facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 9:22
Показать содержимое по тегу: современное искусство

Выставка «RUSSIAN RED Обыкновенный»

Понедельник, 05 Июнь 2017 12:44 Опубликовано в События

 

Над ледяными полями, Видеоинсталляция. La Salle Du Belian, Монс, Бельгия, 2015

5 июня в Государственном центре современного искусства в Москве состоится открытие выставки «Russian Red Обыкновенный». Проект Калининградского филиала ГЦСИ продолжит выставочную программу, посвященную лучшим художественным практикам в регионах.

RUSSIAN RED – мультижанровый проект калининградского художника Юрия Васильева, над которым он работает с 2001 года.  В основе проекта –  исследование красного цвета, его символики, связи с русской историей, ментальностью и культурой. Художник превращает красный цвет в метафору, отсылающую к коллизиям ХХ века, когда драматизм интонаций красного как символа жизни и смерти сменил вектор от жертвенности и героизма (древнерусская иконопись) –  к знаку трагических предзнаменований («Красный квадрат» Малевича)  – до революционных настроений и преобразований (русский конструктивизм).

Выставка Юрия Васильева «RUSSIAN RED Обыкновенный», включающая в себя фотографии, видео и инсталляции, является частью масштабного проекта художника и построена на сквозном мотиве его работ последних лет – переживаниях и страстях «маленького человека».

Юрий Васильев, художник: «Уже много лет я стараюсь развивать, дополнять, переосмысливать проект Russian Red. Он ни в коем случае не о перекрашивании России в красный цвет. Мне бы хотелось рассказать о психологическом оттенке красного, о выражении темы «русского» через красный, о красном, который ложась на поверхность, говорит о внутреннем. Потому и возник особенный, не городской герой, человек с природным интеллектом, живущий в своем обособленном мире. Среди белого заснеженного пространства разгорается «обыкновенный» красный его страстей».

С середины 1990-х гг. Юрий Васильев, начал работать с новыми формами искусства, став одним из первых калининградских видеохудожников. Для его творчества характерна работа с контрастами: красное и белое, снег и кипяток, видео-арт и русская национальная фактура.

Иван Чечот, искусствовед: «С одной стороны, художник погружен в проблемы новых технологий и новых медиа. С другой, он живет под спудом тем и мотивов, которые связывают его с Россией, с его большой и малой Родиной. Он изображает российское, будь то снег, человек, дом или природа. Обобщенный характер этих образов и современные визуальные средства превращают их во всеобщие экзистенциальные метафоры».

Экспозиция организована по принципу тотальной инсталляции, являя собой цельное произведение. По замыслу куратора Евгения Уманского, посетитель, оказавшийся в выставочном пространстве, полностью погружается в «Красное» и остается в нем до тех пор, пока не покинет музей.

Евгений Уманский, куратор: «В выставочном зале московского ГЦСИ проводилось много серьезных профессиональных выставок, при этом совершенно разных по формату. Но мы хотим сделать что-то новое. Отдельные произведения Васильева должны работать вместе – это важно. Красный цвет многократно использовался художниками всех времен, вспомнить хотя бы «Купание красного коня» Петрова-Водкина, иконы Андрея Рублева, супрематический красный... Теперь эти произведения стали частью истории культуры, они сами стали «музеем». Наша задача – через архитектуру и логику экспозиции соединить прошлое с настоящим, через культуру вернуться в искусство и снова стать культурой».

Проект RUSSIAN RED был представлен на российских и международных выставках, в т.ч. в Германии, Австрии, США, Финляндии, Дании, Исландии, Норвегии, Швеции, Польше, Бельгии.

Специально к открытию выставки звуковая художница Юлия Глухова подготовит коллективную аудио-инсталляцию, в которую войдут избранные работы художников - участников проекта «Опыты Аудиовизуального» (Куратор Н.Фукс).

В рамках параллельной программы выставки пройдут кураторские экскурсии, лекции и творческие встречи, первая сессия проекта «Опыты Аудиовизуального» – «Пространство Красного», посвященная звуковой репрезентации красного цвета.

Даты проведения выставки:  6 июня – 16 июля 2017 года.

