facebook vkontakte twitter youtube    

Time: 1:03
Показать содержимое по тегу: творчество

Зураб Церетели вместе с юными участниками конкурса детских рисунков «Сказки Китая», организованного Ассоциацией российских дипломатов.
Фото Ксении Кадыровой и Ирины Лопатиной

«У меня был дядя, с которым мы жили в одном доме, когда я был маленьким. Смотрел я на него тогда и думал: «Если стану художником, буду таким же красивым и сильным атлетом». Художником стать получилось, атлетом – нет».

Зураб Церетели

В Москве, в Галерее искусств Зураба Церетели прошла церемония награждения победителей IV Международного конкурса «Сказки народов России и мира глазами детей» и презентация новой книги «Сказки Китая», иллюстрированной рисунками детей-участников конкурса (подробности в репортаже «АРД подводит итоги IV Международного конкурса рисунков ”Сказки народов России и мира глазами детей”»). Организаторами нынешней яркой церемонии стала Ассоциация российских дипломатов (АРД) в содружестве со знаменитым художником Зурабом Церетели, который поддержал замечательное начинание АРД.

Зураб Церетели – и художник, и живописец, и скульптор, и педагог. Он – президент Российской Академии художеств. Он удостоен звания Героя Социалистического Труда, награждён многими орденами СССР и России. Несмотря на большую занятость, Зураб Константинович любезно пригласил нас в свою мастерскую на Пречистенке, где он проводит большую часть времени, и куда далеко не всех впускают. И ответил на наши вопросы.

 

Студия Церетели. Фото авторов

- Зураб Константинович, расскажите, пожалуйста, как родилась идея создания Вашей галереи?

- В 1984 году я оформлял эмалевые панно «Куликовская битва» и «Отечественная война 1812 года» для здания Министерства обороны, расположенного на Фрунзенской набережной. В 90-х годах в доме, где сейчас находится моя галерея, размещалась теле- и радиостудия Министерства обороны. Потом они предложили это здание на Пречистенке мне. Когда я зашел внутрь, обалдел: оно было в очень плохом состоянии, но все же я решил его отреставрировать и организовать здесь музей. В 2001 году галерея была открыта.

 

Зураб Церетели выступает на церемонии подведения итогов конкурса детских рисунков «Сказки Китая».
Фото Ксении Кадыровой и Ирины Лопатиной

- Недавно в Вашей галерее проходило награждение победителей и лауреатов международного конкурса «Сказки Китая глазами детей». Вас что-нибудь связывает с этой страной?

- Знаете, в Грузии, около Кутаиси, где жила вся моя большая семья, была деревня, в которой жили люди разных национальностей, в том числе китайцы. У нас дома работал один из них, его звали Луфу. Он ухаживал за нами, я запомнил его бережное отношение ко мне.

- Известно, что Вы частый гость китайской провинции Ганьсу. Можете ли Вы сказать, что культура Китая оказала на Вас какое-то влияние?

- Сейчас я руковожу Российской академией художеств, поэтому удается работать не только с Китаем, но и с Францией, Италией, США... Я смотрю масштабно. Каждая из этих стран повлияла на меня по-своему.

- А какая из стран вдохновляет Вас больше всего?

- Россия.

- Как родная Грузия отражается на Ваших картинах?

- Я часто рисую грузинских барышень, виноделов и шарманщиков, деревенские пейзажи и петухов.

- А почему Вы так любите изображать подсолнухи на своих полотнах?

- Посмотрите за окно: пасмурно. Теряется колорит, а подсолнухи его восполняют.

- У Вас есть какие-либо увлечения, помимо искусства?

- Нет, сейчас нет. Все свое свобдное время я уделяю рисованию, во время которого я люблю послушать классику и старую грузинскую музыку. А в юности, когда я учился в академии, очень популярными среди молодежи были футбол и бокс. После занятий мы сломя голову бежали играть. Это был своего рода «психоз».

- А политикой Вы когда-нибудь увлекались?

- Когда-то я был дипломатом. В то время я почувствовал, что изменял себе психологически, так как я ничего не рисовал, отказывался от каких-либо идей... Спустя какое-то время я понял, что не могу так, бросил все и сказал: «До свидания, я не хочу быть дипломатом». Так что нет, политика меня не сильно волнует.

- В связи с событиями, которые происходили на зимней олимпиаде 2018 в Южной Корее, а именно отстранение наших спортсменов от игр и другие скандалы, связанные с этим, можно смело сказать, что политика оказывает прямое влияние на спорт. Поэтому у нас возник к Вам такой вопрос: может ли политика повлиять на искусство или оно остается неприкосновенным?

