или иные живописные приемы, манеру положить краску на полотно или бумагу, передать кистью живое, меняющееся пространство или характер предметов. Думаю, что я еще не понимал тогда, что несколько мазков любимого мастера, способны перевернуть мои представления о живописи сильнее художественной школы или училища, в которых я буду учиться. Детские впечатления стали основой того, что мне полюбилось в живописи и того, что нельзя вытравить из меня никакими актуальными тенденциями, пропагандируемыми кураторами или людьми, делающими на этом свой бизнес. Да, мне дороги мои первые «детские» образы и впечатления в искусстве, да, это та суть живописи, которая помогает мне быть самим собой. Я помню, как читая Набокова, мне были близкими не его «тиражные» произведения, а мало читаемые «Другие берега» и «Дар», отправляющие к истокам творчества писателя и невероятного языкового мастерства.

Сейчас в живописи, трудно быть самим собой и продаваться. Успех художника — это часто синоним того, что надо быть в «арт-тусовке», следовать актуальным течениям, протискиваться к благодетелям арт-мира, придумывать себе пиар истории или делать модные инсталляции чтобы быть замеченным галеристами и аукционистами.

Мне гораздо важнее, оставаться тем «ребенком», которого мать привела в пять или шесть лет на выставку и которого могла потрясти какая-нибудь незаметная маленькая картинка, этюд, неизвестный и не разрекламированный, выставленный как один из этапов биографии художника, но такой важный для меня. Мне кажется, что противостояние художника, его движущая сила созидания должны идти изнутри, из таких «детских» воспоминаний, образов и впечатлений, а не от конъюнктурного начала, диктуемого зачастую пустым и мёртвым арт-пространством вокруг».

 

Биографическая справка:

Иван Порхачёв родился в 1978 году в Москве. Окончил с отличием в качестве правительственного стипендиата Московский текстильный университет имени А.Н.Косыгина, факультет прикладного искусства.

С конца 1990-х годов начал работать дизайнером одежды, создал свою дизайн-студию, выпускавшую современные промышленные коллекции. Работал бренд-директором в Китае, России, Европе, Турции. Зарекомендовал себя как опытный стартап-менеджер в области одежных и дизайн проектов в России и за рубежом.

Несмотря на то, что работа в прикладном дизайне требовала много времени, начиная с 1990-х годов, Иван не переставал заниматься профильными для него живописью и графикой. Поэтому, имея опыт художественного училища и университета, художник в своих работах успешно находит баланс между техникой исполнения и собственным видением натуры, его картины передают то, что мы можем видеть вокруг себя, иногда не замечая как это может быть прекрасно, его зритель погружается внутрь произведения и каждый может почувствовать атмосферу и настроение переданное автором.