Место проведения: Государственный центр современного искусства в составе «РОСИЗО» (Москва, Зоологическая ул., 13, стр. 2) 

Куратор: Евгений Уманский

 

О художнике

Юрий Васильев – родился в 1950 году в Кингисеппе (Россия). Заслуженный художник России. Живет и работает в Калининграде. В 1974 году окончил Ленинградское художественное училище им. В. А. Серова. С 2001 года реализует авторский проект «Russian Red» (видео, фото, перформанс, инсталляция), который был представлен на более чем 50 российских и международных выставках в т.ч. Davaj Davaj, Германия – Австрия (2002); «За красным горизонтом», Польша – Россия (2004); Brusland. Brussie. Brussia, Брюссель, Бельгия (2005); ARS-06, KIASMА, Финляндия (2006); Art Index, Рига, Латвия (2008); «Красный – Красный», Уральская индустриальная биеннале современного искусства, Екатеринбург, (2010), Russia Next Door, Ольштын, Польша (2011); «Анклав», Россия–Польша (2011); «Lost in Transformation. Российский видео арт», Киль, Германия (2012); «Соло и хор», De Hallen Haarlem, Голландия (2013), персональная выставка «Russian Red», Гданьск, Польша (2013); «Близкий незнакомец», Клайпеда–Калининград–Гданьск (2014); фестиваль «Монс – культурная столица Европы 2015»; «Осколки войны», Калининград, Россия (2015); «Поле цветов», Кедайняй, Литва –Калининград, Россия (2015-2016); «Заметки о начале короткого 20 века», Калининград, Россия (2017). Обладатель Гран-при международного жюри «Медиа форума» XXV Московского международного кинофестиваля, Россия (2003).

 

Калининградский филиал ГЦСИ:

Основанный 28 ноября 1997 года, Балтийский филиал ГЦСИ – самое западное представительство Государственного центра современного искусства в России и единственная организация в Калининградской области, непосредственно работающая в пространстве актуального искусства. Целью ее создания является популяризация и поддержка современного российского искусства в контексте мирового художественного процесса через реализацию программ и выставочных проектов в области современного искусства в стране и за рубежом, исследовательскую, научно-информационную, образовательную, издательскую и собирательскую деятельность.

Особое внимание в своей институциональной деятельности филиал уделяет уникальным стратегиям художников и кураторов, их востребованности и продвижению в современном обществе, а также предоставляет возможность зрителю ориентироваться в современном художественном процессе.

Начиная с 2006 года, при финансовой поддержке Министерства культуры Российской Федерации проводятся капитальный ремонт и реставрация части мансардных помещений, подвала и центральной башни казармы «Кронпринц» – памятника истории и культуры XIX века, полученных ГЦСИ в оперативное управление. Открытие выставочного пространства на мансарде (1445 кв. метров) планируется в декабре 2017 года.

Руководитель калининградского филиала - Елена Цветаева.

 

Региональная программа ГЦСИ:

Региональная программа РОСИЗО-ГЦСИ открыта в 2017 году и призвана максимально проявить на практике сетевой ресурс организации. Первый проект в рамках программы – открытие постоянной площадки лучших региональных инициатив ГЦСИ в Москве. С периодичностью раз в два месяца на Зоологической, 13 будет открываться проект одного из филиалов сети, ставший наиболее ярким событием культурной жизнь региона. Это решение стало началом планомерной работы по представлению экспертной роли региональной сети РОСИЗО-ГЦСИ российскому и международному арт-сообществу. Проекты сопровождаются просветительской программой и мероприятиями, направленными на популяризацию специфики мест, продвижение местных художников и кураторов, установление горизонтальных связей между регионами.

Руководитель региональной программы – Алиса Прудникова.

До 28 мая 2017 года посетители музея С. С. Прокофьева смогут застать выставку «3D-измерения Прокофьева». Проект стал продолжением программы «Прокофьев.125», посвященной юбилею, отмечавшемуся в прошлом году.

Кураторы Государственного центра современного искусства, Виталий Пацюков и Анастасия Козаченко, предлагают новый взгляд на творчество композитора сквозь призму современного искусства. Название выставки отражает не только технологию воплощения, но и жанровое разнообразие, свойственное творчеству Прокофьева, чьи музыкальные образы пронизаны визуальными смыслами.

Сергей Прокофьев как один из виднейших деятелей искусства XX столетия обращается к принципам коллажного сознания и технологиям визуально-акустического монтажа. Его творческую программу можно обозначить как «монтаж аттракционов». Композитор естественно пересекал территории самых противоположных жанров – авангардную хореографию, радикальный кинематограф, оперные новации. В экспозиции художественная реальность композитора представлена как многоуровневая система, в которой синхронно существуют музыка, кинематографические произведения, кинетические объекты, практика перформативных форм.