- На меня и мое творчество – нет. Для меня плохой погоды не бывает. Я смотрю добрыми глазами на все, что меня окружает: хорошие люди, природа... Это помогает мне сохранить свой мир. Вот, посмотрите, даже эта мастерская, где я занимаюсь со своими учениками... Атмосфера в ней особенная.

- Да, нам известно, что Вы часто работаете с детьми и проводите для них мастер-классы. Это доставляет Вам удовольствие?

- Да, доставляет. Я считаю, что должен сделать что-то для юного поколения. Это мой характер: нельзя быть эгоистом и работать только для себя. Я занимаюсь с детьми, не ограничивая их свободу творчества. Я даю им все необходимые материалы: мольберты, краски, кисти и холсты. Лишь бы они рисовали в свое удовольствие.

- Ваше желание заниматься искусством также появилось в детстве?

- Да, у меня был дядя, с которым мы жили в одном доме, когда я был маленьким. Смотрел я на него тогда и думал: «Если стану художником, буду таким же красивым и сильным атлетом». Художником стать получилось, атлетом - нет. (Смеется).

- Мы знаем, что Вам удалось пообщаться с Марком Шагалом. Повлияло ли это знакомство на Ваше дальшнейшее творчество?

- Безусловно! Шагал – хороший человек. Я был также знаком с его женой Вавой. Прекрасная женщина. Она рассказывала мне те вещи, которые, я думал, знают только грузины. Например, как надо запрыгивать в трамвай на ходу. Когда я показал Шагалу свои работы, он воскликнул: «Ой, боже мой, боже мой!» У него во дворе было две мастерские. В одной из них он работал и никого туда не пускал. Но меня почему-то решил взять с собой. Как только я вошел, сразу же побежал смотреть его палитру. Палитра – это сердце художника. Помню, как Шагал потрепал меня за щеку, у меня даже где-то фото сохранилось.

- И с Пикассо Вам тоже посчастливилось познакомиться?

- А как же! Больше всего мне запомнилось, как он в трусах рисовал тореадора, бегая перед зеркалом и позируя себе.

- Кто из художников Вас вдохновляет больше всего?

- У меня есть композиция, которую я назвал «Мои любимые художники», посвященная Пиросмани и Ван Гогу, Матиссу и Пикассо, Шагалу и Дали. Их работы остаются актуальными до сих пор и вдохновляют меня.

- Может ли художник общаться со зрителем через свои произведения?

- Да, ведь искусство - это та сфера, где мы можем быть свободными. Поэтому я общаюсь через искусство, оно помогает мне шагать вперёд.

- Вы замечали, что с возрастом менялось Ваше видение мира? Может это как-то отразилось в Ваших работах?

- Мне сложно сравнивать себя прошлого и себя настоящего. Я не оглядываюсь назад. Вот сейчас мы с Вами прошлись по галерее, пока поднимались сюда, в мою мастерскую. И вы видели, что я сам удивлялся тому, что это мои работы. Неужели это я сделал? (Смеется).

 

Фото авторов

- Какой совет Вы бы хотели дать молодым художникам?

- Мне мои великие педагоги Шухаев, Шарлеман и другие говорили: «Искусство для искусства». Я тогда не осознавал смысл этой фразы, но с годами понял, что они имели в виду. В искусстве мы свободны делать все, что приходит нам в голову и выражать в своих работах первые впечатления, не дожидаясь смены освещения. Сегодня так, завтра по-другому. Мир очень изменчив, поэтому нужно постараться запомнить сегодняшний день. Я очень благодарен своим педагогам за все, чему они меня научили. И сейчас весь этот бесценный опыт я пытаюсь передать детям, с которыми работаю.

Фестивальная эстафета «Планета искусств – творчество народов мира» прошла в пяти городах России: Москва, Санкт-Петербург, Ялта, Калининград и Сочи, а также в городе Шарджа, ОАЭ, театр Masrah Al Qasba, где прошел фестиваль «Планета искусств - Калинка».

Фестивали проходили при информационной поддержке Министерства культуры Российской Федерации, Департамента культуры города Москвы, Министерства культуры Московской области, Министерства культуры Республики Крым, Министерства образования Калининградской области, Управления культуры администрации города Сочи.