Творчество Прокофьева неотделимо от современных форм культуры, соединяющих в себе мультимедийные средства художественного языка. Его образность в проекте представлена интерактивными конструкциями Аллы Урбан, Валерия Мартынчика, Ольги Кройтор, Дарьи Коноваловой-Инфантэ, Алексея Дьякова. Также в рамках выставки будут представлены реплики на известные балеты композитора в виде современных плакатов (Московская школа дизайнеров Т2), живописные конструкции Арсена Левоне и работы, свободно соединяющие в себе различные жанры и техники (Владимир Сулягин, Владимир Сафаров, Петр Быстров).

Автор одной из центральных инсталляций выставки под названием «Протосимфония» - Алексей Дьяков – вдохновлялся оперой композитора «Любовь к трем апельсинам». Мотив композиции настукивают лесорубы, звуки топоров которых раздаются из подиума инсталляции – огромного пня.

«Эта работа выражает то, что музыка рождается в земле и уходит в небо, - объясняет Алексей Дьяков. – Музыка изначально имеет некую материальную субстанцию. Взять даже всем известные классические музыкальные инструменты – они сделаны из дерева. Человеческий гений приложил руку к дереву, чтобы извлечь из него звуки, которые композитор формирует в симфонию».

Из всех представленных инсталляций и живописных конструкций всего лишь две были созданы до момента объявления данной экспозиции. Вот и Ольга Кройтор, чья композиция также украсила стену и даже пол выставочного пространства, признается, что это чуть ли не единственная работа, выполненная под заданную тему.

«В инсталляции задействованы согласные, которые отсылают нас к фамилии Прокофьев, - рассказывает Ольга Кройтор. – Я обычно работаю с достаточно массивными формами, и эта работа интересна тем, что она более воздушная: в ней присутствует легкость, тонкость, но при этом и трагичность. Внизу есть обвалившийся кусок, поэтому она как будто зависает в двух измерениях, частично разрушенная, как любой живой организм, который с течением времени подвергается разложению. А пешки в проемах можно рассматривать как движущиеся фигуры, людей, которые проходят сквозь линии жизни, принимают решения и трансформируют всю композицию».

На открытии выставки состоялось музыкальное исполнение «Пяти мелодий для скрипки и фортепиано» (С. Прокофьев, Париж, 1924 г.) солистами ансамбля ХХ века - Марией Ходиной (скрипка) и Ольгой Лавровой (фортепиано), а также перформативная акция «Найденные партитуры Прокофьева» группой u/n multitude. Кроме того, в дуэте выступили пианистка Юлиана Казак и Яна Чумакова, владеющая таким необычным инструментом, как терменвокс, известным как первый в мире электронный и единственный бесконтактный музыкальный инструмент.

«Изобрел его наш соотечественник Лев Термен, - рассказывает Яна Чумакова. – Мне кажется, он разрешил конфликт физиков и лириков, потому что одновременно был и тем, и другим. В 1919 году он изучал свойства газовых конденсаторов и обнаружил, что они издают резкий звук . Это, конечно, скорее минус, чем плюс, но он подумал, что на этом можно как-то " сыграть " . Он заметил, что, когда к конденсаторам подходишь ближе, звук становится выше. Через несколько недель по научно- исследовательскому институту поползли слухи, что Лев Термен играет Глюка на вольтметре. Спустя три года мир увидел терменвокс»

На инструменте играть чрезвычайно сложно, ведь здесь отсутствуют какие бы то ни было ориентиры. Терменвокс остро реагирует на любое телодвижение, поэтому исполнитель играет стоя и неподвижно (за исключением, конечно, рук). Таким образом, он становится своего рода дирижером. По прошествии десятков лет, терменвокс по-прежнему кажется чем-то удивительным и новым, так же, как и музыкальный язык Прокофьева считается новаторским и узнаваемым. 

На сегодняшний день Москва является одним из центров мирового современного искусства, о чем свидетельствуют такие институции, как Московский музей современного искусства (ММСИ), Музей современного искусства «Гараж», Центр современного искусства «Винзавод» и многие другие. Осенью 2017 года в столице стартует уже VII Московская биеннале современного искусства, которая чрезвычайно важна для развития отечественного актуального искусства, так как сочетает в себе не только смелые кураторские проекты, но и образовательные программы. Куратором этой биеннале стала японка Юко Хасегава, главный куратор Музея современного искусства Токио, куратор XI Шанхайской биеннале 2013, советник куратора Архитектурной биеннале в Венеции 2010.