Министр культуры РФ В. Мединский о фестивале: «Проект вовлекает в свою орбиту участников из разных уголков России и зарубежья, дарит им опыт общения со сверстниками, представителями других культур, даёт мощный толчок профессиональному творческому росту. Здесь формируются благородные нравственные качества, закладываются жизненные ориентиры, прививаются принципы дружбы и взаимопонимания».

Среди участников фестивалей хореографические и вокальные коллективы из Республики Казахстан, Шри-Ланка, ОАЭ, Республики Саха (Якутия), Республики Хакасия, Ханты-Мансийского автономного округа, Пермского края, Краснодарского края и Республики Крым, Москвы и Московской области, Санкт-Петербурга и Ленинградской области, Свердловской области, Ярославской области, Великого Новгорода, Тулы, Оренбурга и других городов и регионов России.

В творческом форуме и фестивале-конкурсе «Планета искусств» представлены разные жанры и виды творчества: хореография, вокал, инструментальное творчество, изобразительное искусство, декоративно-прикладное искусство, фотография.

Среди членов жюри: прима-балерина Большого театра, народная артистка России Анна Антоничева; доцент кафедры теории и истории искусств МГХАИ им. В.И. Сурикова Ольга Прошкина; артист, певец, композитор, музыкальный продюсер, телерадиоведущий Клим Ворошилов; заслуженный артист Республики Дагестан, ведущий солист Московского государственного академического театра танца «Гжель» Дмитрий Толмасов; заслуженная артистка России, балетмейстер, Лауреат высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой софит» Елена Кузьмина и другие деятели искусства.

Организатор: международный фестивальный комитет «Жизнь городов» - член EAFF – Европейской Ассоциации Фольклорных Фестивалей и международного Танцевального Совета при ЮНЕСКО (CID).

Венецианский бал, обзорные экскурсии по городам, посещение галерей и музеев – фестивальная неделя выдалась у участников насыщенная.

Следующая эстафета фестивалей «Планета искусств» пройдет уже с 4 по 8 мая.

Мир акварелью (Моя страна «Акварелия»)

Воскресенье, 07 Июнь 2015 15:38 Опубликовано в Биноклиус

Artist manifesto - written appeal, the appeal programmatic

Мой творческий манифест

Одной из главных целей для себя, как автора, считаю:

- стремление к созданию понятного и космополитического искусства, востребованного в мире;

- стремление к отражению своего понимания жизни в картинах и других работах, что является передачей мироощущения и мироосмысления, как основы для создания художественного образа в живописи;

- неприемлемым следование конъюнктуре или подражание в искусстве;

- технику исполнения живописных работ равноправным инструментом или творческим языком Автора. Авторская живописная техника или «манера» является первичной коммуникацией со зрителем и должна быть профессиональна, что не мешает менять или искать различное «звучание» или собственную вариативность в манере письма.

Пример:

Музыкант не умеющий владеть инструментом не сможет исполнить произведение и тем более продать билеты на свой концерт. Так почему в живопись легко, под прикрытием умных слов, часто попадают те, кто не владеет техникой? Именно способность работать и передавать свои ощущения и впечатления от увиденного через живопись отличает художника от ремесленника. Язык скрытой, не поверхностной метафоры, способной передать отношение к увиденному или рассказать живописным языком об увиденном и отложившемся в памяти.

Сейчас многое изменилось из того, что окружало художника раньше. Наличие цифровых инструментов и гаджетов, технический прогресс и спрессованность времени, когда самолет и автомобиль превращают многие длительные и созерцательные процессы в мимолетные, также влияют на ощущения и мировосприятие художника. Более того, считаю необходимым для современного художника использование современной техники в работе. Многие творческие процессы перекрещиваются с дизайном и техническим прогрессом. То, что было невозможно раньше - доступно сейчас, но и то что было нормой для живописца в прошлые столетия - стало немыслимо в наше время!

Живопись - это один из многочисленных слабо конкурентных видов визуализации внутри большого информационного поля. Нас окружили интернетом, телевидением, кино, фотографией и т.п. и это не просто эпизодический контекст, нет, это основа нашей жизни сейчас, поэтому живопись превратилась в своего рода искусство ради развлечения ценителей или примкнувших к ним последователей. Раньше художник был единственным инструментом для воспроизведения и фиксации действительности и даже светской или религиозной пропаганды - сейчас это не так. Мне видится развитие творчества через индивидуализацию восприятия, но не манеры работы. Ценность своего искусства я вижу не в фиксации действительности, а в передаче того «нерва» жизни, той метафоричности, которую можно вложить в произведение или картину, не нарушая, при этом, целостности восприятия. Излишняя конъюнктурность и надуманность мне только мешает. Я не вижу смысла для настоящего художника в повторении и тиражировании «узнаваемого» приема, который был приобретен, как маркетинговое преимущество для лучших продаж картин.

Следуя своей ментальности и понимая, что мои картины это уже реальность 21 века, понимая, что фиксация впечатлений и отсутствие размеренной созерцательности это уже данность моей постиндустриальной «биографии», и что темп жизни часто опережает ту ритмичность, с которой художник может создавать свои работы, акварель стала одним из важных и «программных» инструментов моего творчества.

Неповторимость акварельной техники и своенравность водных красок помогают добиться баланса между живописностью, которую я так ценю, и техничностью исполнения, что позволяет осознанно идти по пути противопоставления моей живописи как обилию «фото/гипер» реализма, так и процессу коньюктуризации искусства. Сейчас мне важно соединить в одном произведении и технику, как универсальный язык коммуникации, и динамику, как отражение современного ритма жизни, и индивидуальность восприятия, как «метафору» моей ментальности, для того, чтобы живопись стала авторской проекцией субъективно идеалистического восприятия реальности художника.

Используя в своей работе различные живописные и графические материалы, основное место на сайте автор отводит акварельной технике: «Техника акварели позволяет добиться воздушности и прозрачности в работах художника, каждая картина, выполненная акварелью - уникальна, ее нельзя повторить, акварель - это живая техника, ее невозможно приручить, ее можно только умело направлять туда, куда хочет автор, и она тогда преобразит белый лист бумаги в легкое и светлое произведение искусства….

Как художник, в своем творчестве, прежде всего, я опираюсь на традиции русской школы живописи серебряного века. Также могу отнести себя к последователям русского импрессионизма(*).

В акварелях стараюсь показать все многообразие цвета, цветовые вибрации, разнообразие оттенков и колористики в картине. С помощью сложных цветовых сочетаний из палитры исключил черный цвет из «банки», поэтому тени могут содержать до 10 цветов одновременно, а драматургия сюжета достигается смешением техник - по влажной бумаге а-ля-прима, сухой кистью и наложением цветов - лессировкой. В работе использую кисти разных размеров и составов – до двенадцати видов в каждой картине.

В своих работах стремлюсь передать, прежде всего, настроение и ощущение внутренней сцены, найти в каждом сюжете свою внутреннюю историю и гармонию. Наполнение работы смыслом и внутренним содержанием для меня всегда превалирует над актуальностью и модностью.

*…Характерные черты русского импрессионизма - это «этюдность» и некоторая незавершенность, которые обеспечивают тот «трепет жизни», который был столь значим для этого направления в живописи. Отсутствие сильной динамизации, которая была характерна для импрессионистов Франции, и бОльшая нагруженность смыслом так и не позволила русскому импрессионизму перейти до конца в разряд живописи ради живописи. Содержательная доминанта, тяготение к смыслу и значению художественного образа, бОльшая материальность и предметность, а также тенденция к картинной монументализации пленэра в основном посредством этюда, выполняемого в один заход.

 

О музыке…

Сразу хочу сказать, что для меня очень важно ощущение от работы, это так же важно, как и то, с помощью каких красок или кисточек будет исполнена картина. Мое ощущение, которое я передаю в работе и техника исполнения, вступают в диалог со зрителем – это как музыка или исполнение музыкального произведения, картина должна стать «застывшей музыкой», именно поэтому, так важно, чтобы не было «фальшивых нот» и плохого исполнения. Можно сколько угодно говорить о том, что актуальное искусство расширяет границы восприятия, но меня точно не заставишь идти на концерт где плохо играют, даже если это будет модно. Почему зритель в отличие от слушателя смотрит выставки, которые часто «фальшивят» это другой вопрос, но в своей работе этого точно допускать я не могу.

Об акварельности…

Почему акварель? Акварель — это очень живая техника, сложная и красивая, с характером и «нервом». Очень подходит для передачи настроения. Конечно, краски приходится заказывать из Англии, но цена вопроса качество пигмента и светостойкость, поэтому экономить на этом нельзя. А еще очень нравится состояние легкого «мандража», как перед экзаменом, перед началом каждой работы, акварель очень своенравна, поэтому приходится так «мандражировать» каждый раз…в этом вся суть этой техники. Видимо, из-за этого она не всеми любима и не всем покоряется. У каждого хорошего художника свои секреты мастерства, люблю их разгадывать, да и свои секреты тоже есть. Кстати не часто вижу мастеров у кого есть что подсмотреть, в акварели есть мастера-современники, но не нашей школы. Наши, перед кем я поклоняюсь, остались в прошлом столетии и еще раньше. Акварель не прощает ошибок и слабостей, ее легко как говорят «замучить», но если получилось с ней найти общий язык, то в хорошей раме с правильным экспонированием будет радовать не одно поколение зрителей….