Концепция проекта, который будет представлен в ЦВЗ «Манеж» 15 сентября, получила очень лиричное название – «Заоблачные леса». И, разумеется, за поэтикой наименования скрывается глубокий подтекст.

«Сегодня художники ищут новый язык, основываясь на своей среде, - расшифровывает название Юко Хасегава. – И в данном случае леса являются метафорой той земле, по которой эти художники ходят, их культурных корней, повседневной жизни, в которой они пытаются найти вдохновение. В то же время наряду с этим лесом как культурным пространством, появилось новое пространство облака, образовавшееся благодаря появлению интернета, где люди общаются без ограничений и где происходит обмен информацией. В этом пространстве существует новое молодое постинтернетноепоколение. В рамках этого взаимодействия леса и облака происходит создание нового искусства».

Такая своеобразная «циркуляция» между лесом и облаком образует новые феномены произведений. Первичный вопрос заключается в том, что происходит вокруг нас, как трансформируется наше окружение и каким образом культура и новые произведения искусства могут помочь нам ощутить мир вокруг нас. В поисках ответа на данный вопрос Россия является идеальной площадкой для исследований, так как географически расположена на пересечении Европы и Азии, сочетая и миксуя веяния соответственно европейской и азиатской культур. «Я действительно вдохновлена работой в Москве, потому что, полагаю, на данном историческом этапе, Москва – очень важное геополитическое и культурное место», - отмечает Юко Хасегава.  

В июле 2016 года был основан новый оператор Московской биеннале – художественный фонд «Биеннале современного искусства», президентом которого стала Юлия Музыкантская. С ее приходом на этот пост стартовал новый этап развития биеннале, который начался с взаимодействия с сообществом: и фонду, и экспертному совету стало гораздо проще работать и строить планы, потому что отныне существовал четкий протокол, чего бы хотели художники, кураторы и руководители московских учреждений культуры.

Экспертный совет не гарантирует участия ни одному претенденту, поэтому для российских художников, желающих оставить свой след в анналах VII Московской биеннале и работать с госпожой Хасегавой, есть несколько путей к заветной строке в списке участников. Например, они могут воспользоваться рекомендацией одного из членов экспертного совета. Кроме того, был согласован список институций – некоммерческих художественных фондов и музеев, занимающихся современным российским искусством – которые также имеют право советовать художников куратору. Однако, опять же, как совершенно справедливо отметил исполнительный директор ММСИ Василий Церетели, далеко не все художники работают с институциями, поэтому третий путь – это самопрезентация. В этом стоит отметить заслугу партнера биеннале – Фонда поддержки современного искусства «Винзавод»: с 1 февраля по 10 марта проект поддержки молодого современного искусства СТАРТ станет отборочной площадкой биеннале.

Еще одним партнером биеннале станет «Яндекс», который осенью прошлого года запустил новую инициативу – «Издательство Яндекса» - просветительскую программу, в рамках которой компания будет помогать образовательным проектам в области истории, литературы, языкознания, искусства и философии. «Свою роль в этом проекте мы видим, прежде всего, в том, чтобы донести информацию о биеннале до максимальной аудитории. Многие думают, что о Московской биеннале известно всем, но есть огромное количество людей в Москве и уж тем более в России, у которых не было возможности узнать об этом событии, и наша задача – сделать так, чтобы люди об этом узнали, а у кого есть возможность – еще и посетили. Сегодня “Яндексом” в России пользуются более 100 млн. человек, и мы ставим своей целью оповестить о биеннале каждого», - заявляет руководитель направления медиасервисов «Яндекс» Дмитрий Степанов.

Исходя из идеи о том, чтобы как можно больше людей узнали о биеннале, Государственная Третьяковская галерея совместно с художественным фондом «Биеннале современного искусства» разработала образовательную программу.

«Это будет рассказ не о том, что такое современное искусство, а о том, что все великие классические эпохи в истории искусств, начиная с Древнего Египта, когда-то были современным искусством, - рассказывает директор Государственной Третьяковской галереи Зельфира Трегулова. – И все то, что осталось в истории искусств, когда-то было прорывом, искусством, вызывавшим споры и дискуссии. Одна из задач этой образовательной программы – показать относительность понимания простого и сложного, классического и современного».