О нюансах и восприятии…

Очень нравится, когда нахожу натуру, в которой нет «новодела». Не могу писать новодельную или отреставрированную архитектуру. Сейчас все делают так, что пропадает настоящий цвет и оттенок, штукатурят и закрашивают, мостят дорожки и приукрашают до такой степени, что все становится не настоящим. Живопись не «глянцевый журнал», мне нравится, когда живопись не «зализана», а передает нюансы и оттенки, не превалирует «открыточный» коммерческий подход. Для украшения действительности в 21-м веке изобрели много технических средств передачи. Художник должен думать кистью, а не копировать цифровые возможности современных гаджетов. Это, конечно, мое мнение, но мне важно именно право художника на то, что не дано машине или цифровому носителю, право на свое восприятие, на свой живописный язык, на свое «звучание». Но ответ на вечный вопрос философии - что важнее «идеальное» или «материальное», каждый художник выбирает сам. Я, все-таки, думаю, что прежде чем для себя определить в каком поле оказаться, надо научиться рисовать. А это процесс очень долгий и занимает годы, но в этом весь смысл живописи для меня – постоянно разбираться в нюансах и тонкостях восприятия.

Вспоминаю как в детстве, всегда долго стоял перед понравившейся картиной и часто возвращался, вычерчивая замысловатые траектории, мимо музейных бабушек, для того, чтобы записать в памяти те или иные живописные приемы, манеру положить краску на полотно или бумагу, передать кистью живое, меняющееся пространство или характер предметов. Думаю, что я еще не понимал тогда, что несколько мазков любимого мастера, способны перевернуть мои представления о живописи сильнее художественной школы или училища, в которых я буду учиться. Детские впечатления стали основой того, что мне полюбилось в живописи и того, что нельзя вытравить из меня никакими актуальными тенденциями, пропагандируемыми кураторами или людьми, делающими на этом свой бизнес. Да, мне дороги мои первые «детские» образы и впечатления в искусстве, да, это та суть живописи, которая помогает мне быть самим собой. Я помню, как читая Набокова, мне были близкими не его «тиражные» произведения, а мало читаемые «Другие берега» и «Дар», отправляющие к истокам творчества писателя и невероятного языкового мастерства.

Сейчас в живописи, трудно быть самим собой и продаваться. Успех художника — это часто синоним того, что надо быть в «арт-тусовке», следовать актуальным течениям, протискиваться к благодетелям арт-мира, придумывать себе пиар истории или делать модные инсталляции чтобы быть замеченным галеристами и аукционистами.

Мне гораздо важнее, оставаться тем «ребенком», которого мать привела в пять или шесть лет на выставку и которого могла потрясти какая-нибудь незаметная маленькая картинка, этюд, неизвестный и не разрекламированный, выставленный как один из этапов биографии художника, но такой важный для меня. Мне кажется, что противостояние художника, его движущая сила созидания должны идти изнутри, из таких «детских» воспоминаний, образов и впечатлений, а не от конъюнктурного начала, диктуемого зачастую пустым и мёртвым арт-пространством вокруг».

 

Биографическая справка:

Иван Порхачёв родился в 1978 году в Москве. Окончил с отличием в качестве правительственного стипендиата Московский текстильный университет имени А.Н.Косыгина, факультет прикладного искусства.

С конца 1990-х годов начал работать дизайнером одежды, создал свою дизайн-студию, выпускавшую современные промышленные коллекции. Работал бренд-директором в Китае, России, Европе, Турции. Зарекомендовал себя как опытный стартап-менеджер в области одежных и дизайн проектов в России и за рубежом.

Несмотря на то, что работа в прикладном дизайне требовала много времени, начиная с 1990-х годов, Иван не переставал заниматься профильными для него живописью и графикой. Поэтому, имея опыт художественного училища и университета, художник в своих работах успешно находит баланс между техникой исполнения и собственным видением натуры, его картины передают то, что мы можем видеть вокруг себя, иногда не замечая как это может быть прекрасно, его зритель погружается внутрь произведения и каждый может почувствовать атмосферу и настроение переданное автором.