Организаторы хотят указать на то, что все великое в искусстве является новаторством, вызывавшим в свое время иногда самое активное неприятие. Почему за это взялась именно Третьяковская галерея? Вся история музея и его собрания – это тоже история о современном искусстве. Павел Третьяков собирал самое актуальное современное искусство, которое порой даже не выдерживало проверку цензурой.

Цикл из 20 лекций начнется в феврале и завершится к концу года. Выступления будут строиться не как монолог эксперта, а как его диалог с модераторами и публикой. Если люди поймут, что всякое великое искусство когда-то вызывало мощное противодействие, то, наверняка, отношение зрителей к искусству современному будет несколько скорректировано. Широкая публика, не очень хорошо знакомая с особенностями современного художественного решения (которое, тем не менее, является очень точным отражением сегодняшнего не политического и социального момента, а глобального внутреннего состояния человечества), с большим пониманием отнесется к экспериментам современных художников и к тому, что они предлагают и как они интерпретируют сегодняшнюю реальность.

Впоследствии эта образовательная программа в несколько модифицированной форме будет представлена в Курске, Белгороде и Оренбурге.

Современное искусство: 1960-2000. Перезагрузка

Понедельник, 18 Апрель 2016 11:51 Опубликовано в События

Новый вариант постоянной экспозиции Третьяковской галереи – проект «Современное искусство: 1960-2000. Перезагрузка» открыл свои двери в залы одноименной галереи на Крымском валу. Порядка 200 работ, одни из которых датированы 2014-ым, а другие – концом 1950-х годов, будут отныне украшать пространство галереи.

Уже в течение четырех лет в галерее беспрерывно сменяли одна другую временные выставки, основанные на коллекции музея, и зритель потребовал создания обновленной постоянной экспозиции. И на этот раз формировавшаяся в течение двадцати лет коллекция современного российского искусства дала новую жизнь экспозиции галереи. По словам куратора выставки Кирилла Светлякова, основная идея проекта заключается в возможности преподнести зрителю информацию о периодах и жанрах современного искусства в наиболее доступной для него форме.

«Перезагрузка – это что? – спрашивает Кирилл Светляков и сам же отвечает: - Это когда мы смотрим, как вещи, в разное время поступившие в собрание, начинают взаимодействовать и работать друг с другом. Плюс это Перезагрузка восприятия этих вещей со стороны зрителя».

Настоящим событием стал вклад вдовы российского коллекционера современного искусства и основателя музея РГГУ «Другое искусство» Леонида Талочкина. Татьяна Вендельштейн великодушно поделилась частью уникального собрания своего покойного мужа – коллекцией российского андеграунда конца 1960-80-х годов.

«Хотя Леонид Прохорович не имел высшего образования (у него было неоконченное высшее техническое, а о гуманитарном вообще говорить не приходилось), - говорит Татьяна Вендельштейн. - У него была страсть к искусству и он всегда мечтал о своей коллекции. Он очень любил жизнь, и его всегда отличал живой интерес к новому искусству».

У большинства Третьяковская галерея по-прежнему ассоциируется с искусством XIX века, с картинами передвижников и русскими иконами. Но эта Перезагрузка поможет обогатить образ галереи. Так же считает и член Попечительского совета Фонда поддержки Третьяковской галереи Дмитрий Волков: «Многие не понимают этого искусства, и это не случайно, потому что в большинстве своем оно было андеграундным. Его не выставляли публично, а если и выставляли, то выставки быстро сворачивались. Это искусство было запрещено и непонятно. Мы пытаемся поднять контекст, вне которого нельзя по достоинству оценить ту или иную работу. Только зная историю создания объекта от и до, мы можем понять ее смысл».

Поэтому стены залов галереи украшены не только самими экспонатами, но и комментирующими записями к конкретной работе и направлению в целом. Чтобы зритель смог максимально приблизиться к современному искусству и буквально прикоснуться к нему, кураторы совместно с дизайнером экспозиции Алексеем Подкидышевым выбрали формат «кабинета редкостей», который позволяет посетителям не только сверлить произведение искусства взглядом, но также, сидя за столом, трогать и изучать интерактивные копии представленных работ. А для более глубокого погружения в мир современного искусства организаторы подготовили параллельную образовательную программу «Философия после искусства», включающая серию лекций и дискуссий.

Страница 1 из 2

Подписаться на рассылку